Listado de la etiqueta: Electronica

Artista: Varios Artistas
Álbum: Gegen DECADE. 10 Years Anniversary Compilation
Label: Gegen Records
Fechas de lanzamiento: Part I: 17 septiembre 2021 / Part II: 1 octubre 2021 / Part III: 15 octubre 2021.
Formato: Digital
Género: Techno
“Moirai” Trilogy: Artwork by Andrea Galad

Tracklist Part I

Ellen Allien – “Acid Against Fascism”
La Fraicheur & Leonard De Leonard – “Lost In Midland”
Bloody Mary – “They Come For Us At Night”
Flavia Laus – “Catharsis”
Oliver Deutschmann – “Delete Religion”
Ayako Mori – “Shrine Of Gegen”
P.E.A.R.L. – “Perfume Of Sweat”
Cristian Marras – “One Of A Kind”
PVS – “Panic Room”
Sarah Strandberg – “Helter Skelter”

Tracklist Part II

Paula Temple – “Gegen X”
Mar/us Feat. Espectra Negra – “Against Yourself”
Esther Duijn – “Exomorph”
Scalameriya – “Grappler”
OCD – “Nature Abhors A Vacuum”
Lady Maru – “Kill Ur Lobby”
Non reversible – “Obscuration”
Bombardier – “Generation Gegen”
Femanyst – “California Killer (Jack The Creamer)”
Tunnel – “Identity And Equity”

Tracklist Part III

Ayarcana – “Igne Natura”
Espectra Negra – “Cyber City”
Hypnoskull – “Im Gegenzug”
Kareem – “whyareyousoscared__BUNKERPROOFBULLET-MIX”
Liza Aikin – “Muriel”
Years of Denial – “Pleasure”
Dominik Müller – “I Saw Her At K. – Str. 76”
Huren – “Pool Footage”
Stave – “Grain”
SKD – “Serpents Of The Snake Pit”

“Debemos abrazar la unidad, no la separación: compartir, volver a comunidades pequeñas y solidarias. Unidad, no separación, es lo que tiene que suceder.”Genesis P-Orridge

Para celebrar su 10º aniversario, el colectivo queer GEGEN de Berlín ha preparado una sólida compilación de 3 álbumes que repasa su actividad durante su primera década de existencia, para presentar a los artistas que han sido el corazón de sus famosas fiestas, con su estética tan particular y su sonido tan cañero.

Este recopilatorio contiene 30 tracks, seleccionados desde los auténticos residentes en el comienzo del proyecto hasta los cabezas de cartel cuyo apoyo ha impulsado al colectivo en la escena berlinesa. Incluye también a prometedores artistas que Gegen se toma muy en serio y amadrina, brindándoles todo su apoyo.

El criterio seguido en la selección de temas ha respetado la diversidad del techno y sus creadores.

Dando como resultado una muestra de diferentes subgéneros y BPM, que van desde el techno clásico al industrial, del hardcore al breakbeat, del ácido a la deconstrucción… Si te va el rollo de viaje etéreo y misterioso, encontrarás a Ellen Allien y Femanyst. Si buscas embarrarte las botas en el fango de distorsiones punkarras, encontrarás a Hypnoskull y Bombardier. Si necesitas descargar energía con himnos tensos, encontrarás a Paula Temple, Espectra Negra y Ayako Mori.

Si lo tuyo son ganas de disfrutar de bajos duros y secos, encontrarás a Ayarcana, Tunnel y Esther Duijn. Si estás por perderse en viajes hipnóticos, entrégate a Cristian Marras, La Fraicheur & Leonard de Leonard, Non Reversible y Lady Maru. Además de otros tracks maravillosos de Bloody Mary, Mar / us y Years of Denial, o temas deconstruidos y centradas en la batería a cargo de SKD y Scalameriya.

Si te va el underground del undeground en la electrónica, sin duda encontrarás lo que buscas en este lanzamiento que representa con orgullo el sonido de Gegen.

Artist: Daniele Sciolla
Album: Spin Of Synth
Label: Elli Records
Release date: May 21
Composed, recorded and produced by Daniele Sciolla
Mastered by Riccardo Parravicini at Rima Maja
Artwork by Daniele Sciolla and Lise Sciolla
Graphic project by Elli


1. Poly
2. Jupiter
3. Prophet
4. CS
5. Arp

About the release

Trips all around Europe searching for rare synthesisers, a graduate degree in Mathematics, Conservatory of music and jazz studies: these are the elements of which Spin Of Synth is made.

SPIN acts here as the intrinsic property carried by elementary particles, in this case applied to analog machines.

This EP highlights the countless timbre variations that occur between the various analog machines, as an answer to the same stimuli: from a unique trigger very different results appear, and everything is layered and crushed to obtain a giant choral effect. Moreover, time is stretched beyond our standard limits, to create a mosaic of fractal sounds, obtained by varying the pressure of the music sequences.

On each track, synthesisers are either presented as a timbrical mass, or left alone by themselves, in which case even the smallest details of a single synth become audible.

This EP represents a personal path out from music norms, made with instruments that today represent the standard in contemporary music production, and that yet were the cornerstones of electronic music experimentation only a few decades ago.

About the artist

A scientist of sound and perception, moving between digital, analog synthesisers and a distinct pop attitude. Fond of extreme experimentation, he applies his mathematical and classical music knowledge to electronic production, thus achieving a personal style based on melodies and polyrhythms. His works have been selected as soundtracks for Vogue Paris, Versace, Nitro Circus and Teton Gravity, among others. Since 2012 he has been playing more than 400 concerts all over Europe, also taking part in festivals as Heineken Balaton Sound, Spring Attitude and Ypsigrock.

About the label

Elli Records is an independent label focused on music made by humans, for humans, with computers. Beyond the standard classification by genres, Elli promotes those artists that develop a deep relationship and thought on machines and software.

POLY is the first track of this mixtape on THE WIRE

Artist: The Allegorist
Album: Hybrid Dimension II
Label: Awaken Chronicles
Release date: May 7th, 2021
Format: 1-Track-Single & Album


01. Collective Energies
02. Desired Changes
03. Imposed Rules
04. Ocean Waves
05. Disillusion Echoes
06. Left Behind
07. Dark Forces
08. Shiny Material
09. Unlimited Dedication
10. New Beginning
11. Risen Again
12. Harvest Season

About the release

The love and dedication that Anna Jordan aka The Allegorist places in each project she pursues reflects an artist that thrives on creativity and creation itself, turning thoughts and narratives into a near-palpable reality. As an electronic music producer, singer, visual artist, sound designer or painter, she gathers in herself an ideal skill set that enables her to visualize a sonic reality, ranslatable into several artforms that comply with her futuristic, forward- thinking vision under her musical alias, The Allegorist.

With Hybrid Dimension I via Los Angeles’ Detroit Underground, Jordan created an extensive audiovisual experience, treading the realms of downtempo electronica, ambient and spatial exploration, having her track and video for ‘Humandroid Lovers’ featured at the Hong Kong Arthouse Film Festival in late 2018.

The Allegorist’s new album, Hybrid Dimensions II, gives continuity to the galactic journey initiated by the protagonist, a girl that overcame her fears to become the Dragon Rider. She now finds herself standing on the boat known as The Viking Thunder, facing a foreign land – the unknown.

Hybrid Dimensions II comprises twelve-tracks of otherworldly soundscapes, electronic textures of grand embodiment, proportion, sounds of lament and dissociation. Hypnotic and fragile on the verge of desolation, Jordan’s ability to occupy the surrounding space with her technical performance is immersive, with it requiring detailed attention to connect the layers of dense, symbiotic melodies.

‘But there is a sort of light, so small that it can only be seen in the deepest darkness. It wasn’t there at the boat or ruins, where everybody was looking for it. It was inside of all of them. ‘

Aiming for solace, Hybrid Dimensions II’s journey conquers higher planes, achieving its goals of unification and closure, soundtracked with great depth, detail and made with an invaluable amount of passion and consistency by The Allegorist. For the protagonist, her story concludes after batting great distances, facing dark encounters, but in the end, she came, conquered and left, whole again.

The Allegorist sings in the fictional and majestic Mondoneoh language, to connect all nations.

The album single & video «Dark Forces“ was be released on April 9th, 2021.

Artist: TUN Torino Unlimited Noise
Album: New Door
Label: Jazz-o-Tech
Release date: May 21st, 2021
Format: Album (Digital)


01. New Door
02. City Card
03. Sahara
04. Peacefulness
05. Tunz
06. Unlimited Noise
07. Balon

About the release

The game-changing Jazz-o-Tech label continues to establish its unique sound with a new album from returning favourites TUN aka Torino Unlimited Noise. This cutting edge techno-jazz band offers seven more thrilling hybrids that are primed and ready for the return of dance floor action.

Italian collective Torino Unlimited Noise is at the forefront of this new sound, drawing on the history of jazz and futurism of techno to cook up brand new sounds that are challenging yet compelling. The band is made up of Gianni Denitto on sax, effects and loops, Fabio Giachino on synth and Mattia Barbieri on drums and drum pads. They are virtuoso live performers who have worked on international collaborations with Richard Galliano, Zion Train, Randy Brecker, Flavio Boltro and others, and they never fail to get their audiences in raptures.

The excellent ‚New Door‘ kicks the album off and is an intense and energetic track with booming bass and glitchy hits all run through with freeform jazz sax, modal melodies and a true sense of musical expression. ‚Sahara‘ is a hyperspeed workout with impressive live drums. Sci-fi synths and a noodling lead sax weave their way in and out of the busy arrangement and take you on a real trip. ‚City Card‘ is another expressionist live piece that ebbs and flows on tumbling drums, walking bass and gentle sax stabs, while Peacefulness provides a chance to catch your breath amongst more soothing keys and sax lines. ‚Tunz‘ combines perfectly the physical power of techno – thanks to the booming drum work – and the improvised, unrestrained nature of jazz. The high powered ‚Unlimited Noise‘ is like Detroit techno played by an ensemble of paranoid jazz musicians, and closer ‚Balon‘ rides up and down on lurching broken beats, with withering saxophone and frazzled bass all consuming your soul.

This is a hugely inventive and accomplished album of perfectly hybridised sounds from one of the most exciting bands in the underground.

Jazz-o-Tech is a label that draws on the rich heritage of two of the most visionary and experimental genes in music: jazz and techno. Taking inspiration from the freeform creative nature of those two musical worlds, artists on the label mix tradition with modernity, improvisation with experimentation, and create a new sound known as techno-jazz.

Modern music needs to be ambitious. It must aim to deliver a musical message which is one step beyond what has already been heard. It must take you on a new musical journey into unknown dimensions and emotions. This is the Jazz-o-Tech mission.

Artist: Canilla
Album: you always wanted more in life, but now you don’t have the appetite
Label: Street Pulse Records
Release date: May 14 2021
Format: LP + Digital
Produced and mixed by Ådne Meisfjord (CVK, 120 Days)
Artwork by Constance Tenvik


  1. the extinction’s voluptuous odor 
  2. party with my homies
  3. footbridge
  4.  life without the human look
  5. Alfred Korzybski
  6. you always wanted more in life, but now you don’t have the appetite 
  7. we find them picking flowers that grow in the fields of extreme limit

About the release

Berlin based artist Canilla is a newly sculpted project by Norwegian sound artist and instrument builder Camilla Vatne Barratt-Due. Frequently composing for dance and theatre productions she develops sonic fields that often includes electronics and live coded synthesis merged with materials from her extensive accordion collection. Canilla’s performative installations have been presented in museums and theatres as well as sound-art, dance and music festivals in Germany, Denmark, Spain, Sweden, UK and Norway. She was recently chosen for SHAPE 21 – a European platform for innovative music and audio visual art.

The songs on you always wanted more in life, but now you don’t have the appetite are thought of as conceptual love ballads stemming from trees of a wounded forest – originally coming out of an installation Canilla made for Kontakte Festival at Akademie der Künste in 2019. Behind the stories pumps a mechanical heart, a structure based on creations of dismantled accordions. Canilla works between installation and performance art, turning traditional analog materials such as old tools and accordions into altered mechanical systems played with code. This layering of practices gives electronic music a new physical body tracing the remnants of the past, giving the mechanical objects an afterlife. 

Canilla is inspired by sound artists such as Pauline Oliveros, Delia Derbyshire, Else Marie Pade and Laurie Anderson. She has collaborated with a wide range of artists stemming from live coding, contemporary music, theatre and dance productions, such as Jo Grys, Peter Cusack, Alexandra Cardenas and Ingri Fiksdal. Her work has been presented at venues such as Akademi Der Künste (Berlin) Black Box Theatre (Oslo), London Royal Operahouse, HAU (Berlin) Radial System, Bergen International Festival and Stamsund International Theatre Festival (Norway).

Single (out now):

Artist: Emika, Horace Andy
Album: Transcended Before Me
Label: Emika Records
Release date: 26 March 2021
Format: Digital


  1. Transcended Before Me

About the release

Emika will this year mark the tenth anniversary of her debut self-titled album. A new body of work titled Vega will be unveiled throughout the year, comprising a trilogy of three collections of songs. This will feature some reimagined versions of classic tracks from her Ninja Tune catalogue, including ‘Professional Loving’ (which was sampled by The Weeknd on his track «Professional»). Vega will also showcase new material including collaborations with Horace Andy (Massive Attack), Liela Moss (The Duke Spirit), and techno behemoth Rødhåd

Brand new track «Transcended Before Me» featuring Horace Andy takes us deep into her universe. Icey, blue, dreamy, hypnotic, the song features soul singer Horace Andy who sings from his heart about how «the things you love the best, never ever stay, you try to hold onto it, it slips away…» Emika’s repetitive «come, come, come» sonic hook guides us through and epic journey of transcendental woosh sounds, Beethoven-esque piano bass stabs, symphonic synth harmony, and in unforgettable marching beat and puts hip-hop, trip-hop and techno into a new dimension. 

Emika produced, wrote and mixed the music from her studio in Berlin in 2020. The lyrics and vocals of Horace Andy were created by him and recorded in Jamaica. 

 If you’d like to become a Patron of Emika’s work please join directly here: 
All Emika links:

Artista: Christopher Bissonnette
Album: Wayfinding
Label: 12k
Fecha de lanzamiento: 18 septiembre 2020
Formato: Vinilo


  1. Overture
  2. Plea
  3. Suffering
  4. Thoughts
  5. Omission
  6. Accumulation
  7. Response
  8. Consequence

Wayfinding es el sexto álbum de estudio en solitario de Christopher Bissonnette y el primero, se espera que de muchos más, en el sello 12k. Este disco encarna una evolución en su trabajo, pasando de una series de exploraciones basadas exclusivamente en sintetizadores, a una amalgama de métodos acústicos y electrónicos. Cada pista busca encontrar grandeza en una escala diminuta.

El enfoque de Bissonnette ha cambiado desde arrolladores drones pastorales hasta pasajes introspectivos con melodía delicada y armonías esquivas entrelazadas con grabaciones de campo y de estudio. Esta escala de minutos también se refleja en un serie fotográfica que estudia el paisaje doméstico del hogar. La secuencia de imágenes transforma la banalidad y insignificancia del interior familiar en vistas expansivas y panoramas bucólicos. Wayfinding es el disco más íntimo de Bissonnette y el más vaporoso trabajo hasta la fecha, ejecutado con hermosa moderación.

Artista: Sevdaliza
Álbum: Shabrang
Label: Twisted Elegance
Fecha de lanzamiento: 28 agosto 2020
Escúchalo en Spotify.

El enigma perfecto

El segundo disco de Sevdaliza confirma su madurez creativa, para dejar claro que su singularidad sobrepasa el ámbito musical, empujada por sus inquietudes artísticas hacia un espacio mucho más amplio, complejo e intrincado. En ocasiones me recuerda más a Marina Abramovic que a FKA Twigs, en su visión dramática del arte y su expresión de la existencia.  

Nacida en Irán y criada en los Países Bajos, antes de dedicarse a la música destacó en el deporte, -de adolescente formó parte del equipo nacional de baloncesto holandés-. Con su belleza radical, a Sevdaliza le basta dejarse ver para ser una performer de culto, como una exótica yegua purasangre cuya sola presencia física cautiva e intimida a partes iguales. La imagen ecuestre es una metáfora recurrente en su carrera, véase el vídeo de “Human”, o léase el mito persa de Siyâvash, el héroe que atravesó el fuego cabalgando al legendario Shabrang (cuyo nombre da título a este disco), el caballo negro como la noche que adoraban los fieles a Zoroastro.  

Sevdaliza es un misterio ajeno a la luz. Parece un dios persa contemporáneo, impasible y cruel, fascinado por las emociones de los mortales, esforzado en comprenderlas, en aprehenderlas, sin demostrar la menor empatía hacia ellas. Sea como sea Sevdaliza en realidad, ha cultivado un personaje rico y transcendente, de una glamurosa maldad dominante, indescifrable e irresistible, que encarna un enigma perfecto. 

La sobriedad espartana de “Ison”, su álbum de debut de 2017, ha quedado muy atrás con su segundo disco, en un despliegue de formas musicales apabullante y sofisticado. Visto uno al lado del otro, “Shabrang” es un lago mucho más profundo y extenso, de aguas igualmente negras, donde adentrarse supondría una temeridad. Más que un leitmotiv, la oscuridad es un género en sí misma, una materia adictiva a la que podemos consagrar la vida entera.  

En esta ocasión Sevdaliza de nuevo se ha rodeado de sus colaboradores habituales, uniendo fuerzas con el productor holandés Reynard Bargmann (Mucky) y el músico Mihai Puscoiu para la orquestación. El resultado es una colección de 15 temas muy heterogénea, pero tremendamente coherente, concienzudamente madurada. Engarzados como fábulas de Las Mil y Una Noches, cada uno trata un pasaje distinto desde una misma sensibilidad. Producidos con enfoques muy diversos, en un despliegue de géneros que abarca desde el trip-hop (si es que ese término pudiera referirnos algo hoy en día) y el dupstep, pasando por el jazz y la música clásica, hasta el folclore de Oriente Medio.  

Todo ello aglutinado con la voz arenosa de Sevdaliza, la estrella absoluta de este firmamento, con su vibrato suplicante, distorsionada hasta lo sobrenatural con efectos de AutoTune. Ella canta una plegaria tras otra, de una balada farsi a un himno existencialista, obsesionada con las paradojas de la condición humana, la dolorosa experiencia de vivir, la bondad y la maldad, la cordura y la locura, la desdicha, una violencia contenida, el amor, la fe, la devoción y una ligera esperanza en mitad de la desolación.   

Por Emilio Ferrer

“Eso del ‘artista torturado’ es una estupidez”

Robert Toher no es underground. Es el underground. Con su proyecto Public Memory, recién publicado cuarto trabajo y a las puertas del quinto este mismo año, el neoyorquino le ha devuelto a la electrónica oscura una honesta suciedad que necesitaba un género que a veces peca de exceso de pulcritud. Public Memory te puede sonar a tal o recordarte a cual, sí, pero es él mismo con un vigor y una honestidad que vamos vamos. Antes de acceder a esta entrevista, Toher puso condiciones y esgrimió razones. Solo hablaríamos de música. Y solo de música hablamos. Aquí, el resultado.

Este año has lanzado tu cuarto trabajo, ‘Illusion of Choice’, un disco de tres temas, lo mismo que el anterior, ‘Veil of Counsel’. ¿Tiene alguna relevancia la elección de este formato?

En mi opinión, la música se lanza aún hoy en un formato anticuado, LP/EP… Creo que eso debería cambiar. Un EP es solo una forma de lanzar una pequeña cantidad de pistas que no encajaban en ningún otro lado. Si por mí fuera, lanzaría algo que tiene una longitud entre LP y EP, y lo haría un poco más frecuentemente. Tal vez 20-25 minutos, álbumes de cinco o seis canciones. Dos veces al año. El problema durante un tiempo fue que era difícil lograr que la prensa se tomara las cosas en serio a menos que fuera oficialmente un ‘LP’, con su consabida extensión. Pero ahora mismo creo que la prensa importa mucho menos de lo que solía. Al final, la percepción de que solo un ‘LP’ merece una atención significativa se desvanecerá. No me malinterpretes: me encanta escuchar álbumes como una experiencia completa. Pero la idea de que o haces algo más largo de 35/40 minutos o tendrá menos importancia es una tontería.

Los tres temas que componen tu nuevo disco: ¿por qué ellos y no otros?

Son canciones para las que no tenía un hogar. El track de apertura, ‘Ledge Of Ash’, es de cuando grabé mi primer álbum ‘Wuthering Drum’ (entre 2014 y 2015). No encajaba en aquel álbum y no he encontrado un sitio apropiado donde incluirlo hasta ahora. Los otros dos temas son más actuales, pero yo sabía que no quería que estuviesen en mi próximo LP (que saldrá este año). Puedes tener canciones que te gustan pero que a veces no funcionan con las otras, y en el caso del nuevo LP yo tenía claro que quería empezar desde cero y usar un equipo y una aproximación diferentes. Así que tenía todo el sentido publicarlas por separado.

Un elemento central en tu música ha sido siempre la fragilidad. Transmitida por tu voz y por muchos elementos del segundo plano. Ahora sin embargo se percibe más energía, todo está delante, la voz, la percusión, más cuerdas, todo está más definido. ¿Son alucinaciones de una periodista o reconoces este proceso de ‘ganancia energética’ en tu música?

Estoy de acuerdo con que la fragilidad es un elemento importante en mi música. Respecto a lo de la energía, no lo veo claro. Tengo la impresión de que mi segundo LP, ‘Demolition’, estaba mucho más lleno de sonido, movimiento, textura, acción… El primero es mucho más minimal. El próximo tendrá una energía diferente a los dos primeros. Creo que las cosas tienen que evolucionar sin parar. Cómo expresas la energía es algo que cambia de álbum a álbum… que es lo que creo que tiene que suceder. 

Leo en una entrevista realizada tras la publicación de ‘Wuthering Drum’ que creaste el sonido de Public Memory muy minuciosamente, minimizando la paleta de sonidos, evitando influencias externas… Estabas muy preocupado en diseñar un sonido propio. ¿Es algo aún prioritario para ti?

Es importante tener mi propia voz y creo que la he desarrollado con el paso del tiempo. Ahora no trato de encontrar un sonido muy diferente, pero sigo desafiándome a mí mismo, así que aprieto las tuercas un poco más. A veces estoy trabajando en un tema y se hace evidente que no será para Public Memory. No es que exista una receta para una canción de PM, pero definitivamente sé cuándo algo NO lo es. Quiero ser fiel a mi sonido, pero también tengo que evolucionar. Así que trato de abordar las cosas de manera diferente y ver hacia dónde conducen. Puedo llevar las cosas bastante lejos en algún momento: hacer un álbum sin instrumentos electrónicos: ¿cómo sonaría eso? O tal vez haga algo que esté más basado en piano / voz / ambiente, o un álbum que se centre principalmente en la percusión…

La mayor parte de las veces no creo en las influencias. Creo que uno hace la música que le sale, y entonces se parecerá más o menos a la que han hecho otros artistas. ¿Hasta qué punto ejerces control sobre lo que creas?

No estoy seguro de que haya una respuesta sólida a esta pregunta. Creo que con todo el arte, si es sincero, las cosas simplemente salen. Si es forzado, imprime una especie de falta de autenticidad en el trabajo. Tal vez sea de forma sutil, pero se puede ver que está muy influenciado por una cosa u otra, o que es simplemente pastiche… En mi caso, tengo que trabajar con mucha libertad, al principio de manera muy abierta. Me gusta dejar que las cosas salgan de forma natural y afinar más adelante. Ahí es donde ejercito el control, la parte más difícil, en realidad. Es necesario revisar, ajustar, pulir, pero es un equilibrio delicado. Si lo trabajas demasiado, el tema se sobrecargará. Demasiado denso, demasiado lleno de ideas diferentes; perderás el hilo. Así que después de un montón de exploración, improvisación, experimentación y tocar mucha música, cuando llega el momento de transformar eso en una canción, existe el peligro de ir demasiado lejos…

¿Cómo es tu relación con el proceso creativo?

Muchos artistas tienden a romantizar sus procesos, para mí, honestamente, no es nada romántico. No se parece en nada a un trance ni a un ritual. Es definitivamente caótico, un lío gigantesco de ideas y notas hasta que en algún momento todo se une. Pero no por arte de magia, o de repente. Se une por la cantidad de trabajo y prueba-error, revisión y ajuste. No pretendo sonar aquí como un artista torturado. De hecho, esa imagen me produce escalofríos. Solo digo que la idea de un músico que vive en un mundo de inspiración mágica, o un torbellino de creatividad, subyugado por el proceso de hacer su propio arte, no es para nada lo mío. Para mí solo se trata de ir a trabajar.

Todo en tu música parece muy medido, incluso cuando es ‘imperfecto’, como en ‘Red Rainbow’, con esa percusión de fondo que es realmente un glitch. ¿Cómo desarrollas instrumentalmente los temas?

Casi siempre empiezo con la percusión. Entonces los elementos graves y después lo demás, sea una idea vocal, otros sintes, elementos percusivos, guitarra… Pero para mí la percusión es lo primero.

¿La creación debe ser ‘verdad’? ¿Tu música eres tú?

No creo que el arte sea siempre, todo el tiempo, ‘uno mismo’. Quiero decir, para algunos probablemente sí. Pero para la mayor parte de la gente, ni siquiera una parte del trabajo es acerca de sí misma. Sería absolutamente agotador y también un poco tonto. Si cada una de mis canciones tratase de una experiencia que he vivido o sobre relaciones que he tenido, sería demasiado para mí. Creo que pongo un montón de experiencias vividas, sueños, recuerdos, imaginación en mi música y mis letras –así que en ese sentido es muy yo–, pero no es el equivalente a un diario personal de experiencias o una representación directa de quién soy personalmente.

¿El sufrimiento va implícito en la creación? ¿Hay masoquismo en el proceso?

No creo que el tipo de ‘sufrimiento’ del que la gente habla sea realmente lo mismo que yo experimento. Si hay algo, es más catarsis que sufrimiento. Para mí, el sufrimiento es tratar de obtener una toma vocal por décima vez y sentirme frustrado porque no logro que mi voz haga lo que quiero. Ese tipo de cosas. Partes del proceso que son tediosas: ese es el ‘sufrimiento’ para mí. El resto es catarsis y sienta bien.

Como decía antes, eso del ‘artista torturado’ es una estupidez. Por supuesto, depende del tipo de arte que uno haga y el propósito tras él. Si tu arte involucra, digamos, justicia social, y/o si es un proceso de curación de cosas que te han sucedido o que le han ocurrido a otros, por supuesto, pero ese no es el tipo de sufrimiento del que estoy hablando. Con lo que tengo problemas es con esa imagen de genio afligido que piensa demasiado bien de sí mismo o de su arte cuando en realidad es solo un cantante grosero de una banda de rock, o una persona que hace pinturas de salpicaduras en su ático caro. Ok, no hay nada malo con el rock o con pintar lo que quieras. Simplemente no te tomes tan en serio que te coloques en un pedestal imaginado donde de alguna manera tú o tu trabajo sois más importantes que cualquier otra persona o su trabajo. Dicho esto, cada cual hace su camino. He hecho mucho mal arte –y mucho mientras me tomaba a mí mismo demasiado en serio-, así que definitivamente entiendo y reconozco que las personas crecen y cambian. Aun así, no hay precisamente escasez de gilipolleces pretenciosas en el mundo del arte, y prefiero bloquearlas.

He leído que al componer las voces primero buscas la musicalidad y después las palabras.

Sí. Encuentro melodías y las sílabas son lo primero que llega, como una respuesta a la música. Después encuentro las palabras. Para mí es una forma más sencilla y natural de trabajar. Soy incapaz de imaginarme escribiendo un puñado de versos y creando música para que encajen. Sin embargo, sí que tengo una lista larga de palabras y frases/pensamientos que me ayuda a generar ideas o títulos de canciones, etc.

Este es tu tercer proyecto musical, los previos fueron en compañía [Eraas y Apse]. A la hora de crear, ¿mejor solo que acompañado?

Disfruto ambas cosas. Ahora mismo prefiero hacer material por mi cuenta y lo más probable es que Public Memory sea siempre mi proyecto en solitario, pero tal vez vuelva a hacer proyectos colaborativos.

En la era de lo textual, el misterio es un activo raro que tú escenificas y gestionas, no solo a través de la música, sino también de elementos visuales, fotos, portadas de álbumes…

Es importante asegurar que tu representación visual está en línea con tu estética, tu gusto, tu proyecto. Y hasta ahí. No intento ser ‘misterioso’, como mucha gente parece pensar. Simplemente no comparto demasiado sobre mi vida personal en redes sociales. Muchas bandas, algunas de ellas con muchos seguidores, las usan para publicar cosas como los macarrones que cenaron… o un sombrero estúpido que se han comprado. Todo por esa pequeña avalancha de dopamina. Oye, las personas pueden publicar lo que les dé la gana, por supuesto. Simplemente yo no estoy interesado en compartir este tipo de cosas. Además, este proyecto nunca ha sido sobre mi cara o mi cuerpo o mi aspecto. Tengo poquísimas fotos de prensa. Por cierto, es una locura lo ridículos que son la mayor parte de los medios cuando te piden “una foto donde se te vea claramente la cara”. Lo piden así constantemente. Uno pensaría que las publicaciones que se dedican a materias artísticas tendrían que entender que tus fotos no tienen por qué ser las que publicaría una revista como ‘People’ o un influencer en su perfil de Instagram. Pero yo ya no discuto. Si no quieren usar las fotos que yo considero que me representan mejor y por eso no escriben sobre mi proyecto, no me importa.

En el vídeo de ‘Lunar’ usas imágenes de ‘Un perro andaluz’, de Luis Buñuel. ¿Te interesa el trabajo de los surrealistas? 

No es un vídeo oficial. Es de un fan. No tengo un solo vídeo de mis temas. Los pintores surrealistas (y no solo Salvador Dalí) me interesaron mucho en el instituto. Ya no tanto. Ahora me gusta mucho más el surrealismo en el cine, la música y la escritura.

Has dicho de ti que eres una persona nostálgica. Me gustaría saber si eso tiene su representación en términos musicales.

Sí, claro. La música para mí está muy orientada a los recuerdos y también es muy visual. Trato de crear música que procure ese efecto, esperemos que al menos para algunos…

¿Cuáles son tus intereses en música y arte?

Crecí con un gran interés en las artes visuales y de hecho fui a la escuela de arte. También tocaba en bandas punk y experimentales en la escuela secundaria y la universidad, pero lo visual era mi principal interés en aquel momento y donde tenía más talento, diría. Pero la música finalmente se volvió más interesante, un terreno con mucha más profundidad que explorar. No enumeraré artistas o cineastas, pero por supuesto me gusta todo lo que me conmueve, me dice algo sobre mi vida o la de los demás de una manera convincente y/o sincera y/o profunda. Me gustan las imágenes de ensueños, de trasfondo mágico, las que usan la naturaleza y la luz de una manera sutil que transmite emociones intensas. Y en lo que respecta a la música, me encanta el ambient, como Stars of The Lid. Me gusta la música clásica, también la moderna clásica, y los lugares donde esas formas interseccionan con el ambient. Últimamente me va mucho el vaporwave y la forma en que confluye con la nostalgia, el consumerismo/capitalismo y la cultura. También soy un inmenso fan del dub. Me refiero al viejo y bueno. Disfruto otras muchas formas de música, por supuesto, pero estas son las que más me vienen a la cabeza ahora.

No he tenido la suerte de verte actuar en directo (solo en YouTube, y lo que he encontrado no me ha parecido significativo). Escuchando tus discos me imagino a una persona que parece sufrir sobre el escenario, como Thom Yorke o Beth Gibbons. ¿Cómo vives la experiencia de los directos, es importante para ti?

Por desgracia no tengo ningún vídeo bueno. Algunos antiguos y bastante vergonzantes u otros con un audio horrible. En algún momento haré un live en streaming, cuando tenga control sobre el mix de audio. Hice una improvisación recientemente que está en mi canal de YouTube. Habrá más de ese tipo, pero haciendo canciones mías reales. Es muy fácil que la improvisación se vuelva aburrida si todo no está bien preparado. Al menos, para el tipo de música que hago yo. Sí que me siento muy influido por los dos artistas que has mencionado, pero no sufro en el escenario. Eso sí, tengo mucha energía nerviosa tanto dentro como fuera del escenario, así que eso acaba saliendo… Sería una pena estar ahí sin hacer nada. Aunque por otra parte Beth Gibbons no se mueve mucho en el escenario y aún así es tan poderosa…

¿Dejarás la música alguna vez?

¿Cómo saberlo? ¡Ja! Puede que sí, puede que no. De momento no está en mis planes. Aunque, si hablamos de actuar en directo, no me gusta demasiado hacerlo. ¿Que por qué? Porque toda esa cultura de los shows y la noche ya no son para mí. Pero más importante, porque permitirse una buena banda es difícil. En un plano ideal yo estaría creando material para que lo tocasen entre cinco y siete personas en un set de directo. Pero es prácticamente imposible afrontar ese gasto de viajes y pagarle a la gente. Puede que en el futuro, si mi proyecto se hace mucho más popular, cosa que dudo.

Y la última: visto lo visto, ¿me concederás otra entrevista dentro de unos cuantos años, o no quieres volver a saber de mí en la vida?

¡Por supuesto que sí!

Por Yiyi Jolie

“Al principio, la creación me hacía sufrir mucho. Era un sufrimiento extremo”

De su último disco, el autoeditado ‘Porvenir’, la crítica musical que aún sobrevive apostó que podía ser el mejor álbum del año. Y es que es soberbio. Lo que hace Sole Parody es un trabajo de una compleja originalidad, donde constantemente pone a prueba la mezcla de electrónica exquisita y voces enraizadas en el folclore. Ella ha logrado que semejante matrimonio funcione y emocione, te guste o no la música de raíz. Hablamos con esta artista total, que también es fotógrafa y por supuesto poeta, sobre producción y procesos creativos (felicidad y dolor incluidos).

Lo primero: ¿cómo estás? ¿Dónde te pilló el ‘estallido’ y cómo has llevado el confinamiento? ¿Ha sido inspirador o desesperante?

Me pilló en casa, en Madrid. El confinamiento ha tenido de todo, pero en general ha sido un viajazo interior… He estado bastante improductiva, en el mejor sentido. Parálisis por fuera y gran movimiento por dentro. Supongo que entre inspirador o desesperante, inspirador, pero una inspiración con delay, que probablemente note más adelante. 

Tu último disco es de 2019, ‘Porvenir’, justo hace un año. ¿Estabas trabajando en nuevo material? ¿Hay disco de Le Parody a la vista?

¡Qué va! Yo soy muy lenta para sacar algo nuevo. Y siento que ‘Porvenir’ apenas acababa de nacer. Normalmente espero a haber aprendido nuevas cosas (a nivel musical y de producción) y a tener algo nuevo que contar, para ponerme a hacer algo. No me gusta repetir fórmulas, me aburriría.  

Me intriga tu forma de trabajar. ¿Trabajas sola? ¿Produces, mezclas…?

Trabajo sola pero con muchas colaboraciones, y en la mezcla final hasta ahora siempre he sacado el trabajo a algún otro ingeniero o productor, porque hacer un disco me supone pasar muchísimas horas, semanas, incluso meses escuchando lo mismo, y creo que el oído al final se envicia y que es bueno que oídos externos den el último toque. Aunque quizás sea algo que cambie en el futuro y acabe por encargarme yo de la mezcla también, ahora que voy cogiendo experiencia en producción. También me gusta ir mostrando el trabajo a amigos y músicos conocidos cuando aún está a medio hacer. Cuantos más puntos de vista, mejor.

En ‘Porvenir’ hay una propuesta electrónica muy avanzada, pero la parte que es música ‘de raíz’ está perfectamente delimitada. Es como si estuviese dentro de una burbuja, y todo lo demás lo envolviese suavemente, sin ‘perturbarla’. ¿Cómo haces ese trabajo?  

La verdad es que es un proceso que tengo tan naturalizado que me resulta difícil de explicar. En general empiezo por la electrónica, pero enseguida se me vienen melodías a la memoria… Y en mi memoria hay mucho folclore, supongo. Me gusta la definición que haces de la burbuja, porque yo creo que el juego es precisamente no tratar de fusionar nada. Casi toda la carga de la electrónica está en la base musical, y casi todo lo popular o folclórico en la voz, luego cada parte se contamina un poco de la otra, claro: la voz queda encajada en la rejilla rígida del beat, y la melodía a la que tienden las bases se hace un poco pop… Pero no sabría decirte el mecanismo exacto. Voy tocando, voy probando, y donde creo que suena bien, paro.

¿Cómo llegaste a esta conjunción? Tengo la impresión de que hay un proceso en tu música que te lleva cada vez más a las profundidades de una electrónica elegante y experimental, pero sin abandonar los rasgos del carácter que te atribuyes. 

Todo empezó de una forma quizás un poco naif, a mí me parecía que cualquier instrumento y cualquier idioma valían para hacer cualquier tipo de música. Siempre me hace mucha gracia contar que yo al principio quería hacer algo que sonara como los Arcade Fire o como Tune Yards, que era la música que escuchaba en ese momento. Y, bueno, escuchas ‘Cásala’ [autoeditado, 2014]… y ya te darás cuenta de que nada que ver. Partí de una premisa práctica: hacer música con instrumentos pequeños, para poder viajar cómoda si tocaba por ahí. Y también quería que se pudiera bailar, y desde siempre me gusta hacer beats, por eso metí el sampler desde el principio. Entonces me di cuenta de que las herramientas marcan absolutamente lo que haces. Si metes un ukelele, la música va a sonar de determinada manera. Y no digamos ya el idioma y el acento [es malagueña aunque criada en Granada]. Ya el solo hecho de cantar en español y con el acento que tengo al hablar, la música se orienta a una dirección muy concreta. No sé si debería o no debería ser así, pero así es. En el segundo disco [‘Hondo’, 2015] quise aprovechar eso conscientemente. Hice un álbum que está un 90% construido a partir de samples, para traer todos esos lugares y esos sonidos a mi música, que me parecían lugares importantes para la propia historia del folclore de Andalucía, que es en el que me crié. Entre el sampleo y el beatmaking me fui metiendo más en la parte electrónica y en el tercer disco [‘Porvenir’] ha tenido mucho peso empezar a pensar las bases y las dinámicas de una forma más autónoma. A mí me gustaría en algún momento hacer música de baile, algo más cercano al techno, que es lo que más me gusta. Quizás tenga que formar parte de otro proyecto, porque no sé si ahí cabría la voz, que por ahora es parte fundamental de Le Parody.

Destaca en tu música el tratamiento de las voces y su producción. ¿Larga vida al vocoder?

Bueno no es exactamente un vocoder, yo uso un armonizador, de un aparato muy concreto, el TC Helicon Voice Live Touch, que creo que se ha dejado de fabricar… Así que ese efecto tendrá que morir en algún momento, como casi todo lo que hago últimamente, que depende de máquinas analógicas que en algún momento dejarán de funcionar… De todas formas, volviendo a las voces, siempre les hemos dado mucha importancia y en el último disco fue lo que más tiempo ocupó. Lo digo en plural porque ahí siempre cuento con César Berzal, un productor amigo con el que grabo y trabajo toda esa parte. Podemos pasarnos días hasta dar con un efecto que nos gusta, o editando las palabras casi fonema a fonema hasta que nos suenan bien… 

Lo que haces es algo… único. Por mucho que se me ocurra que tiene que ver con lo que hace Rosalía en más de un sentido (hablo de la Rosalía de ‘El mal querer’), lo que tú cultivas es difícil de encontrar en otros jardines. ¿Esta singularidad te ha complicado la vida?

Pues no sé cómo sería mi vida si hiciera algo menos singular. Tampoco es que fuera mi intención hacerlo. Yo cuando estoy haciendo música la hago que me guste a mí, pero siempre pienso que, como me gusta a mí, le puede gustar a más gente. Y no lo sé, supongo que por un lado te da, y por otro te quita. Yo no puedo adaptar mi estilo a lo que creo que se pueda llevar más, no soy capaz. Así que nunca podré averiguar cómo sería si lo hiciera distinto. 

¿Cuánto te hace sufrir? La creación, quiero decir.

Al principio, mucho. Era un sufrimiento extremo. Por ejemplo, cuando terminé de componer ‘Hondo’ me metí en tal pozo de inseguridad que casi no lo publico. Pero ‘Porvenir’ no lo he sufrido nada, fue un disfrute total. Salvo los típicos atascos de no saber para dónde tirar con un tema. Y aun ahí eran atascos técnicos o estéticos que resolvía sin sufrir. Todo depende de cómo esté una y llevo ya unos con buena salud mental, crear sin sufrimiento es lo mejor que hay, es como jugar. 

Aparte de vivir de su trabajo, ¿lo que más anhela un artista, aún hoy, es ser comprendido?

No lo sé, no lo sé… Yo cada vez tengo menos ego puesto ahí… Al principio sí que me hacía fantasías e ilusiones de grandes éxitos y repercusiones… A medida que me voy dedicando más a esto eso me da cada vez más igual. Yo lo que anhelo es poder seguir haciéndolo, porque es el oficio que más me gusta, hacer música, hacer fiestas. Que siga siendo sostenible, que no me tenga que buscar alguna cosa fea que hacer para ganar dinero que me quite tiempo de vivir… Esa es mi única preocupación.  

¿Alguna vez te has dicho a ti misma que dejabas la música para siempre?

Pues alguna vez en alguna rabieta en algún momento difícil seguro que lo he dicho. Pero no la música, sino dedicarme a la música. Yo no creo que vaya a dejar nunca de hacer música. Llevo haciendo música desde que tengo memoria. Con juguetes, con una guitarra, con un sampler, con un ordenador… No me imagino que en algún momento pueda parar y no vuelvan a entrarme ganas de cantar o de tocar algo.

Si la actividad se reactiva alguna vez te veremos actuar en algún momento del segundo semestre del año?

¡Sí! Si todo va bien, tengo una agenda bien repleta en otoño… Casi todo lo que tenía en primavera se ha aplazado a septiembre, octubre y noviembre. Crucemos los dedos. Iré anunciándolo todo cuando se pueda. Me podéis seguir en redes como @leparody y ahí voy actualizándolo todo.

Por Yiyi Jolie

Nightcrawler 'Visionary' cover

Título: Visionary
Label: Nightcrawler Music
Formato: Digital, CD, LP
Fecha de lanzamiento: 27 de marzo 2020
Género: Synthwave, Synthpop, Darkwave


  • Visionary
  • Gain Theraphy
  • Enfer
  • Nemesis
  • Vanished
  • Hellgate
  • Catharsis
  • Gehenna
  • Depressive Ghosts
  • Limbo

El lanzamiento de ‘Visionary’ en medio de unas circunstancias excepcionales como es una crisis sanitaria mundial de consecuencias imprevisibles, se presenta como una nueva etapa para Nightcrawler. El productor afincado el Lleida deja que el synthwave, sonido habitual en sus creaciones anteriores, pase a ser un estilo más en sus inquietudes creativas actuales, claramente influenciadas por la electrónica de club, el synthpop o el darkwave.

Este álbum, menos cinéfilo y con una producción más arriesgada y experimental. supone una evolución en el sonido de Nightcrawler. Está cargado de ritmos electrónicos, líneas de bajo, momentos de tensión, oscuridad sonora y una atmósfera general bastante inquietante.

“Visionary” se ha creado con colaboraciones nacionales e internacionales como Maxthor, músico y productor de Alicante, Celine, cantante francesa afincada en San Francisco, Sonja, cantante de la banda de synhtpop Oblique de Barcelona y Damasius Venys, responsable del proyecto Mental Exile, con base en Ketsch (Alemania).

La producción del disco se ha desarrollado en Lleida, base de operaciones de Nightcrawler y ha sido mezclado y masterizado en Alicante por Maxthor. La edición digital y en CD se han publicado por Nightcrawler Music, el propio sello del artista y la edición del vinilo será editada por el sello Electric Dream Records con sede en Chicago (USA).

“El español es un idioma que suena”

La Chica cover image

¿Se enamoran los críticos musicales? Los humanos sí, los tontucios no. El único valor que tiene quien se dedica a la crítica musical es el de no ser un bienqueda, y eso incluye sacar pecho con los amores y con los odios [querido: quien clona una nota de prensa no es un crítico musical, es una caca de vaca].

Dicho lo cual: amo a La Chica. Ella no lo sabe, pero yo la amo, que diría Rocío Jurado. Si no la has escuchado aún (mal por ti), te cuento que es francesa y venezolana, que hace una música electrónica delicadísima y original, que no se corta un pelo a la hora de encajar las sílabas del español en sus melodías y que se llama de nombre verdadero Sophie Fustec.

Por casualidad (¿creemos en la casualidad?) cayó en mis oídos poco tiernos ‘Sueños’, luego ‘Oasis’, después el álbum completo, ‘Cambio’, facturado en 2019. Y ahora acaba de publicar un single, ‘El camino’, acompañado de un encantador vídeo de animación que me ha dado una excusa perfecta para entrarle. Porque La Chica no hace reguetón, ni trap, ni pop, ni rock, ni es cantautora, ni hace canción protesta… [suspiro quedo]. La Chica, ¡ay!, hace una electrónica limpia, sobria, de detalle, progresista, tiene una voz honesta y es capaz de meter su corazón venezolano en ese envoltorio de sonidos digitales europeos sin que salten las costuras del traje, más bien ‘perfect fit’. Me gusta tanto tanto que le hago unas preguntas. Y ella, dulcemente, responde esto:

  • ¿Qué te llevó a París, si se puede saber?

Nací en París de madre venezolana y padre francés. Luego viví entre París y Mérida, Venezuela toda mi vida. Últimamente he pasado mucho tiempo en México, que es para mí una sublime tierra de adopción, ya que Venezuela está en llamas .

  • En ‘Sueños’ cantas: “Los sueños no son como antes cuando era, niña paseando con mil ideas”. ¿Con qué sueñas, exactamente?

Sueño mucho, soy sonámbula y ¡sueño mucho despierta también! Trato de traducir en música el ambiente de ciertos sueños que dejan un impacto fuerte en mi vida…

  • Tu música es un mix de electrónica muy depurada, limpia, sin ampulosidades y elementos de la música tradicional latina. ¿Cómo llegas hasta ahí?

Me encanta la música electrónica, pero quiero echarle sonidos más orgánicos (piano, samples de percusiones…) para que quede más caluroso. 

  • Haces electrónica y cantas en español (aunque no siempre). Desde el punto de vista de la propia rítmica del idioma (sin entrar en elementos culturales) es todo un reto…

Sí. ¡Quiero que los sonidos suenen! Y el español es un idioma que suena. Una lengua que me permite usar imágenes, metáforas y expresar las ideas abstractas que tengo en mente de una manera más poética. Además, sueño mucho en español y me inspiro mucho en mis sueños a la hora de componer.

  • El tratamiento de la voz es muy personal, muy bonito. ¿Eres cantante antes que productora o al revés? ¿O una no existiría sin la otra?

Empecé primero por la producción. Porque es un terreno de juego increíble para todo el resto. ¡Ahora la producción me inspira para cantar y cantar me da ideas de producción! 

  • ¿Qué preparas ahora? ¿Más cambios en tu vida y tu música, tal vez?

Acabo de atravesar un periodo de transición muy intenso y largo. Estuve un año y medio sin hogar. Acabo de instalarme, voy a poder componer de nuevo, ¡por fin! A ver qué sale de esta experiencia. 

  • ¿Produces toda tu música? ¿Del primer al último sonido?

¡Sí! ¡Lo disfruto mucho! Pero me encanta compartir con gente, y produje ciertas canciones (Sola, Drink…) con otros productores como EOS Records o Julien Sabourin.

  •  ¿Qué te interesa además de la música? ¿Dónde te encontraremos en París?

Me encanta el arte. Me encanta bailar. Me encanta observar a la gente. Me siento en la terraza de un café y veo la gente pasar, me imagino a dónde van, qué hacen… Me encanta caminar, dejarme llevar y perderme en las calles de París. 

  • ¿La música te sigue haciendo feliz? ¿No te ha decepcionado?

La música está en mi vida desde que nací y la amo por siempre. La música me llena, me hace vibrar, me hace sentir viva. Lo que podría ser decepcionante es la industria de la música y todo lo que rodea al arte de una forma poco sana.

  • ¿Y el público? ¿Alguna vez has sentido la frustración de que no llegas lo suficientemente lejos con tu música?

Amo a esa gente que se desplaza, que sale a escuchar música, que se emociona, es muy importante para mí porque quiero generar emociones e intercambiar. Sé que la música sana, salva a veces, y hasta ahora he recibido mucho amor de parte del público, donde sea. 

  • Un año después del lanzamiento de ‘Cambio’, ¿cuál es el tema del disco que te gusta más?

Todos, ¡jaja!  Pero ‘Addict’ tiene algo especial.

  • Si en un set de dj mezclo tu tema ‘Oasis’ con uno de Sevdaliza, te parecería bien?

¡¡Me parecería increíble!! Ella me gusta muchísimo.

Me derrito.

Por Yiyi Jolie


El próximo 1 de noviembre se cumple un año del arranque de Drift, el monumental desafío que empezó como una bravuconada. Sin tener claro a dónde les llevaría la deriva de su proyecto, los británicos Karl Hyde y Rick Smith (Underworld) se comprometieron públicamente a lanzar un tema cada jueves durante un año. Al final del recorrido, pensaban, tendrían una hermosa librería digital con 52 temas, un montón de material adyacente y una experiencia épica que contar.

Los maestros de la electrónica han cumplido su promesa diligentemente. El mes pasado anunciaban que “Drift Series 1” será publicado en formato de box set, una caja que contendrá 7 discos con 50 temas, un Blu-ray con 30 films y un libro a todo color con fotos, poemas, comentarios y letras de canciones.

La idea inicial del experimento consistía en abrir en su página oficial una plataforma que alojase el torrente de nuevos títulos que estaba por llegar, música hermanada con otras disciplinas (vídeo, poesía, etc.) a lo largo de un año completo. En su carrera ya había un precedente similar: el proyecto “Riverrum” de 2005 (tres suites de media hora, únicamente disponibles online).

Los artistas han confesado que la idea surgió como un reto contra el aburrimiento, por su curiosidad innata y las ganas de probar algo nuevo que los dejara exhaustos, pero “Drift” pronto encontró su propio camino. La iniciativa se abrió a las colaboraciones de lo más variado, como el cineasta Simon Taylor (miembro del colectivo Tomato), la banda de improvisación The Necks, el productor Ø [Phase] o el analista de economía Aditya Chakrabortty.

Underworld ha llevado bien la presión de los plazos de entrega tan ajustados. Lejos de entorpecer su proceso creativo habitual, la dura disciplina que ellos mismos se impusieron parece liberarlos de entretenerse o dispersarse. Como una severa dieta depurativa, “Drift” ha puesto orden a su metodología de trabajo y ha favorecido su expresividad. El resultado es una versión contundente de sí mismos, esquemática, de trazo grueso. Aunque contiene algún hit bailable, predominan los mantras introspectivos en una línea serena.

Escucha la playlist actualizada en Spotify.

Una cabaña en el bosque

Anders Trentemøller supo que iba a ser padre mientras preparaba su sexto álbum de estudio. La buena noticia modificó sus planes sobre el proyecto, descartando una larga gira que lo alejase de casa en tan importante momento de su vida. El músico danés dice haberse sentido libre para desarrollar los temas de “Obverse” sin preocuparse por su formato en directo, pudiendo dedicarle más atención a los arreglos y a una producción incondicionada.

Aunque tenía previsto un disco instrumental, todavía más cinematográfico que este, el autor reconoce que algunos temas le pedían voces. Rachel Gosewll (cantante de Slowdive), Lina Tullgren, Lisbeth Fritze y Jennylee (bajista de Warpaint) son las vocalistas con las que colaboró en esta ocasión. Ellas no se han limitado a interpretar las letras de las canciones, sino que se han ocupado de escribir su propia lírica.

El profundo sonido Trentemøller es inconfundible, fronterizo entre lo digital y lo analógico -aunque el peso de lo orgánico es cada vez mayor-, con frecuencia recuerda a las bandas que admira (a The Cure, Joy Division o New Order) aunque desde una perspectiva complemente personal, donde las guitarras y los sintetizadores conviven en una atmósfera misteriosa. Buscando efectos nuevos, coquetea con metodologías poco ortodoxas. A Trentemøller le gusta grabar en cinta, fascinado por la textura rugosa y el efecto velado que confiere al sonido. No hay que dejarse engañar si el resultado a veces parece demasiado informal, Trentemøller es muy meticuloso en todas las fases de creación.

“Obverse” es monócromo, como una película en blanco y negro altamente contrastada, sin grises intermedios, en gráficas entramadas. Oscuro y, a la vez, brillante. Por momentos cegador. Está lleno de diminutas sutilezas que se descubren tras varias escuchas, una delicia para atender en reposo con auriculares. Los momentos íntimos se abren el melodías épicas, cambiando de escala a todas horas, arrastrándonos en un paseo nocturno por el bosque, apartando ramas, escalando crestas húmedas y adentrándonos en cavernas.

Sé testigo

El estatus de dios de la noche no es suficiente para Richie Hawtin. Podría limitarse a recorrer el mundo de cabina en cabina, ajeno al huso horario presente, en una noche eterna, poniendo a bailar a sus feligreses de todas las razas, de todo el planeta, haciéndolos sentir afortunados por agitarse tan felices, olvidados sus problemas, rendidos a sus pies. Podría conformarse con ser una estrella, recoger cheques y aplausos, subir y bajar del jet privado, y dejarse adorar tras un cordón de terciopelo rojo. Podría, pero eso no es suficiente para él.

Una persona que se construye sus propias máquinas no es fácil de contentar con propinas, su avidez creativa no se acomoda en una trayectoria artística convencional. Hawtin siempre está buscando nuevas fórmulas para mantener viva la tensión esencial que atrae a las personas a la pista de baile, para establecer un diálogo honesto entre público y escenario que no oculte nada. Él confía plenamente en la tecnología como respuesta a esa necesidad de aportar pruebas de un acto de fe.

Close Combined es un ambicioso proyecto audiovisual que profundiza en la interacción entre el artista y los espectadores, mostrando cómo performa todo en vivo, como un desarrollo no predeterminado. Según su deseo de “hacer más transparente el arte de pinchar”, las cámaras lo captan todo en una visión panóptica, para mostrarlo en un panel de control videovigilancia. La disciplina Boiler Room es llevada un poco más lejos, para ampliar la definición del DJing, observada desde todos los ángulos.

El primer show Close fue presentado en el Coachella de 2017. Desde entonces, ha estado rodando por el mundo. De toda la gira, Close Combined utiliza las grabaciones de las citas de Glasgow, Londres y Tokio, mezcladas en triple pantalla vertical. El resultado es un registro de las sesiones de techno trepidante en la que Hawtin no para quieto un segundo, interviniendo en el sonido constantemente, pulsando, girando o deslizando botones aquí y allá. Como espectador, tampoco podrás quedarte quieto un segundo, mientras imaginas estar presente, mezclado entre a gente, inmerso en una experiencia total.

El álbum ya está disponible en todas las plataformas digitales.
Puedes acceder aquí:

Artista: Francesco Devincenti
Título: Brutal Reality
Label: Pregnant Void
Fecha de lanzamiento: 30 septiembre 2019
Formato: 2×12″ Vinilo, digital.
Género: Ambient, Dub, Electrónica

Francesco Devincenti es un productor italiano, diseñador de sonido y performer afincando en Berlín. Comenzó su carrera actuando en clubs del norte de Italia y Slovenia, hasta establecerse en Berlín en 2010, donde creó su propio estudio en Neukölin. Cuando crea en solitario, firma su trabajo como ‘Francesco Devincenti’ y ‘Gasolio’; aunque también colabora en proyectos colectivos, como ‘MØRK’ -dúo formado junto a su amigo Emanuele Pertoldi- o como ‘TDV’, mano a mano con Lucretio.

Francesco es un amante de las máquinas y un purista del sonido, motivo que le ha llevado a diseñar y ensamblar partes del hardware que utiliza en busca de un sonido personal, para crear piezas de ambient, jungle beats, grooves distorsionados y toques de dub.

Pese a su obsesión por encontrar su propia voz musical, no tiene complejo a la hora de inspirarse en maestros de estudio como King Tubby, Adrian Sherwood y Mark Ernestus, aunque su música experimental parece evitar cualquier camino conocido, introduciéndonos en ambientes y ritmos impredecibles. En este LP además encontramos las colaboraciones de Hi.Mo, Simone Gatto y la vocalista Alice Lobo.

‘Brutal Reallity’ se nos presenta como muestra de 10 años de experiencias vitales y como herramienta para contarnos parte de su biografía. Francesco lo define así: «Con el álbum trato de explicar lo que tengo dentro de una manera que no podría hacer solo con simple comunicación verbal. Esos momentos de ‘realidad brutal’ cuando pierdes algo muy importante y no eres capaz de expresarlo por ti mismo». Ciertamente, cuando escuchas el disco puedes sentir la capacidad de su música para revelar estas emociones.

Preorder en Bandcamp.

El Ciclo DNIT de la Obra Social «la Caixa»  presenta su programación para este otoño en CaixaForum Barcelona con Alva Noto y JASSS, donde ambos artistas presentarán en primicia sus nuevos directos audiovisuales.

JASS – Live A/V. 25 de octubre.
Venta de entradas haciendo clic aquí.

Silvia Jiménez a.k.a JASSS es uno de los nombres más excitantes que han aparecido en la escena electrónica en los últimos años. La artista sonora y DJ española lleva casi una década residiendo en Berlín. Allí era reconocida por sus enérgicos DJ sets en los que mezclaba principalmente electro, EBM y techno, pero su nombre comenzó a destacar a nivel internacional en 2017 tras publicar su álbum «Weightless» (Ideal).

JASSS se centra en la exploración de la música electrónica a través de grabaciones de campo, piezas electroacústicas y experimentaciones audiovisuales, que traslada de manera contundente a la pista de baile. Actualmente prepara nueva música que saldrá al mercado en los próximos meses y que se podrá escuchar en primicia en su concierto en CaixaForum Barcelona.

Theresa Baumgartner es una artista visual que reside en Berlin. Con su trabajo desdibuja los límites entre la performance audiovisual y la instalación artística, usando técnicas de grabación experimentales para sus visuales y un acercamiento al diseño de escenario que encuentra sus raíces en las bellas artes.

Ha actuado en Instituciones tan importantes como The Barbican Centre o MONA, así como en festivales de la talla de Unsound, CTM o Sydney Festival. En colaboración con el pionero artista visual Marcel Weber /MFO, ha desarrollado la escenografía visual para el Tour Black Origami de la artista JLIN y para el show de Kyle Dixon y Michael Stein, tocando la música de la serie de Netflix «Stranger Things».

ALVA NOTO y ANNE JAMES CHATON. 29 de noviembre.
Venta de entradas haciendo clic aquí.

Alva Noto es uno de los más importantes creadores de la escena experimental internacional, responsable de un sonido que ha influenciado a multitud de artistas a lo largo de los años. Es un maestro a la hora de reducir la electrónica a los detalles más minimalistas, creando un universo de sonido y arquitectura microscópicos. Su sello Raster Noton ha estado siempre en lo más alto de la innovación sonora y visual.

En DNIT presenta en primicia su nuevo espectáculo audiovisual llamado “ALPHABET”, en el que colabora con el poeta sonoro Anne – James Chaton. Alphabet está inspirada en las Etimologías de Isidoro de Sevilla y retoma las estrategias de representación inventadas por el hombre para contar el mundo que lo rodea en la era digital, de manera que invita al espectador a sumergirse en las múltiples relaciones que, a través del lenguaje y sus traducciones digitales, mantienen las palabras y las cosas.

Artista: Tunes Of Negation
Título: Reach The Endless Sea
Label: Cosmo Rhythmatic
Fecha de lanzamiento: 17 de octubre 2019.


  • A / 1. The World Is A Stage / Reach The Endless Sea
  • B1 / 2. Tundra Erotic
  • B2 / 3. Nowhere Ending Sky
  • C / 4. Rückschlag / Rising, then Resonant
  • D / 5. The Time Has Come

Sobre el lanzamiento:

Shackleton nos presenta su debut en el sello Cosmo Rhythmatic con el nombre de Tunes Of Negation. Los temas que componen el disco están íntegramente trazados dentro de un proceso que normalmente vaga por profundidades espirituales y perseverancia sónica.

En última instancia, es una meditación sobre la no finitud de la vida, el espíritu y los límites de la percepción al tratar con ella. Se podría argumentar que todo el disco, así como todo el trabajo de Shackleton, es un intento de romper esos límites y traspasar la experiencia humana, incorporando un inmenso vocabulario de tradiciones musicales para deshacerse de la gramática establecida en la música electrónica.

El arsenal habitual de Shackleton de maderas y metales resonantes, polirritmias ceremoniales y melodías astrales, adquieren más libertad y espontaneidad gracias a la participación del tecladista Takumi Motokawa y el xylófono Raphael Meinhart, cuya simbiosis con el productor genera un flujo de energía verdaderamente hermoso y multidireccional. La austeridad de su música armónica, seductora y pura dibuja nuevas trayectorias en el tiempo y el espacio con capas interminables de arpegios, ritmos y drones.

El título del álbum ‘Reach The Endless Sea» está inspirado en un poema del místico Jalalu’l-Din Rumi del siglo XIII. Según nos informa el propio Shackleton, es una descripción de espera lograr con la música, para «ayudar a la transmutación y entrar en la luz «.

Ya puedes escuchar el avance del disco con el tema ‘Nowhere Ending Sky’.

Aprovechando la celebración de la Summer Party Experience, Metro Dance Club publica un manifiesto que defiende sus valores como club y promueve el respeto en cuestiones como la diversidad o el rechazo al sexismo.

Casi treinta años de historia permiten a este legendario club conocer los principios básicos del clubbing. Por este motivo, acaban de presentar un Manifiesto Clubbing resumido en 10 puntos para salvaguardar la cultura de club.

En la próxima Summer Party Experience del 24 de agosto, el club repartirá una serie de adhesivos inspirándose en acciones de otras asociaciones como el Nightmayor de Ámsterdam, la Club Commission de Berlín o Nix Madrid. El respeto por el DJ, el uso responsable de los smartphones o el rechazo total al sexismo son algunas de las cuestiones que construyen esta declaración.


  1. Tolerancia 0 a los abusos sexuales – NO SEXISM
  2. Respeta la diversidad (de género, de estilo, de pensamiento, …) – RESPECT
  3. El móvil en el bolsillo, y si quieres sacarlo, apaga el flash o el foco – FORGET YOUR SMARTPHONE
  4. En Metro no diferenciamos, no existen los reservados – NO VIP ZONES
  5. Olvídate de los horarios, en Metro no importa el tiempo y menos el amanecer… – LOSE TRACK OF TIME
  6. El abuso de drogas puede ser perjudicial, cuídate, nadie lo hará por tí – TAKE CARE YOURSELF
  7. SOLID SOUNDSYSTEM, la música es lo único que importa
  8. Lo mejor de un festival, las comodidades de un club – THE BEST OF A FESTIVAL, THE COMFORTS OF A CLUB
  9. Siente al DJ como uno más, respeta su espacio – FEEL THE DJ, RESPECT
  10. Haz que los nuevos se sientan como en casa – #OURHOMEISYOURHOME







Venta de entradas haciendo clic aquí.

El L.E.V., uno de nuestros festivales favoritos, amplía fronteras para presentar su primera edición en Matadero Madrid.

El festival asturiano exporta su fórmula multidisciplinar para celebrar su primera cita en Madrid. L.E.V. Matadero, coproducido por Matadero MadridCineteca Madrid y la plataforma Datatron ofrecerá espectáculos audiovisuales, performances, instalaciones, experiencias sonoras y proyectos de la más reciente escena creativa. Se celebrará entre el 17 y 20 de octubre de 2019 y ocupará casi por completo el recinto del Centro de Creación Contemporánea, con actividades en la Nave 16, Nave 0, Plaza Matadero, Cineteca Madrid y El Taller.

L.E.V. Matadero 2019 supone una evolución de formato, que crece y se diversifica, para presentar una nueva sección dedicada a las experiencias inmersivas: Vortex (VRTX), que supondrá un punto de encuentro dedicado a los nuevos formatos de composición digital y los mundos virtuales. Vortex mostrará trabajos producidos en la intersección entre cine, arte y tecnología, el gaming y la creación electrónica, distribuidos por diferentes espacios.

El L.E.V. se ha volcado siempre en la mejor experiencia de escucha posible. La Nave 16 estará equipada con Soundscape, un sistema de sonido inmersivo diseñado por d&b audiotechnik, que permitirá escuchar y sentir de una forma única todas las propuestas programadas en ese espacio. La Nave 16 presentará proyectos de artistas internacionales cuyos trabajos avanzan en la creación sonora electrónica, algunos de ellos concebidos en exclusiva para este sistema de sonido inmersivo: Morton Subotnick, acompañado de Alec Empire y Lillevan, revisitará su Silver Apples of the Moon. Francisco López, reconocido internacionalmente por sus performances inmersivas en la oscuridad; Aisha Devi, con su nuevo trabajo, y el directo de Djrum entre otros.

Asimismo, tendremos la oportunidad de conocer los proyectos más recientes de artistas imprescindibles, como Ryoichi Kurokawa con Subassemblies, o los míticos Plaid (Warp) presentando Polymer Live Av.

En esta ocasión se suman al cartel propuestas emergentes como SPIME.IM y su proyecto Exaland, una performance VR audiorreactiva y el live de Sega Bodega, con escenografía de Shaun Murphy. También tendremos el primer, y quizás único, directo audiovisual de Tensal (Héctor Sandoval) junto a la artista Marta Verde, diseñado especialmente para la Nave 16 de Matadero.

Como es habitual en los carteles presentados en Gijón, la experimentación y los sonidos más abrasivos también tendrán cabida en esta edición madrileña de L.E.V. de la mano de HP, el nuevo proyecto de colaboración entre Russel Haswell y Powell, acompañados de los visuales de Mathias Gmachl, miembro fundador de los míticos Farmers Manual. También podremos ver al dúo Emptyset que presentará su proyecto Blossoms, en el que emplean nuevas herramientas de creación compositiva, como son la Inteligencia Artificial y las visuales CGI. Además de asistir a la presentación del espectáculo Iniciation de Nkisi -fundadora del colectivo neoyorquino NON Worldwide– un proyecto creado en colaboración con el artista visual Charlie Hope, que dinamita el tradicional formato de concierto audiovisual.

La electrónica intensa y emocional estará presente con artistas como Kelly Moran, en cuyo trabajo fluctúan influencias como el jazz o el dream pop, música neoclásica o el black metal. Conoceremos Volume Massimo, el nuevo trabajo audiovisual de Alessandro Cortini (de Nine Inch Nails), en el que combina su gusto melódico y la experimentación. También tendremos ocasión de asistir al sorprendente Pedagogy, proyecto nacido de la colaboración entre Eli Keszler y Nate Boyce (habituales en los trabajos de Oneothrix Point Never) propuesta personal que bebe del hard fusion, el metal, la electrónica o las percusiones industriales.

Las entradas ya están a la venta en la web del festival. Haz clic aquí.

Artista: niet!
Album: Something Dark Dancing Inside – EP
Label: Splitting Sounds Records


En la película de Jarmusch “Solo los amantes sobreviven”, Adam llama zombies a las personas normales. Hacerles abrir los ojos a la realidad es un trabajo titánico, para el que ya no tiene ganas ni fuerzas. Además, es un proceso súper desagradecido. Normal que en “El show de Truman” a Truman (Jim Carrey) no le siente bien que Christof (Ed Harris) le confiese que su vida es una ficción prime time. ¿Qué pirado va ofrecerse ahora a despertar a Neo en “Matrix”, si te expones a que te parta la cara cuando le sirvan el rancho?

No te quede la menor duda de que la existencia es inmensamente más rica y extensa que la vida que has elegido. Posiblemente hayas tenido que arrancarte los ojos para no ver lo que hay más allá de tu rutina, o hacerte el dormido cada noche cuando se mete en la cama contigo. De todas las personas que podrías ser, de todos los héroes que podrían hacer a tu madre sentirse orgullosa de haberte parido ¿esto es todo a lo que aspiras? ¿Esta leonera es tu zona de confort?

niet! no viene a consolar tus remordimientos, ni a acariciarte el lomo, tirado en la alfombra narcotizado, con la cena en la boca a medio masticar. Es la voz de tu conciencia, reptando desde el sótano, en un monólogo interior que susurra, que aconseja o desalienta, que se ríe de tus inseguridades y te azuza para que te atrevas a saltar. La oscuridad no es más que un sueño en el que mirarse al espejo. Presto a bajarte los pies al suelo, un incordio de Pepito Grillo, mitad ángel mitad demonio, salta de hombro en hombro con los labios pintados de carmín. Todos somos doncellas en coma echadas en un prado de flores, esperando con las manos cruzadas en el pecho a que llegue un príncipe a rescatarnos y nos brinde una vida nueva.

En algún momento se disipará la niebla, en algún momento callarán las sirenas y volverán a los abismos del Egeo. Abrirás los ojos en Oz, en la Yanna o en The Grid o donde prefieras. Te sentirás ebrio y exonerado. Cuando liberas un pájaro de la jaula ¿cómo no va a sentir vértigo?


Artista: Doseo
Album: Trip
Label: Faith

Panorámica aromática

De todos los sensores de nuestro cuerpo, el olfato, con diferencia, es el más denostado. Acercar la nariz para olisquear resulta tan simiesco que nos repugna. Tan primario y salvaje, que nos avergüenza. A todos nos aterra la simple posibilidad de quedarnos ciegos o sordos, pero nos daría igual perder el olfato. ¿Acaso conoce alguien la palabra que designa ese trastorno? Anosmia.

Oler es analizar el rastro que dejan las cosas en el aire, los fantasmas que sobrevuelan nuestras cabezas. Leemos la noche, los enemigos, las hembras, la comida y la muerte. Interpretamos las partículas de otros seres que, como esporas, flotan en la oscuridad. La exhalación de las glándulas, el aliento caliente y nuestro propio sudor acre. Un ser civilizado no husmea. Por eso nos perfumamos con flores y con especias, para desviar la atención de nuestras axilas y nuestros genitales.

La pituitaria no tiene párpados. Inhalarás el horizonte por los pulmones, sedientos de sabiduría. Mirarás a través de la atmósfera, cargada de polen infinitesimal. Cada molécula de aroma es un píxel de un paisaje africano. Observarás con atención los mamíferos de pelo brillante y te embriagarás de aceite de gramíneas. Atenderás a los tambores de cuero en la aldea, al humo punzante de la hoguera y al polvo de la estampida. Te hincharás de sabana y de trópico, hasta que te sangre la nariz.

Artist: Ellen Allien. Title: High. Label: Bpitch Control.
Release date: Digital on June 29th 2015. Vinyl on July 13th 2015. Genre: electronica.


A1. High
B1. Lou

About the release:

Ellen Allien’s first release in 2015 is proving once again: the love of music is still the best drug on earth. Since euphoria can turn into ecstasy by sharing this love in high sprits on the floor, her 11-minute trip „High“ is dedicated to the dancing crowd. Everything’s built subtle and hypnotic here: from the pushing bass to the powerful ascending soundscapes of the Jupiter-8 to the lead vocal line „You make me feel so high“.

The B-side is also about her typical way of exchanging energy: „Lou“ is symbolizing the driving parts of Ellen’s sets. During the 303 only tickles at first, the acid helixes soon are climbing up the trance sky. Listen. Feel. Space out.


Artist: A Sacred Geometry. Title: Chapter 1. Label: A Sacred Geometry.
Release date: 01-06-2015. Genre: dub, electronica.


A / 1. Atiya
B1 / 2. City of Ys
B2 / 3. Maroush (Dub Edit)

About the release:

Brainchild of two passionate and likeminded artists, A Sacred Geometry was born as a platform to illustrate techno as a narrative, forgoing the strictly dancefloor nature of the medium. Influences from noise, ambient and new wave coupled with their graphic identity play a crucial role in how the music is perceived, as the journey continues with each new cover art.

As the tale begins with ‘Atiya’, audiences experience a cacophony of slow building acid-like synths which help propel the element of mystification to the forefront of the track. ‘City of Ys’ continues this trend with an enigmatic voice-like tone that glides the listener through the track. The distinct inclusion of brass samples add to the melancholic atmosphere slowly ushering the listener into a dream-like consciousness. ‘Maroush (Dub Edit)’ takes on a different attitude, as deep ambient atmospheres prevail with Eastern inspired string instruments induce feelings of escapism.

One can be expected to continue on this journey, as this is only Chapter I of the chronicle, A Sacred Geometry will develop and evolve as the story continues to unfold.

About the artist:

Dripping in resonance, A Sacred Geometry creates a nostalgic ambient reality redolent of space and texture. Layers of subtle melody and rhythmic pulsation capture the importance of atmosphere and narrative within their work. Organic and emotional content pulsate through the rhythm while the artwork enforces the concept of the music.


Artist: Emika
Album: Drei
Label: Emika Records
Release date: 04.05.2015


El estatus de Emika como una de las artistas más cautivadoras, innovadoras y ambiciosas de la escena electrónica se consolida con la publicación de su nuevo álbum “Drei”, el segundo que ha lanzado este año y el cuarto de su carrera.

Desde el primer momento, nos dejó impresionados con su personal visión musical, a partes iguales entre Blondie y Kraftwerk, el romance y la ciencia ficción. Sus dos primeros álbumes “Emika” y “DVA”, publicados en Ninja Tune, la marcaron como uno de los más excitantes nombres en la nueva generación de artistas do it yourself.

Emika produce, canta, escribe, actúa en directo y selecciona los visuales. Realmente, es una artista a cargo de su propio destino. Ha sido número 1 en iTunes Canadá y 2 en USA con su versión del “Wicked Game” de Chris Isaak y su track “Professional” ha sido sampleado por The Weeknd. Gigantes como McLaren, Gucci y Paramount Pictures (en Misión Imposible: Protocolo fantasma) han utilizado sus composiciones en alguna ocasión. Además, Emika fascina a la audiencia en sus actuaciones alrededor del mundo.

“Drei” es la confirmación de una artista por fin cómoda y sin ataduras. Publicado en su propio sello, Emika Records, fue escrito en solo dos semanas y completamente producido, interpretado y mezclado por ella misma. Es un producto más de una incontenible ráfaga creativa, que la empujó a ser DJ, componer una sinfonía para una orquesta de 70 músicos y montar un nuevo sello en apenas un año.

Emika es una compositora que traduce sus sentimientos personales más profundos en música, impregnados en sus melancólicos paisajes sonoros. Los delicados arreglos fluyen a través de los estados de ánimo exhibidos en el disco, confirmando su talento como artista y productora. Repleto de logros sorprendentes y sutiles, “Drei” alcanza un nivel comedido, sereno y experimentado.

Celosa de sus virtudes y defectos, esté equivocada o acierte de lleno, Emika ya no se deja doblegar por nadie. Como los verdaderos artistas, es dueña absoluta de una creatividad única y asume la enorme responsabilidad que eso conlleva.

Artist: Cio D’Or. Title: «all in all». Label: Semantica.
Release date: May 18th 2015. Genre: Electronica, ambient.


CD (May 18th 2015)
after and before
1. after and before
2. tomorrow was yesterday
3. now and then
4. now is ever

floor x
6. XI
7. XXXXIIII for Mike

yocta to yotta
9. hecto
10. yotta
11. yocta
12. zepto

LP (April 13th 2015)
after and before
A1. after and before
A2. tomorrow was yesterday
B1. now and then
B2. now is ever

floor x
C2. XI
D1. XXXXIIII for Mike

EP (May 18th 2015)
yocta to yotta
A1. hecto
A2. yotta
B1. yocta
B2. zepto

About the release:

While music in its definitive nature fills both space and time, creating environments in which we live and breathe, these miniature dramaturgies string together to become the screenplay to ones existence. Sometimes chosen, and often times forced, these sounds influence the subconscious and designate emotions. Purposely flowing fluently through a spectrum ranging from theatrical to rapturous tensions that mingle through the night. Cio D’Or’s cinematic compilation for Semantica explores another side of techno, a niche home to Cio where each intricate sound takes a risk for the sake of progression.

This three-part collection unveils different sides of the tactful artist, as each are distinctly crafted to play contrasting roles. ‘Yocta to Yotta’, literally meaning from the largest unit to the smallest unit, radiates warmer atmospheres impacted by the eastern world. Telling fervent stories through broken beats and dub-like sounds it is fit for experiencing in nature.
‘After and Before’ is occupied with suspense as the drama builds through this instrumental composition with a focus on the piano and cello also sometimes beat-less. In this case moments of silence are cognizant of a convincing potency. By taking steps in dance and musical theater and cinema, Cio progresses her own work by combining electronic sounds and tangible instruments.
‘Floor X’ taking a journey through bleep and acid minimalism, a sort of indefinable endlessness still waiting to be discovered through a hypnotic reverie and the track ‘XXXIII’ embodies the voice of a supernova. Expanding on the motifs of dancers and dreamers swirling though the night, it includes an ode to a luminary figure in contemporary techno music.

The first chapter in the series will be ‘All in All’ an LP comprised of two parts both ‘Floor X’ and ‘After and Before,’ to be released April 13th 2015. The suite, ‘Yocta to Yotta’ will be out in an EP format May 18th 2015 along with a CD of the complete works. The final piece will be a special edition CD, comprised solely of the ambient sounds that were recorded in the making of the album plus some extras, followed by a remix EP.


Ballistic Records han publicado «Ballistic 5.5» . En esta ocasión solo saldrá a la venta en formato digital y únicamente descargable desde su Bandcamp. El release incluye la colaboración de los dúos catalanes Loppkio y No Parfum, además de dos tracks de Delusions, responsables del sello.


1. Delusions – Void
2. Delusions – Polarity
3. Loppkio – Verneshot
4. No Parfum – Bateig


FIMAE es un nuevo festival que nace con el objetivo de ser una exposición museística de música electrónica y de vanguardia. Se celebrará la segunda semana de septiembre en el recinto del Molí de Mar de Vilanova I La Geltrú (Cataluña), antiguo enclave del festival FARADAY.

FIMAE también quiere relacionar la música electrónica con el arte contemporáneo. Hasta aquí nada nuevo. Sin embargo quieren huir del actual concepto de ocio nocturno y plantean una manera más agradable de vivir la música huyendo de las masas, en primera línea del mar.

Ya están organizando las FIMAE Forward, fiestas de presentación con interesantes line-ups, en El Museo Del Ferrocarril de Vilanova I La Geltrú. Puedes ampliar toda la información del festival en su web o conectar con ellos en Facebook.

Óscar Mulero presenta ‘Muscle and Mind’, su cuarto álbum completo. Será publicado en CD y vinilo el 20 de abril y contendrá remixes de SHXCXCHCXSH y Stanislav Tolkachev.

Los remixes precederán al disco en el EP ‘Dualistic Concept’ que se publicará el 23 de marzo como adelanto al lanzamiento del propio álbum, e incluirá 2 tracks exclusivos y 2 remixes de ‘Muscle and Mind’.

Tracklisting ‘Muscle and Mind’ album

2 x LP:

A1 / Mind-Body Interaction
A2 / Dualistic Concept
B1 / Anatomical Variation
B2 / Mentally Induced Action
C1 / Interrelated
C2 / 201 Element
D1 / Muscle and Mind
D2 / Unconscious


CD1: Muscle and Mind

01 / Mind-Body Interaction
02 / Dualistic Concept
03 / Involuntary Response
04 / Anatomical Variation
05 / Mentally Induced Action
06 / Interrelated
07 / Mindful Body
08 / 201 Element
09 / Mechanical Function
10 / Muscle and Mind
11 / Mental Causation
12 / Unconscious

CD2: Dualistic Concept

01 / Stimulated Reflex
02 / Mechanical Function – Hypnotic Edit
03 / Muscle and Mind – SHXCXCHCXSH Remix
04 / Mentally Induced Action – Stanislav Tolkachev Remix
05 / Stimulated Reflex – Stanislav Tolkachev Remix

Photo: Javier Bejarana

Se acerca una avalancha de lanzamientos desde el nuevo sello de Emika. Una serie de 12 pulgadas orientada a la pista de baile, además de una colección de solos a piano denominada «klavirni», inspirada en el compositor checo Leoš Janáček, que saldrá a finales de enero de 2015. Sin olvidar su tercer disco de estudio y una sorpresa monumental: una sinfonía completa para orquesta.

Hemos tenido la suerte de entrevistarla, en adelanto a su regreso a la actualidad, que promete ser verdaderamente memorable.

TR –  Para crear música electrónica ¿la educación musical clásica es una ayuda o es una influencia de la que no se puede escapar? ¿Sientes que tu formación musical académica te condiciona o te hace más libre?

E – Creo que es muy chulo probar un montón de cosas, no limitarse a una sola herramienta. Me encanta trabajar con diferentes instrumentos, players, sintetizadores y software. Se convierten en un hervidero de posibilidades. Ya no me preocupo más por los géneros, se trata de focalizarse en esa pequeña chispa de la imaginación que tiene la habilidad de crecer si la sigues hasta la madriguera del conejo.

TR – Tu trabajo es melancólico, pero también vitalista. Nos gusta cómo conviven en él los matices más delicados con la intensidad más vigorosa ¿cómo logras controlar todo al mismo tiempo, lo grande y lo pequeño, lo íntimo y lo épico?

E – Cuando trabajo no me doy cuenta de lo que ocurre a mi alrededor ni porqué. Odio tener que parar para beber algo o ir al baño. Lo pospongo todo, incluso dormir, precisamente para estar en ese estado. Es como perderte y encontrar a otra persona en tu lugar. El proceso es mi adicción y, al final, hay música.

TR – La arquitectura de tus melodías es profunda y compleja. ¿El piano es tu apoyo para componer?

E – Si, el piano es como mi viejo amigo. Conozco cada paso y he encontrado la combinación de notas con las que sentirme bien. Cuando canto imagino que mi columna vertebral es un piano con las notas subiendo y bajando.

TR – Desde tu disco debut, tu voz ha evolucionado sorprendente, ha ganado registros y corporeidad ¿consideras tu voz un campo experimental al que seguir sacando partido?

E – Me gusta aislar mi voz. A veces no canto durante días y cuando lo hago, aparece algo nuevo que suena interesante y además, un poco raro. Me gusta grabar cosas raras e inusuales.

TR – ¿La escena electrónica en Berlín sigue siendo tan estimulante y receptiva para los artistas que se instalan allí? ¿Te sientes plenamente en casa?

E – Eso es algo francamente complicado de responder para mí. Considero que he perdido el camino de vuelta a casa y me gusta seguir hacia adelante.

TR – Estás trabajando en una sinfonía para orquesta ¿este proyecto resultó determinante para montar tu propio label y dejar atrás Ninja Tunes?

E – Estoy muy emocionada con el proyecto sinfónico. Michaela Srumova es una soprano increíble y el Czech Radio Studio ha sido recientemente remodelado. ¡No veo el momento de entrar a grabar!

Hypersunday están a punto de presentar su nuevo trabajo: Inferno. Que no os lleve a engaño este título maléfico, la electrónica de Héctor González y niet! es mucho más luminosa y desenfadada que la habitualmente producida en España. Con Comedia-Intro, su primer EP, presentaron un ambicioso proyecto de cuatro entregas, inspirado en La Divina Comedia de Dante. Nueve meses después ya tienen lista su continuación. Hemos tenido el gusto de entrevistar a nuestros cicerones particulares para un descenso a las tinieblas que se recorre bailando.

TR -Por separado, cada cual traía una larga trayectoria al proyecto común. ¿Cómo fue el momento de conoceros y daros cuenta de las cosas que podíais hacer juntos?
Héctor -Química total. Además de unirnos ciertos lazos familiares, creo que lo primero que nos une es el amor a la música.
niet! –A pesar del vínculo familiar nos caíamos bien ¿no? y un día, en un cumpleaños, Héctor me dijo “Podríamos hacer algo juntos”. A día de hoy sigo sin saber por qué dijo eso. Debió de ser porque yo no hacía más que hablarle de música electrónica. Mientras él no paraba de componer y producir, por aquel tiempo yo no paraba de bailar. Y pensamos que sus conocimientos musicales y mi conocimiento de las tendencias y los sonidos podían hacer un buen mix.
H -Efectivamente, nos caímos bien… Yo escuché hablar a niet! acerca de su interés en realizar un curso de producción de música electrónica y yo quería investigar precisamente en ese ámbito. Creo que de ahí vino la idea de proponerle comenzar a hacer música juntos.
TR -¿No andais liados con mil cosas a la vez? ¿Hypersunday supone una válvula de escape creativa?
n -Un alto porcentaje de las cosas a las que dedico mi tiempo tienen componente creativo. Hypersunday es un espacio de libertad.
H -Para mí es muy parecido. Es un espacio de juego y experimentación. Mi dinámica diaria tiene que ver con la creación musical, pero normalmente se trata de encargos muy específicos. Hypersunday es uno de mis principales proyectos creativos personales, así que es muy grato el tiempo que le dedico.
TR -En una primera impresión, vuestro trabajo es principalmente divertido. Malvado y canalla, también, pero nunca superficial ¿El objetivo es la trascendencia del entretenimiento?
n -Pues no me lo había planteado (Héctor: tenemos que hablar de esto). En realidad, creo que la música es lo que uno es. Si eres superficial, tu música será superficial. Ni Héctor ni yo nos conformamos con poco. Héctor mucho menos que yo incluso, tiene un nivel de autoexigencia altísimo. Yo creo firmemente que nuestros temas son como son porque son como nosotros somos, nos sale divertido porque somos divertidos. Y dramáticos. Y complejos. Y hasta retorcidos a veces.
H -Bueno… El objetivo es más bien poder cuadrar agenda para currar en el estudio. Cuando lo logramos surgen muchas ideas y, si no surgen, las acorralamos. Luego nos quedamos con lo que nos mueve (a todos los niveles). Es algo espontáneo.
TR -¿Qué influencias musicales reconocéis?
n -Qué ilusión, es la primera vez que me hacen esta pregunta en mi vida, así que llevo años pensando en la respuesta. Creo que quien contesta a algo así con uno, dos o tres nombres es un lelo. Mis influencias son toda la música que he escuchado a lo largo de mi vida, quiera o no quiera que esos sonidos afecten a mi música. En mi caso la electrónica ha sido central, pero dudo mucho que sea porque oyese hasta el aburrimiento a The Art Of Noise, Underworld, todo lo de Bedrock, sesiones de Dave Clarke o ahora a KFA Twigs, pueda considerarlos influencias. O sí. Yo no lo controlo.
H -A ver… Me gustan mucho los compositores del Impresionismo y de los nacionalismos musicales ruso, polaco y español. Luego, compositores de la música del siglo XX de todo tipo, desde Erik Satie y posteriores minimalistas como Steve Reich o Philip Glass, bandas de rock como King Crimson, Genesis, The Police, Queen, Radiohead, cantantes como Jeff Buckley, Björk, John Legend, músicos de jazz y flamenco muy variopintos, muchos compositores de bandas sonoras para cine…
Además, niet! ahora me está aficionando al mundo de la electrónica, ya que, hasta encontrarme con ella, lo desconocía casi por completo. Escucho todo lo que llega a mis manos. Creo que cualquier música que tenga la capacidad de emocionarme tiene algo que aportar a mi lenguaje compositivo. Cada época y género ha desarrollado ciertos aspectos del lenguaje musical y ciertos recursos expresivos. Pienso que todos esos recursos pueden tener cierta utilidad para mí en algún momento. En definitiva, más que elegir yo los discos que escucho, creo que son ellos quienes me eligen a mí.
TR -En el adelanto de vuestro próximo álbum os habéis puesto decididamente serios, con un sonido más oscuro y misterioso. ¿Es la evolución natural a medida que nos adentramos en la materia?
n –Te refieres a Maximum Entropy Threshold. Realmente es una excepción. Nosotros somos así. En vez de dar un adelanto del disco que transmita el espíritu general, damos uno que no tiene nada que ver con el resto de los temas. Simplemente porque nos gusta mucho. Y también, es cierto, porque en este disco, salvo alguna excepción, cada tema no tiene nada que ver con el anterior. Si los pones todos en una balanza, creo que luz y oscuridad están bastante equilibrados. En cualquier caso, el disco se desarrolla en el Infierno. Teníamos que ponernos un poco serios.
H -Eso, eso, esperad a oír los otros temas… y lo volvemos a comentar.
TR -“La Divina Comedia” es una referencia cultural inagotable, como un recurso monumental que ha inspirado al mundo entero, lleno de imágenes y conceptos ¿cómo lo adaptáis a la música?
H -Hemos ido tomando ciertas decisiones que conectan aspectos de la composición con el texto de Dante. Por ejemplo, hicimos un planning de tonalidades para los temas donde las armonías fundamentales dibujan un camino de “descenso”. La elección de ciertos sonidos que luego utilizamos en las composiciones tienen su origen en descripciones de los círculos del Infierno. Los tempi (BPM) de los temas se aceleran a medida que nos acercamos al Cocito (donde habita el Anticristo)… En fin, hay un montón de referencias más o menos explícitas, que utilizamos como eje de coherencia interna. Pero, una vez establecido el campo de juego, hacemos bastante lo que nos da la gana…
n -Básicamente lo hemos usado de hilo conductor, inspiración temática y cromática, pero sin atarnos demasiado. Un ejemplo: Maximum Entropy Treshold. Nos tocaba hablar de la pereza y la ira. Nos imaginamos a una persona que está en un estado de absoluto abandono, más muerta que viva y sus sensaciones de profundo placer en esa absorbente oscuridad. Hasta que de repente se oye una voz que le grita: “Levántate, tú que duermes, y vuelve de entre los muertos”, que es una cita bíblica. Yo siempre he imaginado que era una madre despertando a su hijo a grito limpio. Pero cada uno puede pensar lo que quiera.
TR -Hay artistas embelesados con la iconografía dantesca, con la reivindicación del pecado y lo prohibido, o simplemente les gusta esa estructuración del mundo de las pasiones ¿A vosotros qué os atrae más?
n -Por mi parte, reconozco que lo que más me atrae es el viaje. La idea de trabajar con un mapa y de afrontar las distintas etapas del viaje. El plan completo incluye el Purgatorio y el Paraíso y, por supuesto, cada uno tendrá su propio lenguaje.
A mí, no lo voy a negar, lo oscuro me gusta (ahí está todo lo que hago en solitario como niet! para demostrarlo) pero nosotros no hemos ido a reivindicar lo “pecaminoso”. En casos como Little Thing, que trata de la lujuria, es obvio que no lo consideramos un pecado (ni siquiera Dante lo consideraba). En casos como Prodigality, personalmente creo que, si verdaderamente existiese el Infierno, mandaría a él sin dudarlo a los avariciosos y los despilfarradores.
H -Para mí ha sido una herramienta para conocer mejor lo absurdos que son conceptos como el miedo y la culpa.
TR -¿Con qué actitud se invita a alguien al Infierno?
n -Yo creo que en cierto sentido es un circo, o más bien un zoológico de las pasiones. Así que con la actitud de “Pasen y vean” y, después de bailar, saquen sus propias conclusiones.
H -Qué bien lo has descrito, Mari.
TR -Héctor, tú que estás curtido en componer bandas sonoras y musicalizar proyectos de artes escénicas, ¿es muy diferente trabajar en Hypersunday que estar supeditado a una iniciativa ajena?
H -Normalmente trabajo por encargo y es muy, muy interesante ponerse en la piel del otro (o los otros) e intentar acertar al máximo para cubrir las expectativas o necesidades de un proyecto concreto… a la vez que desarrollar un lenguaje propio y coherente con uno mismo. Hypersunday para mí ha sido un ejercicio de mayor introspección y libertad. niet! y yo nos complementamos muy bien y nos servimos de mutuo espejo… Y esto ha facilitado mucho la búsqueda del propio impulso.
TR -Tenéis muchísima experiencia y oficio que os respaldan, pero os comportáis con la frescura de unos principiantes ¿Cómo se consigue esto?
n -Por mi parte, siendo una principiante. Hacía años que no me dedicaba a la música. Y no hay nada en la vida que me apasione más. Y encima trabajo con Héctor González. Creo que la frescura la transmite el hecho de que no llevamos corsé. No hacemos deep house, ni tech house, ni electropop, ni… Hacemos lo que nos pide el espíritu en cada momento. Y claro, nos lo creemos.
H -Para mí, este proyecto es algo completamente nuevo y es niet! la que me sirve de guía. Puede que la cosa esté en que ambos nos consideramos aprendices y consideramos al otro un maestro.
TR -Os tomáis muy en serio la puesta en escena de vuestros directos. ¿Pensáis que la música se enriquece en vivo, al transformarse en espectáculo, o se convierte en otra cosa completamente nueva?
n -Se enriquece a veces, otras se empobrece de mala manera. No es lo mismo estar en una sala con un sonido horrible y 100 personas que te hacen caso o no, o tener delante a miles de fans pendientes de ti. No es lo mismo un sonido bueno y un sonido espantoso. Mi postura es que hay que garantizar la calidad. Otros pondrán por delante la espontaneidad. Todo es lícito.
H -Yo creo que hay que integrar todas las disciplinas que se utilizan en un espectáculo (música, iluminación, audiovisuales, coreografía, escenografía, vestuario, etc.) como si fuesen instrumentos de una partitura bien orquestada.
TR -¿Qué proyectos tenéis en el horizonte?
n –Ahora mismo, acabar el disco y promocionarlo. Siendo independiente, la promoción se convierte en una epopeya. Estamos a punto de grabar un vídeo de Doorstep y vendrán más a continuación. Nos gustaría componer, producir y remezclar para otros, creemos que tenemos mucho que aportar, así que la prioridad es hacer que Inferno, nuestro nuevo disco, llegue lo más lejos posible. Después: al Purgatorio de cabeza.
H -¡Y agradeceros mucho esta entrevista y el interés en nuestro trabajo!

Emika ha presentado hace unos días Emika Records, su propio sello discográfico con el que publicará próximamente una serie de 12″ club tracks, una sinfonía, un LP a piano y su tercer disco completo.

Según parece, este nuevo paso es debido a su necesidad de seguir creciendo y experimentar como compositora, productora, performer y DJ desde su propio estudio casero en Berlín. Además Emika se focalizará en proyectos colaborativos multidisciplinares con artistas y marcas a escala global. Y lo que parece más importante, sin libertad creativa y ni restricciones.

En cuanto al orden de cosas, primero publicará su tercer album, del que os dejamos un adelanto. En 2015 saldrá a la luz una «sinfonía debut» escrita por ella misma y que será presentada con una orquesta de 70 musicos y, entre tanto, una serie de tracks para clubs inspiradas en su experiencia en las pistas de baile.

Artist: Pete Oak. Title: Beentouched 18. Label: Sincopat.
Release date: 10-11-2014 (Beatport). Genre: Electronica


  • 1. Pete Oak – Smoke & Ashes
  • 2. Pete Oak – Flashes

About the release:

The outstanding Sincopat Been Touched series is back with another electronic music gem. Following its leitmotiv, this new release brings you a new pack of exciting and freestyle dance music, moving further away of conceptualism and rules. Sincopat Beentouched is a new gateaway for music artists to put their fresh ideas into. Eighteenth EP comes by the new and rising talent Pete Oak.


Artistas: Ctrls, Inigo Kennedy, James Ruskin, Karenn, Lucy, Planetary Assault Systems, Rødhåd, Surgeon & ø[Phase]
Album: Aphelion
Label: Token Records
Release date: 03-11-2014


Inigo Kennedy y Ashley Burchett (ø[Phase]) nacieron en Londres, pero fue en Bélgica donde fundaron su sello Token, de eso hace ahora siete años. Durante todo este tiempo han desarrollado una actividad frenética, lanzando proyectos de Grovskopa, Oscar Mulero o Go Hiyama. En 2012, Burchett publicó Binary Opposition, el trabajo que marcó un hito en la trayectoria de Token, convirtiéndolo en una referencia inexcusable del techno europeo. Sensible siempre a todo cuanto huela a nuevo, a arriesgado e innovador.

Aphelion es su último lanzamiento. Un álbum con nueve pistas que reúne a los artistas más significativos de la casa, además de otros colaboradores atraídos por el fascinante interés del proyecto. Al final de camino, funciona como una retrospectiva de talentos complementarios, que sitúa a Kennedy y Burchett en medio del eje estratégico que une Londres (Ruskin, Surgeon, Slater, Blawan y Pariah) y Berlín (Lucy y Rødhåd).

Sin embargo, está muy lejos de ser la enésima recopilación definitiva que llama a tu puerta. A pesar de juntar bajo el mismo techo a varios de los nombres más destacados del techno actual, es un disco tremendamente coherente y homogéneo, donde el conjunto destaca sobre cualquier presunción individual.

Obviando la pretensión de marcar tendencias, aquí encontrarás una corriente completa que, a buen seguro, será bailada en los clubs de medio mundo y será remezclada por ejércitos de seguidores. En esta escena, las ideas fluyen y se conectan en contactos multibanda, por encima de incompatibilidades firmadas en los respectivos contratos comerciales.

Aphelion es una de las muestras más brillantes del techno contemporáneo, con un empuje y una sacudida llenos de potencia y vigor. Dinámica, densa y profunda. Sienta cátedra a la hora de demostrar la vigencia del género, la vitalidad de sus protagonistas y su poder de agitación.


Simone Gatto, con su segundo lanzamiento en Out-ER, confirma su serena manera de entender la electrónica.

Debido al virtuosismo en el manejo de maquinaria específica, aquí se muestra un sonido que pretende transmitir sus propios pensamientos. A veces apacibles, a veces más oscuros. Según nos cuenta, cada uno de los tracks representa una acción contra las dificultades de la vida. Igual que los buenos momentos se alternan con los malos, nuestras acciones causan consecuencias que deben ser encaradas.

Holzwege EP es un inequívoco guiño al sonido Detroit absolutamente recomendable.


Artist: Silvie Loto. Title: Crying Love EP. Label: Bpitch Control
Release date: 21-11-2014. Genre: Electronica


01. Silvie Loto – Crying Love
02. Silvie Loto – Flow
03. Silvie Loto – Breeze
04. Silvie Loto – Woo

About the release:

The music of Silvie Loto can be quite an enchanted place. The tracks of her „Crying Love EP“ reinforce this presumption. Inside are wonderful electronic musings, predestinated for hopelessly getting lost.

With her melodies, this talented Italian artist, sets emotional priorities. Fragments of her voice are smartly installed. Deeply laid-back rhythms frame the multilayering atmospheres.

The title track leads the way and gives rise to a pleasurably floating experience. Hereafter „Flow“ is flowing very close to the heart centre. The third track, „Breeze“, is even more lost in reverie and manifests deep emotions. At the end, „Woo“ takes us on a trip far outside with its beats and the whopping wafting tones.


Artist: Klara Lewis
Album: Msuic EP
Label: Peder Mannerfelt Produktion
Release date:  24th November 2014 (12”) – 15th December 2014 (digital)

El país de las maravillas

Klara Lewis es una joven y extraña compositora sueca que irrumpió este año en la escena electrónica con «Ett», publicado en Editions Mego. Siguiendo este lanzamiento, ahora nos presenta 4 nuevos tracks con los que continúa explorando las posibilidades del sonido.

En «Msuic EP» ejemplifica su extraña habilidad para aprovechar las influencias del mundo exterior, con el fin de reconstruirlo y representarlo como una materia musical orgánica, aparentemente amorfa. Estas 4 nuevas canciones manifiestan una cierta ambigüedad respecto a lo que se espera de una artista electrónica. Los estándares referidos al ritmo, al ambiente, las texturas, la luz y la oscuridad están presentes, pero son difíciles de alcanzar. Son piezas hechas con una calidad emocional que concluye en la manifestación de una música y sonido intensísimos, casi brutales.

Como sugiere el título, «Msuic» te coloca en una zona familiar, aunque ligeramente desenfocada, algo así como un universo inventado por ella misma al que te invita a entrar y en el que te permite explorar libremente. En definitiva, una colección de música con material fantástico diseminado a su alrededor.

Artist: Heiko Laux. Title: Fernweh. Label: Kanzleramt.
Release date: November 27, 2014. Genre: Electronica.


  • A1 / 1. Brace
  • A2 / 2. Hexagon
  • B1 / 3. Fernweh
  • B2 / 4. Neutron
  • C1 / 5. There There
  • C2 / 6. Shimmer
  • D1 / 7. Rowing
  • D2 / 8. Align

About the release:

The twentieth anniversary of Kanzleramt marks a significant milestone in the career of Heiko Laux. Label owner since the beginning in 1994, he brings to us his impressive fifth solo album filling a void in contemporary electronic music. Keeping consistent to his style, rhythmically challenging patterns flutter throughout the album making it a solid, coherent 8-piece composition. Hints of Detroit techno permeate the collection with drastic chord changes that gently tinker with the boundary between techno and trance.

With nature as a strong influence in the creative process, the replication of its kookaburra trill can be found throughout each piece. However, the bird itself carries significance in this collection, as it is a migratory bird that can found in many habitats similar to an individual suffering from fernweh.

With the first track “Brace” as a smooth introductory to the album, a steady downtempo slowly climbs into a persuasive bass-line setting the tone for the succeeding tracks. “Hexagon” on the other hand dives straight into a deep resounding kick making it clear this collection is also effective on the dance floor. The title track, “Fernweh,” plays a significant role in the essence of the album not only toying with its definition but in its resonating tone. With the meaning as a desire to be anywhere but the familiar, simultaneously distorted violins and ominous organs embody a longing for a far off land. Slow pattering hi-hats filled with reverb resonate to resemble a timeless techno sound. Imagination wanders far and wide wondering if we are on earth or traveling far out into the constellations.

“Neutron,” the fourth track on the album acts a perfect mediator, cutting the compilation into two whilst keeping consistent with galactic sonorities, it makes way for the next track “There There”. With its bouncing bass that mimics a throbbing acid line, it is a powerful track made with the dance floor in mind as it climaxes into rhythmic cymbals. “Shimmer” arrives with perfect timing, acting as a short peacemaker cleansing the palate. With its calming tone, the overlaying palpitations, it longingly awaits the heavy kick of “Rowing.” Consistent of the albums modulating notes and references to remoteness, its title references the journey of not only listening but also creating this collection as a whole. With “Align” as a very powerful final track, it slowly begins to decompress, each note beginning to vanish gently helping you land with feet back on the ground.

It is with great passion and experience that Heiko Laux is able to bring to us such an emotive and climactic selection as Kanzleramt continues to occupy the abyss in today’s techno culture.

Artist: The Noisemaker. Title: Travelers Ep. Label: Raw Waxes.
Release date: 27-10-2014. Genre: Techno


[C] The Noisemaker – Point X15
[D1] The Noisemaker – Point X15 (Korova remix)
[D2] The Noisemaker – Point X15 (Inigo Kennedy remix)

About the release: 

Raw Waxes continues the release number four with one more original track from The Noisemaker. The edition 4.2 is enriched by the remixes of Korova, duo who were protagonists of our first release, and Inigo Kennedy, old school artist truly appreciated by Raw Waxes. On Side C, Point X15 advances as an acid robot going ahead with swollen broken baselines covering sinister and rough ambients. The rhythm gets darker and nimbler as far as the stylus moves on the decks. On the Side D, Korova delivers the mirror of their hypnotic and straight techno soul. Drums play hard, ambients are kept happily enjoyable, while the acid synths and chords go with the flow embellishing the original version. Inigo Kennedy’s reinterpretation seems to come from early ’90 productions on Missile Records. Acid elements and palpitating hi-hats, followed by the syncopated bass drum, gradually fire  the minds up and accelerate the roll of weird but deep moments. Pure industrial machine guns.

About the label: 

Black vinils, no love for compromises, just techno.


«Vortices» es el debut del japonés Ueno Masaaki en el sello Raster-Noton y el séptimo de la serie Unun, dedicada a promocionar a jóvenes talentos.

Ueno Masaaki desarrolla su sonido partiendo de los fenómenos naturales. Trata de reconstruirlos sin intentar imitarlos. El resultado son patrones rítmicos que provocan una reacción en cadena expandiendo, contrayendo y creando nuevas formas sonoras.

En «Vortices» se presenta con 4 tracks caracterizados por un sonido duro y cruel. Parece música brutalmente sucia, sensación que se acrecienta por su ritmo. Sin embargo, a pesar de sentirlo como repetitivo, en realidad son temas muy complejos, inteligentemente producidos (hola Alva Noto, hola Byetone) con algunos cambios de dirección imprevistos.


Artist/Label: Rhythmath. Title: 001
Release date: 27-10-2014. Genre: Techno


A1 – 001a
A2 – 001b
B – 001c

About the release:

«Mathematical rotes.A continuum none wishes to give up.Deep bars, groove pads,diverse elements entering and modifying structures, feelings, situations. As if it could go on forever. The path is always the same: gently bumping.»

About the label:

Rhythmath is the fusion of rhythm and mathematics. Rhythm is a regular recurrence in time and can be applied to a variety of cyclical natural phenomena having a periodicity or frequency of anything from microseconds to millions of years. The rhythm is basically the groove and a groove is an understanding of rhythmic patterning or feel and an intuitive sense of a cycle in motion. The aim of the label is to release music in which different rhythmic ratios are combined bringing you to dance loosing the sense of time.

Artist: VILIX
Album: Black Storm EP
Label: Mental Modern

Voluntaria inconsciencia

Cuando de madrugada cierras la puerta de casa y te quedas con las llaves del coche en la mano, un deseo te acompaña, merodeando en torno a tu cabeza como un espectro. Es una firme esperanza. Una posibilidad, una aspiración, un horizonte al que miras decidido, sustentado en el recuerdo de las experiencias que lograron mejor marca. Noche tras noche, deseas que vuelva a suceder aquello que te impresionó tanto. Aquella sensación pletórica que culminaba todo lo vivido hasta ese momento, justificándolo, dándole sentido.

Noche tras noche, buscas la fiesta perfecta, la música exigida, el escenario adecuado y la gente receptiva, que sonría sin esquivar la mirada, sin desearte como a una presa o desafiarte como a un rival. Ciudad tras ciudad, buscas el club que aún no han descubierto los cazadores de tendencias, el sonido de artistas que todavía no son conscientes de la magia que han logrado, virgen de éxito y de notoriedad.

Tal vez sea hoy el día. Tal vez sea este el lugar. Tal vez sea esta la música que despierte tu mente en un resplandor deslumbrante. Como un alfiler imantado, girando hasta encontrar el Norte. Quizás esta noche se abran las nubes negras de tu culpa y tus inseguridades, golpeándote la frente contra la piedra filosofal. Tal vez aquí se repita el fogonazo de sabiduría que responda todas las preguntas que te has formulado hasta ahora; ese momento de lucidez, largamente esperado, en el que hasta la más nimia mota de existencia cobra sentido, mostrando la solemne evidencia que explica la vida en toda su razón de ser.

Artist: Maurizio Cascella. Title: Oil On Canvas. Label: Wonder Wet Records.
Release date: 20-10-2014. Genre: Techno, electronica.


  • A. Old Rose
  • B. Black Of Mars

Press release:

Maurizio Cascella’s debut on Wonder Wet Records, a first single with an unarguably techno flavor. Cascella is formerly known for his Elettronica Romana productions, a label which marked a specific period in history in the Italian capital, through a style and sound that has included performers like Brando Lupi, Attilio Tucci, Donato Dozzy and Giorgio Gigli. Founder of Concrete Records, Cascella treads his path with a sophisticated, unordinary sound.

A side – Old Rose: it is distinguished by the constantly present rhythm, sometimes experimental but without ever losing the groove, which in turn supports the architecture of the track lending space for creativity to the bass and the leads.

B side – Black of Mars: a markedly techno sounding track with rhythmic construction, it takes you into a hypnotic and unravelling world, expressing a very contemporary way of making electronic music.

About Maurizio Cascella:

The first thing you notice upon entering Maurizio Cascella’s studio is the huge amount of vinyl; a sign of great passion and knowledge about music. His talent is dedicated to House Music, contaminating electronic with afro and jazz sounds; a peculiarity that makes him an extremely eclectic Dj in the local radio. Maurizio began his career at a very young age: at only sixteen, he carved out important spaces in the best clubs of the Adriatic coast. Passion, study and instinct, are the ingredients of his success. In a short time period, his innovative style brings him to play in the most exclusive clubs in Italy. As a teen Maurizio collaborated with the Argentinean Mazzarulli; the first recording experience is “Keeping Depth EP” on the label UMM.

From Pescara he moves to Sardinia to experience nights over nights and Successes over successes. For fifteen years he has been behind the console at the Blues Café of Porto Cervo and other Italian clubs. At the same time, he organizes events for the Ritual of Baia Sardinia, raising local levels of absolute artistic and musical value. In Sardinia, he met the owner of the Club Goa of Rome, Giancarlino. Between the two comes an intense musical and professional understanding.

When the time came for the big jump; Rome became the artistic home of Maurizio. Who comes with a storm of ideas emphasizing a creative pluralistic identity. Italy’s Capital adopts him, keeping him tight; Maurizio has today a strong bond with the capital by collaborating with the Roman club GOA.

The summer on the island is a catalyst that will attract DJ producers such as Richie Hawtin, Loco Dice, Marco Carola, and many others. A catalyst of new exclusive locations, parties, Jet-Set. There is a short step in the expansion from Italy to Europe. London offers him different sets to perform. In 2005, he began a permanent collaboration with the Drunkey Monkey and with Bar 54. He also plays at the club Sosho and Retox during evenings. His music resonates from the Thames until Danube.

Artistas: Rrose, Perc, Pfirter, Lakker
Album: V – Five Years Of Artefacts – Chapter One
Label: Stroboscopic Artefacts


Stroboscopic Artefacts celebra su quinto aniversario. Con solo mencionar esto, nos vienen a la mente las ediciones especiales de coleccionista, el obsequio amable con el que los sellos se miran el ombligo, ensalzando a sus propios artistas en una gran gala de promoción. Pero el sello de Lucy no va de ese palo. No hace concesiones de ninguna clase a la autocomplacencia servicial. Pese a tratarse únicamente del primer capítulo de la entrega, Sa5year es sorprendentemente sesgado y austero. Del repertorio de techno prodigioso que disponible es sus vitrinas, Stroboscopic Artefacts nos deleita con un concentrado proteínico de solo 4 temas.

Las caras de este tetraedro reflejan lo más representativo de la casa: el techno gélido de los irlandeses Lakker, que se solidifica nervio arriba en pequeños cristales crujientes; la pista de baile industrial del londinense Perc, de músculos agarrotados en convulsiones espasmódicas; la misteriosa profundidad del argentino Pfirter y la gradiente experimental de Rrose, que evoluciona más allá de lo reconocible. Bravo por el cumpleañero, un sello que no se recrea en el pasado cuando se trata de adelantarse al futuro.


La próxima edición del MIRA Live Visual Arts Festival, que se celebrará del 6 al 15 de noviembre en Barcelona, anuncia la programación completa. La cuarta edición del festival, que amplía la programación a más días respecto la edición de 2013, contará con más de 50 actividades repartidas entre la Fàbrica Fabra i Coats, el Arts Santa Mònica y la sala Razzmatazz.

Por áreas, el festival contará con más de 37 actuaciones -la mayoría de ellos con show audiovisual-, 7 artistas visuales, 7 instalaciones, 3 workshops de 3 días de duración -bajo el nombre de Live Visual Arts Camp- y diversas conferencias y actividades gratuitas de difusión.

Los artistas que se suman a los ya anunciados son: Factory Floor, Max Cooper,Luke Vibert, Oscar Mulero & Fium present Biolive, Rush Hour presents Hunee + Young Marco + Antal, Ralp, Sunny Graves, Lucas Gutiérrez y Space F!ght.

Puedes ampliar la información y consultar el listado de artistas MIRA 2014 en su web.

Artista: Kwartz
Album: Isolated Process EP
Label: RSVD

La Tierra Prometida

Abdel sacaba buenas notas en todo, menos en gimnasia. Sus compañeros de clase se burlaban de lo delgado que era y le tiraban balones cuando miraba al otro lado del patio. Cuando supieron que le daba vergüenza cambiarse en el vestuario y que evitaba las duchas a toda costa, le acusaron también de oler mal. Aun así, que se sepa, Abdel nunca denunció abusos. Cuando interrogamos a sus padres, en ningún momento lo describieron como un adolescente especialmente introvertido. Negaron tajantemente su conducta religiosa integrista y decían ser los primeros sorprendidos por la conversión de su pequeño, un muchacho simple, tímido y estudioso que casi nunca salía de Edgware Road.

Tumbado en la arena, Abdel pasará otra noche al raso, preguntándose cómo describir el sonido de la felicidad. Cree reconocer la esperanza como un silbido, mientras la fe es un susurro y el amor un tintineo. ¿Y cómo expresar el sonido del odio? El odio aúlla como un chacal, aunque el rencor sea mudo y hueco, como la sombra en el interior de un pozo. ¿Y el orgullo? El orgullo jadea como una serpiente que trepa un risco. ¿Y el honor? ¿Cuál es el sonido del honor? ¿Y el de la venganza? ¿Se parece al de la dignidad? Piensa que la venganza es la hija desequilibrada de la justicia y suena al roce de las sábanas de los despechados que dan vueltas toda la noche sin lograr dormir.

Abdel finge tragarse las mentiras de los iluminados que intentan adoctrinarle. No le importa la purga, ni el cielo, ni los herejes. Solo desea que lo abracen, que lo llamen hermano de nuevo y sentirse en casa por primera vez. Solo busca llenar el vacío en su corazón con puñados de piedras y aceptar, con los ojos cerrados, esa esclavitud que le brindan disfrazada de libertad.

Artist: Scott Scheferman. Title: Volcanic Organic. Label: Nighttripper Records.
Release date: 29-09-2014. Genre: Techno / Electronica


  • A1. Scott Scheferman – Volcanic Organic (Original mix)
  • A2. Scott Scheferman – Volcanic Organic (Robert Armani remix)
  • B1. Scott Scheferman – Volcanic Organic (The Nighttripper remix)

Press release:

Nighttripper Records is born!
The first is from the US Native Scott Scheferman it’s a cold stomper with jerky sounds and stomping distorted 909 kick. On a pleasant BPM still playable in any techno set. Watch out for this guy !!!!

On the remix we have Robert Armani who delivers a minimal but ruthless effort for the Big Room and will please the hardcore fans On the B side Orlando strikes back as the Nighttripper with some funky mayhem!!!!!!!

Worldwide Manufacturing and Distribution by Re.birth


Artist: Syntax Error. Title: Ping Rate. Label: Snork Enterprises.
Release date: 12-09-2014. Genre: electronica


  • A – Marionette – Like Fucker
  • B – Jellyfish Pointcloud

Press release: 

Listen to the pulse of sound, because Snork #71 is turning up the ping rate right to the top! With this year’s third release, Snork Enterprises presents a sonic blast with two brand new tracks by Mr. Snork himself, aka Christian Schachta aka Syntax Error.

Motherfucker move your Ass! The catchy beat of “Marionette-like Fucker” holds every string tight in his hand. Like a virtuous puppeteer, with each ping of sound, this track forces your body into motion. So just let go and leave yourself to the stunning bass-lines getting into play with perfectly aligned groovy techno sounds. All strings attached to the dance floor!

Turn around and come deeper. Deep down below where the light is dark and your head feels dizzy; where acoustic waves blow your mind. Feel the underwater moaning of the clunk of heavy working machines somewhere far away. Hear how snoopy jellyfish sneak up right next to you. And find yourself drawn to a point cloud of deep wobbly bass lines and tricky percussion.

Syntax Error Biography:

The world of the deep and groovy techno music is the well-known territory of Syntax Error. Having started as techno DJ in the late 90ies, he soon found his very special sound favoring deep wobbly bass-lines, harsh snares, FM tones and drones, deep bass drums and tricky percussion. Like a syntax error, he breaks with commonplace regularities and creates a wholly new sound experience that is highly recognized within the techno scene.

Up to 2014, he has produced over 20 different 12” releases on the labels Snork Enterprises, Feinwerk, Relax2000 and UNDERtheGROUND Records. Each of his releases is an authentic, passionate creation of sound always mirroring some experience from his personal life – whether it’s from his adventures as scuba diving tycoon, as sonar operator or as DJ and producer enthusiastically roaming the techno club scene.


Artist: Leander. Title: 003. Label: Leander Records.
Genre: Electronica. Release date: 18-09-2014


  • 3.1
  • 3.2
  • 3.3
  • 3.4


Artist: D. CarboneTitle: Anomalies EP. Label: Mord
Release Date: 15-09- 2014. Format: 12″ and Digital
Genre: Techno


  • A1. Irritating Collapse
  • A2. Origin
  • B1. Discernment
  • B2. Machine Elves

Artist bio:

Davide Carbone (better known as D. Carbone, class ´87) is a techno producer since his early ages.

His sound is rooted in the visionary decay of society that evolves into an acidic vision of life in general, accompanied by deep drones and glitch sonorities creating the raw and industrial, yet unique sounds.

During the past years, Davide has released on Labels like Planet Rhythm, Inner Surface Music, Dynamic Reflection and his own labels called REPITCH and 3TH. In 2013, he introduced his new moniker «Honzo» that he calls his Alter Ego – D. Carbone has a keen interest in Human Psychology – therefore the EP’s name «D. Carbone meets Honzo in a Bipolar Disorder» which appeared on 3TH Records. Carbone wants to show the world the bipolarity of expression itself and in oneself by using both of his monikers – for the A/B side.

The A-side appears in typical D. Carbone manner, revealing the will to impress with metallic-acidic trips escorted by dramatic ambients and rich bass-lines.
The B-side represents Honzo as the experimental side of Carbone’s music, focussing mainly on futuristic-breakbeats and industrial tones.

Over the years, Carbone established a strong collaboration with Ascion, who is, together with D. Carbone and Shapednoise, the third head behind REPITCH Recordings. D. Carbone is also one of the masterminds in the creation of 3TH Records. Recently, the works of D. Carbone and Ascion have resulted in various aliases such as Repitch and 3TH, that were named after and released on the homonymous labels. In the future, there will be a lot more to expect from Carbone and his surrounding artists.


Token Records está de enhorabuena, porque Surgeon por fin hace su debut oficial en el sello con «Fixed Action Pattern».

Surgeon (Anthony Child) es uno de los productores de techno británicos más influyentes y ha colaborado anteriormente con Token Records. En 2008 remixó Sex & Violins de Grovskopa, además de apoyar regularmente a sus artistas en sus DJ sets.

El lanzamiento es un adelanto de «Aphelion», una compilación de nuevo y exclusivo material de artistas amigos de Token Records que será comisariado por Kr!z (dueño del sello). Además nos anuncian que siguiendo a «Fixed Action Pattern», Rødhåd publicará su segundo disco para Token antes del lanzamiento de «Aphelion».


  • 1/ Fixed Action Pattern
  • 2/ Fixed Action Pattern (Dub)

Fecha de lanzamiento: 25-08-2014


‘The Wipe’ de Teste es simple y llanamente uno de los mejores tracks de techno que se han hecho nunca. Publicado en 1992 se convirtió en un clásico de culto que inspiró a todo aquél envuelto en la escena.

Ahora, Tony Scott (Edit Select) ha hecho un cover del original para poder pincharlo en sus sets. Después de contactar a David Foster & Thomas S. Browning (los componentes de Teste) han decidido publicar la versión de Edit Select añadiendo ‘Ascend’, un nuevo tema creado entre ambos artistas y que se convierte en el primer material de Teste en 20 años.

Siguiendo a este lanzamiento se publicará un paquete de «rewipes» que incluirá versiones de Rrose, Function, Luke Slater, Dino Sabatini, Terence Fixmer, Lucy, Claudio PRC and Mike Parker and Shifted.

Esta primera versión de Edit Select se publicará el próximo 26 de agosto, pero ya puedes escucharlo:

Artist: Diego Hostettler. Title: Contact. Label: Belief System Records.
Release date: 23-08-2013. Genre: Techno.


  • 01. Approaching Saturn
  • 02. We Have Your Satellite
  • 03. Hiding Behind The Moon
  • 04. Mindlicker


Trentemøller lanza el próximo 1 de septiembre «Lost RE-WORKS» (álbum de remixes de «Lost», reseñado en Transistora) con un selecto grupo de remixers que añaden más electrónica. Entre los escogidos encontraremos a Toydrum (aka James Griffith y Pablo Clements de UNKLE), Jenny Wilson, T.O.M. And His Computer, Unkwon y cómo no, el propio Trentemøller .

Como adelanto al álbum, puedes disfrutar de «Deceive (feat. Sune Rose Wagner)», remixado por Unknown. Lo hemos insertado más abajo.

Os dejamos los tracklistings de los formatos vinilo y digital.

Vinyl tracklisting

  • A1 River Of Life (Trentemøller Remix)
  • A2 Come Undone (Toydrum Remix)
  • A3 Candy Tongue (Jenny Wilson Version)
  • B1 Come Undone (Trentemøller Remix)
  • B2 Deceive (Trentemøller’s Lost & Found Remix)
  • B3 River Of Life (T.O.M. And His Computer Remix)
  • B4 Deceive (Unkwon Remix)

Digital tracklisting

  • 01. River Of Life (Trentemøller Remix)
  • 02. Come Undone (Toydrum Remix)
  • 03. Candy Tongue (Jenny Wilson Version)
  • 04. Come Undone (Trentemøller Remix)
  • 05. Deceive (Trentemøller’s Lost & Found Remix)
  • 06. River Of Life (T.O.M. And His Computer Remix)
  • 07. Deceive (Unkwon Remix)
  • 08. Gravity (Pinkunoizu Remix)
  • 09. Deceive (Trentemøller Club Mix)
  • 10. Come Undone (Toydrum Instrumental Remix)

Artist: Spear. Remixers: Miki Craven, Max_MTitle: Blood Inside. Label: White Rose Records.
Release Date. 18-08-2014.


  • A1. Blood Inside
  • A2. Blood Inside (Miki Craven Rmx)
  • B1. Searching For A Prey
  • B2. Searching For A Prey (Max_M Rmx)


Third reference of the label White Rose (part of the Dead Rose Records project) that brings together the hypnotic detroit sound of mid 90s and also the dub flavors of the mid 90s Berlin sound. The E.P. is signed by SPEAR with remixes from Max_M and Miki Craven.

More info: clic here.

Artista: Datura Dilema
Album: I Am Silent EP
Label: Subsist Records


Que no te engañe mi aspecto. Carecer de ojos no significa estar ciego. Hay muchas formas de ver que no dependen de la exposición a la luz. Soy un buen ejemplo de esto que digo. Visualizo las cosas por el tacto, lamiéndolas. Es así como exploro el mundo, estirando los dedos hacia lo desconocido. Aunque te cueste creerlo, tengo una imagen nítida de mi entorno. Soy consciente de su forma y su sustancia, de su sabor y su electromagnetismo. Vivo bajo tierra pero, a diferencia de los topos o las hormigas, yo no cavo túneles para ir a ninguna parte. No tengo interés en desplazarme, ni repto para alcanzar nada. Me basta con expandirme, estirarme como una enredadera y saberme tendido, como una toalla en la arena. Me propago como el fuego y conquisto la tierra quemada como una horda de jinetes vengativos.

Me resultan irresistibles las texturas que toco por primera vez. Me fascina la gravilla, un pájaro muerto o una lombriz partida por una azada. Tengo comprobado que lo más interesante suele quedar en la periferia de mi cuerpo. ¿Esto que estoy sintiendo es la resistencia de la arena compacta al ser perforada por mis índices, mis meñiques y mis penes? Vibro de gozo. Palpito. Fluctúo bajo las hojas secas que cubren el suelo del bosque, a través de unos filamentos translúcidos que se ramifican y se conectan. Me abro paso dentro de la tierra mojada, como las raíces de un sauce que se aferra a la orilla del río. Soy un hongo filósofo, una maraña pensante de hebras lechosas, y me entretengo meditando sobre la insatisfacción de la existencia, el olvido y la extinción.

Me pregunto cuántas semanas durará este año la temporada de lluvias, hasta cuándo podré disfrutar de esta frescura esponjosa, húmeda y tranquila. Me pregunto si la sequía supondrá solo el habitual letargo pasajero o si esta vez me aniquilará para siempre. Me aterra recordar ese momento en que mi sustancia se evapora y una rigidez dolorosa me reseca y me inmoviliza. Me espanta que se repita ese trastorno traumático que merma mis facultades, interrumpiéndome en mitad de un pensamiento que no me deja acabar, para apagar mi consciencia de un modo definitivo.

Entre los principales festivales dedicados a la música electrónica (con 35.000 asistentes en su edición anterior) Alfa MiTo Club To Club vuelve a Turín (Italia) del 5 al 9 de noviembre de 2014 mezclando musica, arte y cultura en un evento capaz de mostrar las tendencias contemporáneas. La 14ª edición, #C2C14, tendrá lugar los mismos días que la Contemporary Art Week, una semana completa dedicada al arte contemporáneo en Turín.

El festival

Durante 5 días, casi 100 horas de música con docenas de artistas de todo el planeta, pero no solo eso. También habrán conferencias, workshops, presentaciones en algunos de los lugares más alucinantes de Turín (hoteles, espacios históricos, teatros, distritos creativos y almacenes post-industriales). posicionando al festival como el laboratorio italiano del sonido futuro.

Line-up (anunciado hasta este momento)

Caribou (CA)
Apparat (DE) 
Pantha du Prince (DE) 
Marcel Dettmann (DE) 
Ben Frost (AU)
Jungle (UK)
Chet Faker (AU)
Talaboman: John Talabot (ES) + Axel Boman (SE)
Rustie (UK)
Ben UFO (UK) b2b Ron Morelli (US)
How To Dress Well (US)
Future Brown (US)
Kelela (US)
Jacques Greene (CA)
Evian Christ (UK)
Recondite (DE)
Fatima Al Qadiri (KW)
Jessy Lanza (CA)
Millie & Andrea (UK)
Visionist (UK)
Morphosis (LB)
Vaghe Stelle (IT)
Ninos Du Brasil (IT)

Puedes comprar las entradas en este enlace y ampliar la información en su web.

Artist: Jose Poug. Title: Acronym Epidemic. Label: Dust Records.
Release date: 04-08-2014.


  1. Intro
  2. CIE-9-MC
  3. CIE-9
  4. CIE-10
  5. ICD-11

Press release:

Jose Pouj presents the sixth reference of Dust REC. where all the tracks are signed by himself. Four originals tracks and a intro where we can see the evolution of Pouj. Perhaps one of the most elaborated mental works and deep sounds that drive you an environmental atmospheric by Jose.


Bene Brothers podrían ser recordados sin demasiado problema como una fuerza de la naturaleza. El tándem que han montado estos hermanos alrededor de la idea de crear un espectáculo de música y visuales tan loco como completo, tan salvaje como diabólicamente planeado. Nos cuentan que sus sesiones vienen a resumirse con las toneladas de diversión, como los carnavales de Nueva Orleans que califican la calidad de su fiesta con la cantidad de basura recogida al día siguiente.

Comenzaron a interesarse por la electrónica a raíz de sus frecuentes visitas a Café La Palma. Desde entonces, uno por Berlín desarrollando sus habilidades como Vj’, y el otro Londres buceando entre los sonidos más actuales del Underground, vuelven a reencontrarse en Madrid.  Son un dúo que se mueve con sofisticación sonora, entre el Down-Tempo, el House y el Deep, combinados con una puesta en escena donde el mapping que despliegan resulta sumamente interesante.

La próxima sesión de Bene Brothers en Café la Palma será el sábado 26 de junio, a las 24:00 horas. Entrada libre.

Ángel Santos es un dj y productor afincado en Madrid. Firme defensor del vinilo, es el creador e ideólogo de Playing Cards Records y uno de los dj’s de referencia del Café la Palma. Sus sesiones pueden ir desde el electro más fino al techno Detroit más puro, desde el house de Chicago y Nueva York, hasta la frialdad berlinesa.

La próxima sesión de Ángel Santos en Café la Palma, es el próximo viernes, 25 de julio, a las 24:00 horas. Entrada libre.

Retrospecter 2 (100% vinyl)-mixtape 2005 by Angelsantosdj on Mixcloud

Artist: Sendai. Title: Monad XVIII. Label: Stroboscopic Artefacts.
Release date: 28-07-2014


  1. Isobaric 3
  2. False Entities
  3. Directive
  4. Martens’ Deficit

Press release:

Peter Van Hoesen and Yves De Mey’s joint project, Sendai, will release an exceptional new EP via Stroboscopic Artefacts’ Monad Series on July 28.

These two producers, both highly acclaimed in their own right, have so far pulled together for releases on Peter’s label Time to Express and Archives Intérieures, the experimental label they run together, as well as two tracks on a Stellate record for Stroboscopic Artefacts in 2012. The 18th edition of the Monad series finds them in fine form, exploring a rich and detailed sound with limitless freedom.

Opening track ‘Isobaric 3’ is thick with atmosphere, crammed with reverberating percussion and masterfully sculpted with 3-dimensional design. It is the kind of immersive, futuristic techno that Lucy’s label is known for, fit to move both body and mind.

‘False Entities’, the EPs most abstract offering, combines machine hiss with unnerving bleeps and metallic perc. Sendai create rhythm out of nowhere with unique style, and take the Monad manifesto of boundary-pushing to new extremes.

In techno terms, ‘Directive’ is an epic. It remains throughly engaging for over 12 minutes with twists, turns and intricate layers of sound. Beginning and ending with washes of ambience, the middle section breaks down into a repeating, tight bass sound. This track is superbly realised, both in its balance of light and dark, and in its ambitious, cinematic arrangement.

The most obvious dancefloor cut is ‘Martens’ Deficit’. Its drums are more rigidly structured than the other tracks, and pump away below brights synths and an energised high-end. ‘Martens’ Deficit’ is an incredible end to an EP that fully lives up to the high expectations that surround both its makers.

Sendai Biography

Sendai is the collaborative project by Yves De Mey and Peter Van Hoesen. Both artists are longtime friends and share a deep passion for exploring the outer limits of the electronic music spectrum.

Sendai combines De Mey’s skillful extraction of deep and dynamic sounds from his modular synthesizer system with Van Hoesen’s keen sense of digital composition and sound design. After two 12″ releases for Time To Express in 2009 the duo took some time out to reflect on their joint musical path. The result was ‘Geotope’, a no-compromise experimental album that saw the duo moving away from the dancefloor into an altogether more varied and daring sonic domain. In 2012 Sendai also contributed two exclusive tracks to the fourth installment of the Stellate series on Stroboscopic Artefacts.

Early 2014 they released «A Smaller Divide», their second full album, this time on Archives Intérieures, the label Van Hoesen en De Mey run together.


El Museo de la Evolución Humana, en Burgos, es un referente internacional en relación al proceso evolutivo del hombre. El edificio fue diseñado por Juan Navarro Baldeweg, y ha recibido numerosos premios nacionales e internacionales. Actualmente, es uno de los museos españoles más visitados.

Para su cuarto aniversario el 11 de julio, apuesta por la música electrónica y las artes visuales. El cartel artístico cuenta con algunos de los máximos representantes nacionales de estas artes:


21:00 – Arbol & Bjort Runarsdottir & Alba G. Corral
22:00 – Victor Santana Cuarteto
23:00 – Pure Hemp

Fin de Fiesta: Yahaira dj set


Victor Santana ha trabajado duro para situarse en lo más alto de la cultura electrónica dentro y fuera de España. Además de su trabajo como productor, está totalmente volcado en su sello Chaval Records, donde cada referencia es tratada con el máximo cariño y atención a cada detalle. Después de años de dedicación han conseguido situarse con fuerza y seguridad como uno de los sellos más respetados de la escena. Hace tan sólo unos días publicaba su décima referencia: «Headway», donde además de Victor Santana encontramos a dos grandes figuras del techno facturado en Detroit : Eddie Fowlkes y Mark Flash.

La música de Victor Santana parte del techno con raíces, con un pie en los orígenes del movimiento en Detroit y otro en las nuevas actualizaciones del género. Sus influencias son en primer lugar el jazz y el soul más clásico, más negro pasando por el house y el techno «made in Detroit».

Para el concierto del 11 de Julio Victor Santana vendrá en formato cuarteto. El punto de encuentro más equilibrado entre las dos pasiones de Victor.Las máquinas y los instrumentos. El cuarteto lo forman un teclado, un saxo y un trompeta , junto con el espectacular set up de Techno analógico de Santana.


Creador de música para espectáculos de danza, bandas sonoras (Bigas Luna,Chema de la Peña), ex-miembro de Piano Magic y Sr. Chinarro, Miguel Marín aka Arbol visitará el museo de la Evolución de Burgos para presentar en directo junto a la chelista islandesa ( con la que trabaja desde hace unos años ) Bjort Runarsdottir y la artista visual Alba G. Corral, un espectáculo audiovisual, una propuesta arriesgada ya que se trata de livecinema donde musica y visuales se crean en directo y a tiempo real. Un encuentro entre la música electrònica y neoclasica, que por momentos recuerda a bandas sonoras imaginarias y la cadencia cinematográfica mezclados con la abstracción y elegancia de las imagenes de Alba.
Arboltiene cuatro discos publicados (el último, She read the wrong book) y es definitivamente uno de los proyectos mas interesantes internacionalmente conocido del país. Sus directos han pasado por Japón,China, USA y gran parte de Europa.
Pudimos verle en directo en el Sónar del 2012 cerrando el dia del sabado.


IVÁN CASADO a.k.a PURE HEMP. Músico y productor electrónico poseedor de uno de los directos más potentes y auténticos de la escena electrónica española.Sus inicios como bajista y vocalista se pueden rastrear en sus producciones electronicas dotadas siempre de una contundente base rítmica y envolventes melodías. No usa laptop y todos y cada uno de sus sónidos estan lanzados a tiempo real desde sus Roland. Su carisma y entrega encima de los escenarios ha quedado mas que demostrada tanto en festivales nacionales e internacionales, como en salas y clubs.

Más info:
Museo De La Evolución Humana
Paseo Sierra de Atapuerca, s/n

09002 Burgos
Teléfono: 902 024 246

Artista: Synthek & Audiolouis
Album: Unwise
Label: Natch Records


Las primerizas lo aprenden enseguida. Un bebé duerme mejor si lo acunas con el brazo izquierdo. Con la mano derecha le acaricias el rostro, su carita de preámbulo, anterior a cualquier fotografía de pasaporte, y lo miras embelesado. Duerme mejor porque su oído reposa directamente sobre tu corazón. Sus latidos lo tranquilizan. Es el pulso de la madre, del hogar, el recuerdo mullido de un refugio que conoce incluso antes de haber nacido. Ese golpe rítmico es para el bebé la señal de aviso de saberse a salvo. Es la presencia de un protector en forma de concha acolchada y tibia. Al escucharla, el bebé se enrosca como una perla en posición fetal. Su ausencia lo desestabiliza, como un disco desprendido en pleno vuelo del tren de aterrizaje. Sin tambores, todo es incertidumbre.

Quítate los zapatos y demos un paseo por el plasma. Da igual donde nos incorporemos al circuito del sistema cardiovascular. Sea en las arterias más concurridas, sea en el capilar menos frecuentado, en cualquier parte encontraremos la rojiza sopa densa de glóbulos en torbellino. Estira los brazos y las piernas, mantén la cabeza en dirección a la corriente y déjate llevar en la efervescencia que fluye. Ojo con los linfocitos, intolerantes con los extraños, y cuidado con los trombos grasos de colesterol. Viajaremos de la aurícula al ventrículo, inmersos en la presión intermitente, del émbolo y el crujido de una palpitación interminable en las venas. Sin origen ni destino, navegaremos en un bucle, de la médula ósea, donde se gestan leucocitos, hematíes y plaquetas, a la lámina basal del epitelio de un alvéolo.

Deslízate bajo el golpeteo bronco del corazón, omnipresente, como el ariete contra la puerta del castillo, con la cadencia de los remeros en la galera. Escucha mazas contra yunques, entre paredes que se tensan y destensan, como membranas de tímpanos, como velas de carabelas. Fluye mientras vivas. Vibra. Baila. Vuela. Pulsa el marcador.

Richie Hawtin vuelve a Space Ibiza este jueves 3 de julio, en la tercera temporada de su galardonado concepto de club ENTER. Como novedad y empezando esta semana, ENTER.AV retransmitirá en streaming las 14 ediciones de esta temporada. Será cada jueves a partir de las 21h. en colaboración con Beatport y Setstream.

Artistas programados:


Podrás acceder a la retransmisión y conocer las fechas programadas en la web

Artist: D’funk. Title: Sonic Soul & Future Funk. Label: LCR
Release date: 08-07-2014


  1. D`Funk – Connors Groove
  2. D`Funk – Go Home
  3. D`Funk – My next Turn
  4. D`Funk – Vickie said

Press release:

New release has finally arrive to LCR, after some months waiting for it, here it is.
D`Funk comes with his better version showing more about analog techno side.
4 tracks full of groove.

Mastering by : Right Peak level
Artwork Artist: Gustavo Cardenas.


Artista: Hypersunday
Album: Commedia – Intro
Label: Glocal Sound


Los españoles somos divertidos (lo dice Lonely Planet). La gracia es nuestro equipamiento básico de serie. Encerramos en nuestro genoma un cromosoma lleno de guasa y chispa, que no se puede aguantar. En contrapartida, ese sentido del humor hiperdesarrollado nos impide tomarnos las cosas en serio, incluida la firme determinación de resultar graciosos de verdad. Como además somos un poco vagos, nos aburren las cosas trascendentales. Somos más de frivolidades deshuesadas, porque entretenerse con lo insustancial no cuesta ningún trabajo. Dejarse llevar por una alegría irracional es un acto reflejo, innato, como atragantarse cuando intentas beber y reírte a la vez.

Llevado esto a la música, pocas producciones son tan nobles como las abiertamente destinadas a hacer feliz a quien las escucha (no confundir con la música que solo busca entretener). Realmente, su potencial lúdico puede mover montañas. Hypersunday forma parte de esa contracorriente fresca y desahogada que se deja de tonterías para tomarse esto como una responsabilidad ineludible, porque ser divertido de veras es un trabajo solemne, que requiere gusto, inteligencia y esfuerzo.

Este dúo madrileño se beneficia de la larguísima experiencia de sus dos componentes. Ni Héctor González ni Silvia Nieto (niet!) son unos recién llegados en el oficio. Poco a poco se han ido desprendiendo de las últimas trazas de ingenuidad. Ambos pertenecen a ese grupo de personas obstinadas que perseveran en lo suyo, sea o no comprendido y valorado, y que no hacen concesiones en busca del éxito. Commedia – Intro es un ejercicio de generosidad jovial y festivo, no exento de cierta mala leche y aristas cortantes, que evita transitar el atajo fácil que conduce a gustar a todo el mundo. Es una apuesta incondicionada por la pista de baile, irresistible, con algunos guiños codificados que los oyentes de tímpano curtido reconocerán sin proponérselo. Es una celebración luminosa y colorista, llena de alusiones canallas a todas las fiestas vividas y su huella dejada en el cuerpo.

Este EP te pondrá las pilas y te levantará el ánimo. Acierta en el clavo en su principal propósito: te pintará en el rostro una sonrisa de felicidad sincera.

Artist: Jeremiah R. Title: Interplanetary Phenomenon Unit. Label: Enklav
Release Date: 30-06-2014


  • A1 Interdimensional Beings
  • A2 Interplanetary Phenomenon Unit
  • B1 Infinite Skies
  • B2 Exile
  • B3 Illuminated Process

Press release:

“This isn’t a time-lapse,” he said, breathlessly. “This is time…collapsed.”
His eyes glazed over for a moment as he retreated deep inside himself.
“Don’t you see?” He exclaimed, wild-eyed, looking as though possessed by some silent anomaly of his own
making. “Don’t you see what this means?”

He was stammering. Shaking violently, uncontrollably, as if his bones were rebelling. The eyes had grown
wild now, roving feverishly about their sockets, trying to drink in the velveteen void that lay all around him.
Sweat poured from his sodden brow, streaking his ashen face to gather in salty pools about his mouth – not
that it cared much, held captive by a different sort of chaos. Words were failing him, you see. No matter.
What use did he have for such abstract glyphs anymore? The world had fallen away. He was all alone. At
last, he could begin.

From dreamy opener “Interdimensional Beings” through to its synthy, Detroit-summoning close, there’s
something instantly warm and familiar about ‘Interplanetary Phenomenon Unit’. Conjuring up memories of
all those records you used to play and love, here Enklav. newcomer Jeremiah flexes wraithlike machine
music into an array of contemplative floor jams. With its fuzzy electro pulse, tracks like “Interplanetary
Phenomenon Unit” allude to some spectral Drexciya. Elsewhere Warp and Rephlex leave their dusty,
haunted steps. But these references are only fleeting and incomplete because, like the rest of the Enklav.
collection, this is music in a world of its own.


Ya está disponible la referencia Nº 30 de Cicuta Netlabel  presentando al británico Hoth System y con remixes de Stingrays y Razeed. El EP está disponible con descarga gratuita en este enlace.

Hoth System – Punctuation EP [Cicuta 030]

Catalog#: Cicuta029
Format: 6 × File, MP3, EP, 320 kbps
Country: Spain
Released: 15 May 2014
Genre: Electronic
Style: Techno
License: Creative Commons BY-NC-SA 3.0


  1. Hoth System – Data Spine 
  2. Hoth System – Data Spine (Stingrays Remix)
  3. Hoth System – Data Spine (Razeed Remix)
  4. Hoth System – Always Be Closing
  5. Hoth System – Plutonium Pit
  6. Hoth System – Solitary Enzyme


Artista: Plastikman
Album: EX
Label: Mute


A veces, el estímulo definitivo a la creatividad proviene de donde menos te lo esperas. Uno de los más gratificantes mecenazgos surge directamente del admirador incondicional. Cuando Raf Simons, director artístico de la casa Dior, contactó con Richie Hawtin, pensaba en él expresamente para la gala benéfica que su firma celebraba cada año en el Museo Guggenheim de Nueva York. Simons se confesaba simpatizante de Plastikman, la vertiente más experimental del artista, y puestos a elegir a quien quieres invitar para que protagonice un evento de tal magnitud ¿por qué no alguien al que idolatras desde siempre? ¿Por qué no incentivar la producción de un proyecto artístico que lleva una década aparcado en el fondo del escritorio? Cuando Hawtin aceptó recoger el guante tal vez ignoraba el alcance de la propuesta que estaba aceptando.

La invitación era rotunda y soberbia, como el edificio de Wright. Crear la música para un espectáculo expresamente concebido para ese espacio, un atrio en espiral, considerado unánimemente como una de las catedrales de la cultura contemporánea. Un lugar que encierra sus propias connotaciones y conceptos, con el poder de legitimar todo cuanto acoja en su seno y elevarlo a la categoría de producción artística pura. Hawtin dice que compuso rápidamente, porque se sentía muy inspirado por el proyecto, y que pronto tenía material reunido para presentar un nuevo álbum completo. EX es la grabación del directo que ofreció en noviembre de 2013 en el museo. Aunque desde el 10 de junio está disponible en digital, habrá que esperar al 14 de julio para tenerlo en el resto de formatos, que incluyen el innovador SubPac (un sistema de altavoz portable que garantiza una experiencia sonora total).

Como Plastikman, Hawtin investiga en la línea de una sensibilidad extrema, en el lado más emotivo de la tecnología. EX es una magnífica muestra de su tesón en llevar las máquinas al límite de la percepción sonora humana, modulando secuencias elásticas, en continua evolución tridimensional. Como un miniaturista, deja espacio para que la sutileza de cada matiz respire, sea audible y apreciada. En EX, el sonido experimenta una ecualización dinámica constante. Cada timbre y cada tono muta sin cesar, casi imperceptiblemente, desnaturalizados, girando en órbitas concéntricas. Este trabajo no deja mover un músculo. En cierto sentido, se sitúa en la antítesis de la pista de baile, pero solo a medias. Nos deja agarrotados, inmóviles, pendientes de cada filigrana sonora que presenta, mientras nuestras neuronas danzan a oscuras en el espacio vacío. Han pasado nada menos que 11 años desde que Closer, el anterior disco de Plastikman, revolucionara los límites interiores de la electrónica. Ahora celebramos que esté de vuelta y que la espera no haya sido en balde.

Este año solo habrá una ocasión para conocer este trabajo en directo. Esta tarde podréis disfrutar de él en Sónar Barcelona.

Artist: Label: LISS C. Title: Ascent. Label: LCSERIES
Release Date: 25-06-2014


  1. Liss C. – Ascent (Oscar Mulero remix)
  2. Liss C. – Ascent
  3. Liss C. – Ascent Us (Ben Gibson remix)
  4. Liss C. – Ascent Us

Press release:

LCSERIES come’s back with the fourth reference, dark and bright, Ascent. The A-side is covered at night. The darker side, the most ravenous, the more forceful, the wildest. Starring Oscar Mulero remix of the original track Ascent. Oscar’s personal style makes to be all part of the sound composed through the original topic. In turn, Liss C. remind us, that their tracks are by and for the club.

Where once again the strength and analog sounds provide in harmony. The B side is covered by light. The melodic side, the most addictive, which takes you to the heaven. Starring Ben Gibson remix, creating a masterpiece that will be spined again and again, bells and stabs That Make you flight away. Here Liss C. demists the darkness to let the strength with the light in harmony, a stairway to heaven, from the dance floor.

LCSERIES04 is a limited edition just a few copies, with stickers and covers inside of the wax.


Ascent – Liss C. – Promo Under by Undermagazine on Mixcloud

Artist: Cassegrain. Title: Blood Distributed as Pure Colour. Label: Prologue.
Release Date: 24-06-2014


  1. A1 Blood Distributed as Pure Colour
  2. B1 Yokai
  3. B2 Hexagon Fifteen

Press release: 

Prologue presents three new tracks from the Berlin based Cassegrain. This new EP draws in the focus as we see the duo further finesse their sonic language of complex tribal percussion and intense acidic elements. In anticipation of Cassegrain’s debut full-length due in autumn 2014, this next chapter of tracks – not taken from the LP, but acting as a sound manifesto of sorts – highlights their ongoing explorations.

When you close your eyes and stare into nothingness, that private virtual space, what does your brain see? Shimmering cells dancing in the void, clouds in your consciousness, the particle elements of a distant past – blood distributed as pure colour.

Cassegrain invite us to spark a connection with the ancients lying dormant within. Across three intense tribal studies, exploring fine potions of voodoo acids and hypnotic extra-sensory sonics, we are transported to places far and exotic. Up the winding rivers, into the jungle landscapes of our ancestors, where rhythm is sacred and blood is power.

Cassegrain Biography:

Cassegrain originated via a chance meeting at the Red Bull Music Academy in Barcelona. The Berlin based duo, now well established in the sphere of electronic music, has found a home in Prologue Music after having several releases with the label including the highly acclaimed double 12″ «Tiamat». They have also appeared on Modal Analysis, M_Rec Ltd and Semantica while their ongoing collaboration with Tin Man is released through Berlin based Killekill.

Cassegrain have become known for their intricate, hardware based live sets which they have performed worldwide, from Berlin’s Berghain, Barcelona’s Sonar Festival to Tokyo and Taipei. 2014 will be a big year for the pair; they have been busy in the role of remixers, as well as getting the treatment themselves. «Tiamat Remixes» will be released in May, followed by their new EP «Blood Distributed as Pure Colour». This will be a new chapter for Cassegrain and will act as a sound manifesto of sorts for their debut album coming in Autumn.


Sónar 2014 presenta 155 actuaciones entre las que destacan los estrenos mundiales de los nuevos shows de Massive Attack, Plastikman y Röyksopp & Robyn, junto a clásicos como Chic o Neneh Cherry

La programación musical de Sónar 2014 ofrece un recorrido caleidoscópico por la música de baile, desde sus orígenes (con los fundamentales Chic feat. Nile Rodgers) a los nuevos referentes de la bass music (artistas como Rudimental, Dj Snake, Pretty Lights o Visionist), conviviendo con los nombres clave de la electrónica actual y futura (Four Tet, Oneohtrix Point Never, James Holden o Jon Hopkins, entre otros).

Sónar impulsa Sónar+D, convertido en congreso internacional de cultura digital y plataforma de interacción para las industrias creativas y tecnológicas, que amplía la vocación del festival por la innovación y las oportunidades de negocio en el ámbito de la música, el audiovisual, el transmedia y los contenidos interactivos.

Sónar y la Fundació Sorigué presentan SonarPLANTA, una iniciativa que explora la fusión entre los nuevos lenguajes creativos y la tecnología. SonarPLANTA invitará cada año a destacados artistas de renombre internacional para producir una instalación de gran formato que será estrenada en el festival.

Más información sobre Sónar 2014 y venta de entradas, en su web.

Más información sobre Sónar +D y cómo acreditarse, en su web.

Artista: Antigone, PVNV, Roman Poncet, Shlømo & AWB.
Album: Various Artists
Label: Taapion Records

Rueda de reconocimiento

Cada vez que se descubre la ventana espejo, siento el mismo nerviosismo. Parezco un director de escena el día del estreno. Ya que juntar personas parece tan fácil, casi nadie valora este trabajo. Hoy pueden ser cinco muchachos de la banlieue, pero igualmente podrían ser cinco niños pijos del 8º arrondissement. La gente no valora los matices y la sutileza que esconde esta disciplina. Es un arte y un desafío. Sólo el testigo advierte su profundidad, en cuanto que no sabe a quién de todos elegir. Cuando realizo el cuadro de sospechosos debo conseguir que todos parezcan culpables por igual. La composición debe estar perfectamente equilibrada. Un recopilatorio debe ser justo y representativo, procurando que todos sus elementos sean especiales y, al mismo tiempo, guarden una afinidad. Lo hace el curator en la exposición colectiva y también el seleccionador nacional de fútbol. Como el editor que sufre diseñando la retrospectiva fundamental, busco que las piezas encajen, dialoguen y se complementen.

Todos los comisarios de la prefectura de Bercy han disfrutado de un gran tablón de notas en su despacho, una pared donde colgar sus pesquisas, sus polaroids y los registros de pruebas. Ahora usan cinta adhesiva, pero los más antiguos preferían alfileres. Es necesario que todo esté a la vista, como un plano del metro que contenga todas las estaciones, para que el investigador recorra una y otra vez las líneas, buscando las conexiones que den sentido al conjunto. Ese gran mural encierra el misterio que resuelve el caso. ¿Qué hay entre la Gare d’Austerlitz y la Gare de Lyon? Todo está ahí desde el principio, delante de tus ojos, aunque de momento no llegues a verlo. Cada crimen, cada suceso tiene un móvil. Encontrarlo es toda una ciencia. Nuestra instrucción nos lleva a la causa a través del efecto. Empezamos la casa por el tejado y llegamos a las raíces del asunto. El germen siempre está abajo, en el subsuelo.

Al igual que el escaparatista compone una sinfonía el las vitrinas de los grandes almacenes para seducir al viandante, atraparlo y que entre a gastar su dinero; organizar una rueda de reconocimiento es un verdadero arte. La muestra que se ofrezca será definitiva. Los presuntos implicados, los sospechosos, los confidentes y los gendarmes de control deben estar mezclados con astucia. Al final, da igual que el testigo se decante por uno u otro. A mí no me importa que un inocente acabe en la cárcel o que el peor malhechor salga libre por la mañana. Da igual a quién elija la anciana de la portería que lo vio todo por la mirilla de la puerta, o el taxista al que por poco un alunicero a la fuga embiste en Pigalle. Yo sólo pienso en la naturaleza muerta, en el bodegón extendido sobre el mantel de terciopelo y el claroscuro dramático de la luz lateral. Para mí, todos son iguales, estaban en la escena del crimen y corrieron hacia las sombras cuando fueron descubiertos.

Mute ha anunciado el lanzamiento del nuevo álbum de PlastikmanEx, el primer álbum que edita después del lanzamiento de Closer en 2003. 
Plastikman, alter ego de Richie Hawtin, grabó EX en el Guggenheim de Nueva York con una puesta en escena muy espectacular alrededor de un impresionante obelisco de LEDS. Esta actuación tan especial fue una invitación del diseñador de moda y director artístico de Dior, el belga Raf Simons, para un acto benéfico que celebra cada año en el museo.
EX será lanzado en digital el próximo 10 de junio; y el 14 de Julio en vinilo, CD y en una edición limitada que incluirá un SubPac.
Plastikman ha colaborado con SubPac para crear una Limited Edition Premium. Esta edición especial se presentará en vinilo con un certificado de autenticidad y una edición customizada de Plastikman del SubPac S1. SubPac es un sistema de altavoz portable que permite una experiencia musical total. Cuando llevas el SubPac, todas las frecuencias se reproducen con tanta definición que realmente puedes SENTIR la música, una sensación que normalmente solo puedes sentir estando en un club. Más información de SubPac en su web
“Introduciendo la dimensión física del sonido, el SubPac crea una conexión directa entre el fan y la música en su forma más pura, permitiendo una apreciación más profunda de la música que nos gusta. Igual que con los otros álbumes de Plastikman, en EX hay mucha información sónica en las frecuencias más bajas, lo que convierte a SubPac en un acompañante perfecto para tener una experiencia total” 

Plastikman sólo actuará este año en un único show exclusivo en Sonar 2014 el jueves 12 de Junio. Los nuevos temas se presentarán en el festival, superando la línea del techno y ofreciendo una sincronización perfecta entre arte y música. La carrera de Plastikman ha cruzado los límites de la música electrónica rechazando, primero, la conducción interminable por más velocidad, y, después, las aspiraciones pop más evidentes a favor de más imaginación y compromiso musical.

El viernes 13 de junio PoleGroup presentará su showcase en el mítico club Moog de Barcelona. El sello español ha conseguido la presencia de todos sus componentes nacionales en este acontecimiento especial que tendrá lugar durante el OFF Week. Disfrutarás de sets back2back de Óscar Mulero, Exium y Reeko, además del nuevo directo de Christian Wünsch, presentando su nuevo álbum «Internal Conversion», que saldrá próximamente en PoleGroup. Kwarz, última incorporación de PoleGroup, completa el cartel.

Más info en la web del club Moog.

El release 015 del netlabel argentino Kidnapping viene firmado desde UK por Andy Jaggers a través de su aka ADJ. Incluye remixes de Hecrom (España), Ideal Flow (USA) y Unit 115 (Argentina).

Tracklist: 1-Acid Angel, 2-Rabbisht, 3-Ffo Ffo Cid, 4-Ffo Ffo Cid (Ideal Flow Parallel A), 5-Ffo Ffo Cid (Hecrom Parallel B), 6- Ffo Ffo Cid (Unit 115 Parallel C)

Te dejamos un preview de Soundcloud, pero puedes descargarlo completo en su web.

Artista: Inigo Kennedy
Album: Vaudeville
Label: Token

La máquina emocional

Es curioso comprobar de qué diferente manera nos afecta la música según las etapas de la vida. Hubo décadas prodigiosas, con añadas repletas de exploraciones sonoras que nos adentraron en mundos insospechados. Hubo sitio para todo eso que ahora casi nadie se atreve a hacer. Quienes todavía lo intentan no atinan a encontrarlo. Ahora las dosis albergan menos sorpresa. ¿Nos hemos habituado a niveles insostenibles? ¿Nos hacemos viejos y refunfuñamos, sumergidos en la nostalgia?

Últimamente crees sentir que todo lo que pasa por tus oídos es metadona. Rebajada con agua destilada hasta convertirla en puro placebo. No obstante, cumplirá su efecto, cubrirá la cuota y te alivia el síndrome de abstinencia, pero sabes que nunca será real. Un simple sustituto de lo que de verdad deseas y a lo que no renuncias: el viaje. La impronta emocional de la música es cada vez más tenue e incierta y el vano de la puerta cada vez más estrecho. La membrana permeable por la que su sustancia penetra en nuestro sistema nervioso es cada vez más rígida. Sus componentes químicos cada día son más débiles y chocan con una piel cada vez más insensible. El milagro es más improbable que nunca y piensas que el viaje deberá esperar una vez más. Hasta que ocurre de nuevo y un hilillo de baba te cae por la comisura de los labios.

Pese a su nombre, en Vaudeville no hay sitio para la frivolidad. Es un disco maravillosamente profundo, amplio y logrado. Su poder evocador es tan grande que te arrastrará de los tobillos y las muñecas. Te olvidarás de los fragmentos que lo componen, aunque intentes analizar qué demonios funciona tan bien en él. Inigo Kenedy es un maestro experimentado a la hora de extraer de las máquinas una emotividad que está muy lejos de su aparente impasividad sintética. Evita dejarse llevar por la impersonal frialdad digital para adentrarse en los afectos y las emociones. Aquí no encontrarás las pretensiones habituales del techno oscuro, ansioso de agitarte, producirte desasosiego y atraparte desde el temor. Todo el disco es sustancioso, de carne orgánica, latiente, caliente, entre el paladar y la lengua.

Tarde o temprano llega algo nuevo y desconocido que, por fin, logra desfragmentar una vez más tu cerebro. El día menos pensado un disco vuelve a emocionarte.

Inigo Kennedy

Submerge es un ciclo de eventos especializados en techno con base en Buenos Aires (Argentina) y en activo desde febrero de 2010.  Ahora aterrizan en Barcelona para programar una serie de live streamings con artistas locales y, según nos informan, otras sorpresas.

Submerge Barcelona tendrá lugar en diferentes lugares de la ciudad condal y solo se podrá acceder con invitación previa, aunque la entrada será totalmente gratuita. El line up contará con Alex Martin, Sergio Valor, Char-lee y Rodrigo Garcia

Para obtener más información e invitaciones, nos facilitan este email:
También puedes informarte en este evento de Facebook y ver el live streaming en este enlace.

Con su single «A Matter Of Time«, Dillon envió un preludio maravillosamente frágil como adelanto de su segundo álbum «The Unknown» (comentado en Transistora). El 20 de junio publica a través de BPitch Control un EP de remixes de ese single y ha contado con cuatro maestros de la escena para que le pongan las manos encima: Marcel Dettmann, Anstam, Planningtorock y Monokle.

Janine Rostron, alias Planningtorock, manipula la voz de Dillon de una manera similar a sus propias producciones, dándole una amplitud casi sin género.El residente del mítico Berghain de Berlín, Marcel Dettmann, extiende inicialmente la voz de Dillon, la estela industrial ofrece un espacio para un bucle crudo, primitivo y sucio. Anstam, cercano a Modeselektor, aplica su sonido marca de la casa. Y por último, el productor ruso Monokle comienza su remix como una pieza ambient, antes de que los breakbeats aporreen la puerta.

Sin duda, un curioso catálogo de remixes para una artista en principio muy delicada, que no parece mostrar ningún prejuicio a la hora de contar con un arriesgado grupo de colaboradores.

Dino Sabatini nos cuenta que debido a la magia del arte que une a todo el mundo, ha tenido el placer de conocer personalmente a Tony Scott (Edit Select) durante un show increíble en París. Es justo en ese momento cuando comenzaron a diseñar una colaboración en algunos tracks. Después de su primer trabajo juntos «Survivors Of The Pulse», publicado en el LP «Phlox» de Edit Select, decidieron continuar con un E.P. de 3 tracks al que le han dado el nombre de 3 musas según la imaginación de Dino. «Terpsícore» para la Diosa de la Danza, «Euterpe» para la Diosa de la Música y «Urania» para la Diosa de la Astronomía.

El sello bilbaíno Eclectic Reactions comienza su andadura con la presentación de su primera referencia en digital. «Compilation V1» contiene tracks de 10 productores nacionales mostrando diferentes estilos electrónicos. Así, según nos cuentan, es como definen el carácter de este nuevo proyecto creado por Sunrea & Radithor.

Del 3 al 7 de junio de 2014 se celebra la IX Mostra Sonora i Visual, el principal proyecto del Convent Sant Agustí de Barcelona.

Su programación es el resultado de una convocatoria abierta, que durante las 8 ediciones anteriores ha acogido artistas como Fibla, Guillamino, Pulshar, Mark Cunningham, Nikka, Alba G. Corral, Coàgul, Amsia, Edu Comelles o Arnau Sala, entre otros.
El Convent, como centro de proximidad, trabaja con el doble propósito de ser un espacio de interés para artistas y público especializado, a la vez que acerca estos lenguajes contemporáneos al tejido del barrio y la ciudadLas instalaciones interactivas, que ocuparán las Capelles del Convent durante una semana, están coordinadas desde el espacio MakerConvent (Espacio de Fabricación Digital del centro) con el apoyo de Daniel Gallardo (Ingeniero informático y máster en sistemas cognitivos interactivos, profesor de la UPF).
La IX edición de La Mostra cuenta con dos nuevas colaboraciones muy especiales: La Bienal de Artes Mediales de Chile y el Festival de arte sonoro de Valparaíso TSONAMI estarán presentes en los contenidos del ciclo. Por segundo año la Mostra Sonora i Visual con el apoyo de TMB, acerca el eco de la creación experimental al vestíbulo de la estación Plaza Universidad.
Todas las actividades de la IX Mostra Sonora i Visual son gratuitas, puedes ampliar la información en su web.

Artista: Imago
Album: Nocturne
Label: Trivmvirate

Il risveglio

Si paseas por allí de noche, el Viale Civiltá del Lavoro te parecerá de una desolación perfecta, extendida por las fachadas de sus palacios y por sus aceras desiertas. Un vacío amenazador y hostil lo recorre de madrugada. Es la ingenuidad brutal del fascismo hecha piedra. La pureza masiva del mármol te resultará agotadora y excluyente. Te expulsará y te desheredará, como un padre decepcionado con su primogénito, sin poder contener las lágrimas al echarlo de casa. Tal es el escenario de los semidioses, que no dejan espacio para el hombre, en su deseo de hacerlo empequeñecer.

Arraigado en las glorias del pasado, en las ruinas monumentales y los bloques de piedra imposibles de reubicar, el anhelo de un futuro próspero fue proyectado sobre un mañana fulgurantemente blanco. El futuro fue una ilusión inmaculada, el sueño de una población sumisa, ignorante e intransigente, arrodillada a los pies de un líder con puños de hierro. El porvenir fue una civilización estéril, que renegó de aquel teatro impoluto, antes de plantearse siquiera teñirlo con los borbotones de su propia sangre. A los pies del Obelisco de Marconi ¿el gigante de aluminio está despertando o se está hundiendo? ¿De verdad crees que está emergiendo de la tierra? ¿No te parece que se está ahogando en las arenas movedizas pretéritas cada día un poco más?

Imago es la confluencia de tres artistas en una colaboración mimética. Los tres se criaron en la escena clubbing romana, aquella surgida en el revulsivo contra la historia, inagotablemente sedienta de modernidad. Sin contradecir su nombre, su EP debut, Nocturne, se muestra cavernoso y oscuro. Se arrastra por pozos y catacumbas, reptando por el subsuelo, hasta surgir a la superficie en los talleres abandonados del barrio Ostiense. Un sonido profundamente grave y grueso, Dub Techno subyugante, que te agarra por dentro y te estruja, en el intermedio entre el salvaje y el filósofo, en el cambio de guardia entre el ángel y el demonio.

Hartos de contender con perezosos que nunca responden a ningún estímulo, como los vigilantes de la Central Montemartini, atormentados, fatigados y aburridos entre las reliquias arqueológicas que nunca dicen nada y las turbinas desengrasadas que duermen en un absoluto silencio. Llegará un día en que se levantarán llenos de ira, con la mano en alto y la linterna encendida, para prenderles fuego a cuantos extraños se crucen en medio de la pesadilla. Imago van a agitarte en la duermevela, librándote del peso del pasado, de la historia, de las intrigas de los cardenales, de la extinción de toneladas de pueblos, de la industria, de las ondas de radio y de la electricidad. Te elevarán en andas, como un hombre renacido, y entenderás de una vez por todas qué significa vivir el presente, sin necesitar soñar más futuros, ni vaticinios, ni hipótesis.

Sónar+D reunirá a expertos de todo el mundo para presentar y proyectar las iniciativas y herramientas que darán forma a las futuras experiencias creativas alrededor de la música, la imagen, los contenidos interactivos y las plataformas transmedia.

Sónar+D se define como encuentro con un enfoque interdisciplinar e intersectorial que se dirige a los profesionales del sector de las industrias creativas, tecnológicas y culturales y que persigue la interacción entre ellas, el intercambio de conocimientos, el debate, la exposición del talento y la generación de negocio.

De este modo, avanza hacia un evento con carácter propio que se integra orgánicamente en el festival Sónar, crece en paralelo y refuerza su oferta de actividades, situando el festival como un activo dinamizador del sector de las tecnologías creativas, más allá de su territorio natural de la música y el new media.

Sónar+D está configurado en cuatro áreas: un área congresual, que incluye más de 30 conferencias, mesas redondas y workshops; un área expositiva que presenta 80 proyectos en los espacios del MarketLab y el AppCafé, así como en los showcases, demos y presentaciones de productos y en SonarCinema, que se integra también en este área; una tercera área, repartida en los escenarios destinados a Live Performance, tanto de Sónar+D como del propio festival Sónar, que incluyen conciertos e instalaciones new media; y por último, el área de networking, con Meet the Expert como actividad central y las herramientas virtuales de interacción dispuestas en la web.La mayoría de las actividades de Sónar+D están abiertas también al público del festival, contribuyendo a la nueva etapa de Sónar que se abrió el año pasado con el cambio de sede de Sónar de Día.

Puedes ampliar la información sobre Sónar+D visitando su web.

Artista: Douglas Greed
Album: Driven
Label: BPitch Control

Baldosas amarillas

¿Cómo permanecer fiel a tu propio sonido sin repetirte? ¿Cómo liberarse de la carga despiadada de unas expectativas depositadas sobre tus hombros, sin decepcionar a nadie que crea firmemente en ti? ¿Cómo diseñar un segundo álbum que suene tan fresco como el primero sin que nadie te reproche haberte acomodado en su propia fórmula del éxito? ¿Cuál es la reacción correcta cuando todos aguardan tu réplica de turno? En lugar de atormentarse buscando respuesta a estas preguntas, Douglas se ha lanzado directamente a crear Driven, sin examen de conciencia ni prejuicios, dejando la filosofía existencial para más tarde, aplazando calcular los porcentajes de las causas en las consecuencias.

En cualquier caso, parece que nunca anduvo corto de ideas, ni se mostró tímido al sacarles provecho. Esto no le ha dejado quedarse quieto durante mucho tiempo en el mismo plano sonoro. Sus últimos años de actuaciones en vivo, compaginados con el trabajo de productor versátil, presto a zambullirse en todo tipo de territorios sin pensárselo dos veces, lo han resabiado y colmado de experiencia. Ahora se ha excedido más allá de la zona confortable del techno y house, que fueron las regiones seguras en las que gestó KRL, su álbum de debut.

Driven continúa mostrando el estilo complicado y heterogéneo de Douglas. Crees estar escuchando un disco pop y, súbitamente, un violento valvulazo te saca el chicle de la boca. No encontrarás donde agarrarte, porque el suelo se abrirá bajo tus pies en el momento menos pensado. Él juega con estados de ánimo, tiempos rítmicos y, de una manera perversa, mantiene el balance entre el formato tradicional de una canción y el del track. Este es un disco extenuante, que muestra una exagerada euforia en su interpretación, en su proceso de creación y en las fuerzas manejadas. Un digno retorno para alguien a quien no le tiemblan las piernas a la hora de presentar su segundo álbum a los comensales que llevan tanto tiempo esperando, sentados y hambrientos.

Artista: Kyoka
Album: Is (Is superpowered)
Label: Raster-Noton

Lección magistral

–Maestro, cuando rompes una piedra con el martillo y saltan esas chispas tan hermosas ¿las chispas estaban dentro de la piedra? –preguntó la niña.
–No exactamente –respondió el maestro, acariciándose la barbilla con un movimiento circular–. Las chispas sólo adquieren su forma brillante cuando se liberan.
–Entonces, ¿hay algo dentro de la piedra, anterior a la chispa, que está esperando escapar?
–No exactamente –puntualizó el maestro, alargando la mano para coger un canto rodado del suelo–. La chispa previa no está esperando nada, porque no existe todavía –matizó después, esperando resultar explícito. El maestro estiró el brazo hacia atrás y lanzó con todas sus fuerzas el canto al lago, que salió disparado como un proyectil.
La niña observó el canto rebotar en la superficie un par de veces antes de hundirse en el agua, apretó los puños, se sentó en el límite de la tierra seca y preguntó– Entonces, ¿es el golpe del martillo lo que crea la chispa?
–Exactamente –dijo el maestro sonriendo, sin ocultar su felicidad al comprobar que la pequeña empezaba a entender. Luego dobló las rodillas lentamente para sentarse junto a ella.
–Entonces –insistió la niña, cogiendo con las dos manos una piedra sumergida en el agua–, ¿la violencia también puede crear belleza?
–Así es –murmuró el maestro, cerrando los ojos afirmativamente.
La niña sacó la piedra del agua, la levantó por encima de su cabello y, con todas sus fuerzas, la estrelló contra la cabeza del maestro.


El próximo 7 de mayo PoleGroup presenta un showcase de su sello dentro las jornadas oficiales de Madrid Music Days. El showcase tendrá lugar en la sala Boite y cuenta con Óscar Mulero, Christian Wünsch Live & el joven madrileño KwartzChristian Wünsch presentará su nuevo directo como calentamiento para su próximo “Internal Conversion” album tour. 

Tienes toda la información sobre Madrid Music Days en su web.


Artista: Omega dB
Album: My Church EP
Label: Autoeditado

Impulso frontal

Como la lectura de las palabras en esta frase, la vida es un traveling de izquierda a derecha. Como las noticias del canal 24 horas en el cairon a pie de imagen, en el sinfín de la actualidad. Como la pantalla luminosa del friso de titulares de Times Square. Parecido a un vídeo juego de Super Mario Bros, a través de un túnel infinito de gincanas interminables, lleno de trampas, de rampas, de saltos y toboganes en los que por accidente deslizarse hasta morir. Igual que el corredor de mantenimiento del CERN. Como el piso rodante para viajeros de la T4, o la cinta de recogida de equipajes de la T1 del Prat. Muy semejante al Transiberiano, o al Orient-Express, la vida es un movimiento hacia delante. Caminamos en la noche, pisando con cuidado la mancha de luz de una linterna de 4 vatios.

Cuando empiezas, el pasillo no tiene fin, se pierde en el horizonte, imposible de abarcar. ¿Conoce es sabor de la posibilidad? La osadía y la confianza en nuestras capacidades, la certeza en probar suerte y la determinación en levantar el pie para dar una zancada. Cuando arrancas, hay que empaparse de orgullo, en una fe ciega hacia uno mismo, hay que tomar todo el aire que quepa en los pulmones y hay que arder intensamente, como la hoguera del Faro de Alejandría. Hay que deslumbrar a los que no creían en nosotros, a los que vendían nuestra renuncia antes de celebrarse. Hay que demostrar que valemos para el puesto y decirles que no van a desanimarnos, que si quieren desalentar a alguien, que busquen a los que se esconden bajo la cama, haciéndoles muecas y aspavientos, gruñéndoles con voz de oso polar.

Todos los comienzos se parecen enormemente, porque todos empiezan en el mismo sitio. Nadie piensa en tirar la toalla cuando es novel, porque el futuro es insoportablemente excitante para perdérselo.

La próxima edición de SonarKids tendrá lugar, una vez más, en la playa. Se celebrará el sábado 24 y el domingo 25 de mayo en el paseo marítimo de El Port de la Selva, en la Costa Brava. Serán 2 jornadas gratuitas y repletas de actuaciones y experiencias creativas para niños y padres junto al Mediterráneo. 

El festival comparte la vocación exploradora e innovadora de Sónar, invitando tanto a los artistas cómo al público a crear una experiencia conjunta con el fin de ampliar y renovar las posibilidades del ocio infantil y familiar.

La organización destaca el show en exclusiva y por primera vez en Europa, de DMK, el grupo colombiano de versiones de Depeche Mode formado por un padre y sus dos hijos pequeños que está revolucionando YouTube. No te olvides de darle al play al video que hemos insertado más abajo.

Entre otras actuaciones, también destacan a Alizzz, Tremendo, Busy P, Markooz, Pau Riba i els 40 Gripaus, Fantastic Plastic DJs y Molts Records Kids.

Puedes consultar los horarios y ampliar la información en la web

‘Were You There?’  es el primer single de «CI», el nuevo disco de Diamond Version (Alva Noto y Byetone) que cuenta con una interesante alianza: la voz de Neil Tennant de Pet Shop Boys. El álbum se publicará el 2 de junio 2014 en el sello Mute Records.

Aprovechamos para recordaros que Diamond Version estarán actuando este viernes 25 de abril en CaixaForum Barcelona, dentro del ciclo DNIT organizado por Delicalisten. Tienes toda la información en su web y la venta de entradas en este enlace.

Artista: Sofus Forsberg
Label: Mindwaves-Music

Música fractal

El tiempo es la sustancia más resbaladiza. Cualquier otra cosa puede ser dejada caer con cuidado en una mesa de laboratorio para estudiar su comportamiento, salvo el tiempo, que no se deja estirar ni contraer. No podemos trocearlo ni darle la vuelta. Todos tenemos claro que nuestros recuerdos pertenecen al pasado y que solo podemos prever suposiciones del futuro. El tiempo transcurre unidireccionalmente, siempre hacia delante, y aún no sabemos por qué. Lo único que podemos hacer es ilustrarlo, con sonidos, con imágenes, con sensaciones que encadenen una secuencia y luego, si lo deseamos, acelerarla, ralentizarla, o lo que nos apetezca. Podemos incluso rebobinarla marcha atrás.

Partiendo de esa obviedad en su naturaleza, Forsberg investiga los patrones matemáticos de la repetición y la tridimensionalidad en el plano continuo del tiempo. Entendemos el ritmo como la repetición monótona de pulsaciones, un latido o una vibración, y consideramos arrítmicas las estructuras más complejas. Sin embargo, las secuencias aparentemente caóticas y aleatorias pueden encerrar una arquitectura insospechadamente simple. No nos engañemos. Forsberg no hace jazz. Su música ha dado el salto de la aritmética al álgebra, para ramificarse en parábolas, como las semillas en la flor de un girasol.

Podemos pensar en partículas en desplazamiento. Podemos imaginar una duna de arena desmoronándose por un costado, ráfagas de viento golpeando una contraventana, o gotas de lluvia cayendo sobre la mesa del jardín. Podemos observar las abejas planeando sobre las flores cimbreantes. Podemos visualizar las sinapsis de nuestras neuronas, en oleadas mentales, como un aplauso que se extiende por una gran sala abarrotada de gente satisfecha.

El Consell Nacional de la Cultura i de les Arts concede el Premi Nacional de Cultura a Sónar, el Festival Internacional de Música Avanzada y New Media Art de Barcelona, que este año celebra su 21ª edición, por su excelencia, innovación, trayectoria y proyección.

El Premi Nacional de Cultura destaca: “Sónar es una iniciativa cultural pionera surgida en Barcelona que se ha convertido en un modelo internacional en cuanto a formato y contenidos, que atrae a público y artistas de todo el mundo y que se exporta con éxito a países de cuatro continentes. La conexión e interrelación entre creatividad y tecnología son los valores fundacionales que han definido al festival desde sus orígenes. Sónar es un punto de encuentro para diferentes disciplinas y comunidades creativas, tomando el pulso al panorama actual de la producción musical y sus interacciones con el mundo audiovisual y la creación digital y new media”.

El acto de entrega tendrá lugar el 2 de junio y estará presidido por Artur Mas, presidente de la Generalitat de Catalunya.

Los Premios Nacionales de Cultura, otorgados por el CoNCA, son la distinción más importante en el ámbito cultural en Catalunya y valoran la excelencia, la innovación, la trayectoria y la proyección.

Sónar 2014 se celebrará en Barcelona los días 12, 13 y 14 de Junio. Tienes toda la información en su web

Portishead actuará por primera vez en directo en Madrid el próximo 18 de julio en el Palacio de Deportes, acotado para la ocasión bajo su nuevo formato reducido «The Ring». Aunque no sabemos si esto significa que presentan nuevo trabajo, un concierto de Portishead siempre es una experiencia que merece la pena disfrutar.

Las entradas se pondrán a la venta el viernes 11 de abril a las 12:00 en y el lunes 14 de abril en Ticketea y Ticketmaster. Precio: 38€ + gastos

Sónar 2014 presenta la segunda edición de Sónar+D, con un marcado acento en la innovación tecnológica, la creatividad y el negocio. Esta edición profundiza en su carácter internacional y estratégico en las industrias creativas evolucionando hacia un congreso con espacio expositivo, que aúna conocimiento e intercambio comercial.

Este año amplía su programación para profundizar en los tres ámbitos fundamentales de la cultura digital: las tecnologías creativas, los modelos de negocio que las hacen posible y el movimiento de hackers y makers.

Destacan a invitados como Kickstarter, Fabrica o el MIT Media Lab que darán las claves sobre los nuevos formatos de creación, inversión producción o comercialización en la era digital a través de las áreas de
debate, expositivas, shows y networking.

Sónar+D distingue tres ámbitos fundamentales para abordar la cultura digital: las tecnologías creativas, los modelos de negocio que las hacen posible y el movimiento de hackers y makers. El programa de este año propone un recorrido por notables ejemplos de la escena global a través de sus áreas expositivas, de debate, networking y shows.

Sonar+D se celebrará los días 12, 13 y 14 de junio, en el Palau de Congressos de Barcelona en Sónar de Día.
Puedes ampliar la información en

El duo de Gales Fuck Buttons actuará el próximo 23 de mayo en Caixa Forum Barcelona. El concierto forma parte del Ciclo DNIT y está organizado por la plataforma Delicalisten y comisariado por Noelia Rodríguez. Ciclo que no deja de sorprendernos por su fantástica programación.

Si no has tenido ocasión de ver a Fuck Buttons en directo, no deberías perderte la experiencia. Tienes más información en la web de Delicalisten y la venta de entradas en este enlace.

Artista: XTRNGR
Album: Climbing
Label: Discontinu Records

Niño prodigio

La trayectoria de nuestros servicios es la búsqueda de la excelencia. Los padres que los requieren suelen vigilar cada detalle en la evolución de sus hijos. Piensan que es su deber detectar cualquier anomalía en una fase temprana. Los primerizos son los más paranoicos. Como viven en un estado de preocupación permanente, temen -y a la vez desean- descubrir algo que se escape de la normalidad. Ellos no tienen referencias para contrastar si están equivocados, de modo que se lo cuestionan todo, consultando sin cesar sus ediciones de bolsillo de psicología infantil. No respiran tranquilos hasta que el pediatra les confirma que su hijo no es autista.

Lo que menos esperan es que sea superdotado. Su primera reacción es alegrarse enormemente, porque le auguran un futuro prometedor. Se lo imaginan encontrando una vacuna contra el cáncer o descubriendo el puente definitivo entre la mecánica cuántica y la teoría de la relatividad. Suelen preguntarnos si conocemos colegios especializados en casos así, o si deberían escolarizarlos en Israel. En cuanto se les pasa la impresión, sin dejar de sentirse un poco turbados, nos cuentan que anteponen la felicidad de sus hijos a cualquier otra cosa. En el fondo, conocen perfectamente el riesgo que corre su hijo de acabar siendo un desgraciado.

En términos generales, la creatividad desbocada y el anhelo de lógica los convierten en chicos reservados. Los desajustes emocionales estarán a la orden del día, porque tardan en admitir la irracionalidad del mundo. Son criaturas delicadísimas, que analizan cada cosa nueva que descubren para enlazarla con las que ya conocen. El universo es el puzle con el que juegan. En este proceso de aprendizaje, su mente corre serio peligro de quebrarse o torcerse. En esta clínica preparamos a los padres para convivir con todo esto y, en el peor de los casos, les ayudamos a asumir que sus hijos no les pertenecen en absoluto.

Reconocemos que tenemos debilidad por el trabajo y criterio musical de David Meiser. Hoy os contamos que ha publicado en Soundcloud el set completo de su actuación en el mítico Tresor de Berlín el pasado 2 de abril. Un set contundente al que, como él mismo nos cuenta, el sonido ambiente solo se escucha al principio y final para ofrecer la mayor calidad posible al audio.

En marzo de 2007, Innigo Kennedy puso a Token Records en el mapa con su primer lanzamiento ‘Identify Yourself’. 7 años y 10 publicaciones después publica su primer largo: ‘Vaudeville’, un proyecto que siente como la culminación de todos esos años.

El álbum ‘Vaudeville’ se publicará el próximo 2 de junio como doble LP y CD. Pero el 14 de abril Token Records lanza en single de adelanto: ‘Lullaby’/’Petrichor’, que ya puedes escuchar en streaming en la web de Juno. Y os recomendamos que lo hagáis, porque es realmente bueno.

Sónar acaba de anunciar más de 40 nuevos nombres, entre los que destacan el compositor alemán Nils Frahm, la estrella emergente del pop escandinavo , el DJ set conjunto de James Holden y Daphni (alter ego de Caribou) y ‘Whorl’, el nuevo proyecto de los británicos Simian Mobile Disco.

Respecto al área nacional anuncian artistas y proyectos como Nev.Era, Pina, DJ2D2, Mwëslee, Territoire, Sunny Graves, Kresy, Glue Kids, BSN Posse, 3QUINOX, Mr. K!, o Enpunto, entre otros.

Red Bull Music Academy cierra la programación del escenario SonarDôme con Buraka Som Sistema, Chris & Cosey, Tokimonsta, Debruit & Alsarah y Octo Octa, entre muchos otros.

Además, anuncian que la jornada del jueves 12 de junio en Sónar de Día se prolongará hasta las 23:00h con motivo del show audiovisual especial de Plastikman, donde estrenará sus nuevas composiciones.

Ya puedes consultar toda la programación por días en este enlace.

Artista: Drøp
Album: Vasundhara
Label: Arboretum

Palabra de Dios

Hay un sustantivo que es un arma. Los alquimistas, los rabinos y los guerreros lo han buscado en los pergaminos polvorientos. Una palabra que, al pronunciarla, rompe los huesos del enemigo como una barra de hierro. Los cerebros se cuecen dentro de los cráneos y los ejércitos se desploman en sus armaduras vacías como cáscaras de huevo. El verbo fulminante pertenece a una lengua muerta, de cuya gramática quedan restos en los dialectos de las montañas. Si un hombre volviera a invocar ese nombre de Dios, aunque fuera un susurro al cuello de la camisa, le ardería la boca, como un alambique al fuego.

No hay más información disponible que los cuentos legendarios, empleados por las madres para amedrentar a los niños traviesos. Todo lo más que se sabe de esa palabra mágica es que está compuesta por siete consonantes y que carece de vocales. Quien la conociese y desease utilizarla, debería cumplir antes un estricto entrenamiento. El mal uso del arma quema la tráquea en una afonía irreversible. Se presupone que quienes lo intentaron y fallaron ya solo pudieron comunicarse garabateando signos en la arena. En una canción de las cumbres se dice que los sordomudos lo son porque accidentalmente jugaron con ella, sin saberlo, cuando eran bebés.

Ahora hay un hombre que ha retomado la investigación en un laboratorio clandestino, oculto en el armario de su dormitorio. Un software ha redescubierto la palabra, usando un algoritmo que combina todos los fonemas conocidos, y un robot está dispuesto a pronunciar lo que a cualquier hombre produciría terror. Hace meses que pinchamos su línea de teléfono y hoy hemos analizado una llamada que nos inquieta. Tan impaciente se manifestaba que sospechamos no pueda esperar más. Esta tarde, a la hora del ocaso, realizará una prueba desde la azotea del campanario.

«Björk: Biophilia Live», dirigida por Nick Fenton y Peter Strickland, sigue la gira de conciertos del octavo álbum de estudio de Björk. Además de mostrar imágenes de las actuaciones en directo de Björk, Strickland y Fenton también mostrarán secuencias de animación de aplicaciones hechas por algunos de los mejores diseñadores del mundo.

«Björk: Biophilia Live» se estrenará el 26 de abril en Tribeca Film Festival 2014 de Nueva York.
Tienes más información en la web oficial del documental, en la que puedes sugerir ciudades donde quieres que se proyecte y en la web de Tribeca Film Festival.

MIRA Festival Barcelona abre una nueva convocatoria para artistas visuales
La cuarta edición del MIRA, que se celebrará en diferentes espacios de la ciudad de Barcelona el próximo mes de noviembre, abre una nueva convocatoria: VISUAL OPEN CALL 2014. Hasta el 16 de mayo, los artistas visuales –individuales y colectivos- que quieran exponer su trabajo en el marco del festival MIRA podrán presentar su solicitud.

La VISUAL OPEN CALL, que en la pasada edición recibió más de 180 propuestas de 23 países, está enfocada a la creación visual. A través de esta convocatoria, el festival quiere promover el intercambio y el diálogo creativo entre las disciplinas más emergentes de la creación audiovisual.

Puedes descargarte las bases para participar en este enlace y puedes ampliar la información sobre la convocatoria en su web.

Hace un par de años descubrimos a XTRNGR gracias a su disco «Together». Desde entonces ha estado muy ocupado, le han ido muy bien las cosas y además ha creado nuevo material para Discontinu Records. Aprovechando el lanzamiento de «Climbing», su nuevo disco, hemos charlado con él.

Cada nueva obra tiene unas connotaciones especiales para el músico que la crea.
¿Qué esperas que descubra el público al escuchar “Climbing”?

En este nuevo disco he intentado crear una historia completa desde que empieza el disco hasta que termina. El disco va enlazando diferentes sentimientos desde la melancolía hasta la euforia tratando de jugar con diferentes estilos de electrónica. Me gustaría que cada uno experimentara un pequeño viaje hacia donde mas desee.

¿Cuáles son las influencias más destacadas que han intervenido en este trabajo? ¿y tus artistas favoritos?

Mis influencias en este disco son muy amplias, pueden ir desde el ambient hasta el IDM mas oscuro. No me he centrado en crear un disco de un estilo determinado, me gusta experimentar con varios estilos, que cada canción tenga su propio sonido.
Hay muchos favoritos, pero hay artistas que me han influenciado mucho en la forma de entender la electrónica como Dntel o Apparat. De lo nuevo destacaría Clark y Jon Hopkins.

Tu sonido es sensible y afectivo, algo difícil de encontrar en el universo helado de la electrónica, habitualmente más técnico que emocional ¿Te consideras un purista del género?

Un purista no, ya que intento siempre experimentar mucho a la hora de crear sonidos nuevos, me gusta la música que realmente transmite algo, en la electrónica en general se intenta jugar mas con patrones rítmicos y yo intento crear atmósferas y melodías dejando el ritmo en un segundo plano o creando ritmos diferentes.

¿Con qué artistas te gustaría colaborar?

Me gustan todo tipo de colaboraciones. La última ha sido trabajar en un tema para un corto nominado a los Oscars y ha sido una gran experiencia. También me gusta trabajar en remezclas de grupos de pop e intentar darles un toque electrónico sin perder la esencia de grupo.

En cuanto a reconocimiento, 2012 fue un buen año para ti. ¿Qué supuso en ese momento actuar en un festival como Sónar?

Mi anterior trabajo en Discontinu Records, “Together”, funcionó realmente muy bien, fue algo inesperado. En 2012 toqué en Sónar en la carpa de Radio3 y a partir de ese momento empezaron a salir más conciertos. En 2013 actué en Sonar De Día en el escenario grande y fue realmente increíble. Poder tocar en festivales grandes como Sónar o Mira, donde todo suena realmente bien, me encanta.

¿Prefieres pista de baile o sofá con auriculares?

Sofá con auriculares, aunque últimamente también me gustan cosas de pista de baile.

Barcelona es caldo de cultivo para infinidad de proyectos e iniciativas musicales. ¿Crees que hay una verdadera marca “Electrónica de Barcelona”?

Más que una marca “Electrónica Barcelona”, creo que es donde hay mas gente y mas movimiento, pero hay artistas de toda España realmente muy buenos. Hay mucha variedad de estilos y por eso creo que no se pueden enmarcar a todos dentro de un mismo saco, pero es un momento realmente bueno y cada día aparecen artistas nuevos con cosas realmente interesantes.

A veces, el estatus de artista electrónico parece mirar por encima del hombro a todo lo demás ¿Hay algo de cierto en esto?

En mi caso no, me gusta todo tipo de música e intento aprender de todos los estilos.

¿Cuáles son tus próximos planes y proyectos?

Mis próximos planes son el lanzamiento estos próximos días de “Climbing” y empezar una pequeña gira. Para los directos hemos preparado un espectáculo visual con Dslnc que juntan a la perfección sus imágenes con mis temas en directo. Tengo también algún remix por publicar y estoy trabajando en otros que se publicarán durante este año.

¿Qué opinas de la escena electrónica nacional?

La electrónica nacional sin duda vive un gran momento, hay mucha gente creando cosas realmente buenas y muy variadas, la prensa se empieza a volcar mas y cada vez salen mas festivales. Realmente no hay diferencia entre producciones internacionales y nacionales
como pasaba tiempo atrás. Cada vez mas artistas son reconocidos internacionalmente y eso es realmente

Sónar 2014 Barcelona añade 58 nuevos artistas a su ya alucinante e impecable cartel y completa el bloque principal de su programación. Entre muchos otros, en Sónar De Noche anuncian a CHIC feat. Nile RodgersRöyksopp & RobynLykke LiTodd Terje,Boys NoizeDj SnakeFuture BrownKaytranada y el showcase del sello 2020Vision,  que se suman a las actuaciones ya anunciadas de Massive Attack, Richie Hawtin, Caribou, Rudimental, Four Tet y Woodkid en Sónar de Noche.

En Sónar de Día anuncian los shows de Neneh Cherry,TrentemøllerDâm-FunkKid KoalaAudionForest SwordsSpoek MathamboHenry Saiz y BFlecha, que se añaden a los de Plastikman, Bonobo, James Holden, Jon Hopkins y Oneohtrix Point Never, entre otros.

En las próximas semanas Sónar cerrará definitivamente su programación con la incorporación de más artistas nacionales, nuevos nombres presentados por Red Bull Music Academy y alguna sorpresa más.

Puedes consultar la programación de día y de noche aquí.
Tienes toda la información sobre las entradas y acreditaciones profesionales aquí.

Artista: Resonance
Album: Skygaze
Label: Hombre Bala Records

Por aquí debe estar

Descubrir nuestro sitio en el mundo es el gran reto. Uno nunca sabe dónde se encuentra ese espacio antes de ponerse a buscarlo. Si nos guiamos por aquellos que encajan maravillosamente bien en el suyo, con vistas al océano y brisa fresca, querremos un lugar no menos privilegiado.

Mientras seguimos explorando, vemos rincones que nos parecen un acierto. Nos sentamos en una piedra prominente y contemplamos el paisaje del mar de nubes, pero al rato intuimos que no nos corresponde y nos levantamos, dejando atrás otra roca caliente. No hay amigos que nos aconsejen cuando andamos de excursión por las cimas. La gente que nos aprecia sabe decirnos las cosas que debemos oír de modo que no nos hagan daño, pero nadie puede acompañarnos en la búsqueda de ese vacío perfecto. En el momento de cubrir esa ausencia, estaremos solos.

Para rellenar la laguna hay que redondear nuestras aristas, hacerse romo como un canto de río y rotundo como un tiro de honda. O bien licuarse como la lluvia y dejarse caer dentro de la grieta. Cuando ocupas el lugar correcto, te das cuenta enseguida. Se te queda la misma expresión de satisfacción que has visto antes en los rostros de muchos otros. Entonces escuchas un himno, compuesto expresamente para la ocasión, y se te relajan los músculos. Germinas y tus ramas ascienden hasta rozar las estrellas.

Artista: Lucy
Álbum: Churches Schools and Guns
Label: Stroboscopic Artefacts


Es un placer contar con su presencia en esta exhibición. Quiero agradecer a todos los medios haber acudido a esta convocatoria. Si son tan amables, colóquense junto al cristal, de modo que todos puedan ver lo que ocurre al otro lado.

Como les habrán enseñado en el colegio, estamos compuestos por células. Microorganismos especializados en cada tarea del cuerpo. Somos súper estructuras de pequeños componentes ensamblados, que trabajan disciplinadamente por el bien común. Por desgracia, nuestras células no pueden sobrevivir aisladas durante mucho tiempo. La autonomía no forma parte de su diseño genético. Ahora bien ¿qué ocurriría si pudiésemos salvar ese pequeño contratiempo?

Es un placer mostrarles la respuesta de nuestro laboratorio de investigación: les presentamos La Colmena.

Ya que no podrán ver con sus propios ojos los pequeños individuos que la componen, hemos desarrollado estas infografías explicativas para que se familiaricen con estos diminutos drones. Todas las unidades son idénticas y se reconocen entre ellas como en un espejo. Cuando están solas, son independientes y, en cuanto se encuentran, pueden unirse en un conglomerado biológico. Piensen en hormigas de fuego o en avispas, los animales que nos han inspirado a lo largo de este proyecto.

Separadas, las unidades son exploradoras. En todo momento, se comunican entre ellas. Cuando alguna sufre un ataque, las compañeras más próximas acuden a repelerlo. Evalúan el grado de la agresión y responden proporcionadamente. Si la amenaza es muy intensa, toda La Colmena reacciona. Su defensa es siempre ofensiva. No se detiene hasta extinguir la amenaza. La Colmena es programada con un objetivo y se las arreglará para cumplirlo.

Para esta demostración, le hemos asignado Taylor Swift.

Artista: OdD
Album: Long Time Coming
Label: Sol Asylum

Berlin calling

El sol en tu espíritu y un lugar donde tu mente y cuerpo puedan volverse locos son los conceptos con los que nace el sello berlinés Sol Asylum, creado en 2011 por Julie Marghilano junto a sus colegas DJ’s Miss Jools y Patrice Meiner.

Su principal objetivo es mantener una visión abierta de la música underground de calidad, mostrando desde deep house hasta una visión más futurista del techno.

Su primera referencia es “Long Time Coming” del duo OdD, formado por Damian Daley y Danny Dixon. Ambos hijos de músicos de reggae, una de sus principales fuentes de inspiración. Mientras que uno tocaba la batería y producía música durante más de una década, el otro era DJ y ávido coleccionista de música. Finalmente este curioso dúo han combinado sus capacidades para ofrecer un sonido electrónico técnico y puro. Más cercanos a un tipo de techno elegante, probablemente la etiqueta deep house con la que se presentan no sea del todo apropiada.

“Long Time Coming” es más bien un pequeño catálogo de tracks cuidadosamente producidas y una interesante carta de presentación para un equipo que también considera de vital importancia la estética de una buena portada. De ahí que cuenten con la aportación de diseñadores gráficos de todo el planeta. En este caso, la creadora es Stephanie F. Scholz.

Artista: Ellen Allien & Thomas Muller
Album: Free Nation EP
Label: Bpitch Control

Keep on dancing

Ella siempre tiene el control, incluso cuando elige con quién perderlo. No estar a la altura de sus expectativas no es una tragedia, pero nadie en su sano juicio desearía defraudarla. Cuando ella te tiende la mano siempre es de verdad. No es una trampa para vampirizarte la energía que corre por tus nervios y tus venas. Cuando ella te invita a colaborar es porque realmente confía en ti y respeta lo que haces. Ser elegido es un honor. Se te hiela la sangre una centésima de segundo antes de sentirte alagado, pero enseguida te serenas y lo aceptas con todas las de ley. Luego te entregas completamente en la propuesta, porque una ocasión como esa ocurre pocas veces en la vida.

Hacer bailar a la gente es una enorme responsabilidad. Muchos lo intentan y se conforman con que todos muevan el esqueleto hasta derramar el cubata. Si te tomas este trabajo en serio, eso te parecerá insuficiente. Es como quedarse en la entrada del club y escuchar la música desde la calle. Hacer bailar de verdad a la gente es hacerla olvidarse de ligar, de tomar nada, de dar la brasa lamentándose de lo lejos que ha aparcado el coche y de desear hacerse una foto para subirla a Instagram. Esa actitud compartida no depende de la gente congregada, ni de sus ganas de fiesta, ni de la acústica de la sala, ni de nada circunstancial. Esa magia proviene directamente de la música y la maestría de quien esté al mando.

Muchas de las cosas que hacemos están motivadas por el simple deseo de divertirnos. Eso está bien hasta cierto punto. Ser un entretenimiento para las personas puede parecer suficientemente noble, pero no basta. No debe bastar. Hay que proyectarse más lejos, a más profundidad. Hay que ser ambicioso buscando la transcendencia, persiguiendo retos cada vez más estimulantes. Con la música puedes conseguir muchos resultados diferentes en las personas. Puedes sumirlas en la melancolía, puedes hacerlas sentir enamoradas, o puedes producirles temor… pero hay un efecto que supera todos los demás: no hay nada más digno y majestuoso que hacerlas bailar de verdad.

Artista: David Meiser
Album: Those Who Still Remain EP
Label: Darkfloor Sound


Inadvertida, emboscada, una amenaza estalla y todo el clan corre en tropel. La explosión de adrenalina se inventó para esto: evitar ser presa en las fauces del león. No hay una urgencia superior al peligro de muerte. Nada como la estampida del rebaño en una carrera desesperada por salvar el pescuezo.

Cabalga, muchacho, como un jockey en el hipódromo, sin mirar atrás. Pon tu caballo al límite. No necesitas ver las flechas de tus perseguidores, atravesando los matorrales para clavarse en los troncos de los robles y en los de tus compañeros. Sigue a galope tendido por el bosque, sin pensar en detenerte. Salta las rocas y los arroyos, como si tú mismo fueras el caballo asustado que montas. Concéntrate en este pensamiento: eres un centauro que huye y no vas a ser abatido.

¿Cuándo sabrás, jinete, que has dejado el peligro atrás? Cuando no te quede aliento en los pulmones, encendidos en llamas de fatiga. Cuando el corazón te estalle en el pecho. Cuando te desplomes en la hierba y te esfuerces en comprobar que estás en un lugar seguro, o cuando saltes tu último obstáculo y te despeñes por el borde del acantilado, cruzando los brazos, cubriéndote el rostro, precipitándote en una caída infinita.

Artista: Dj Red
Album: Eyes are blind
Label: BPitch Control

She’s got the look

DJ Red es Simona Calvani. Es curioso saber que viene del mundo de la moda y que creó su propia línea de bolsos y accesorios, momento en el que descubrió la escena electrónica. Comenzó pinchando ambient y dance music en Roma, llegando a ser residente durante una década en Goa Club. Esto le permitió participar en otros eventos llegando a actuar junto a Ricardo Villalobos, Jeff Mills, Richie Hawtin y Aphex Twin.

En 2005  lanzó su primer EP “Silk Or Metal” y se trasladó a Londres, comenzando a girar por Europa hasta que fue fichada por el fino olfato de BPitch Control (el sello de Ellen Alien) y se instaló finalmente en Berlín.

Ahora está a punto de publicar su primer disco con ellos. Como podrás imaginar, esto no es cualquier cosa, ya que si algo caracteriza a este label, es la calidad de sus artistas y producciones.

“Eyes Are Blind” contiene tres tracks fabricados con todo el orgullo de saber muy bien dónde y en qué momento te encuentras. Y ahora, Simona demuestra un control absoluto de la materia: bajos e hipnosis, humo y piedra, hielo y seda.

Con su extensa trayectoria profesional, Rosa Pérez es toda una institución cultural en nuestro país. Su labor de investigación y difusión es una fuente inagotable de referencias interesantes, que van más allá de su programa “Fluido Rosa” en Radio3. Tenemos el honor de entrevistarla y compartir sus impresiones sobre los temas que ocupan una de las mentes más lúcidas e inquietas de la radio en España.

Actualmente es muy común llamar “magazine sonoro” a un programa de radio, sin embargo, tú ya llevas haciendo esto muchos años con Fluido Rosa. ¿Lo consideras un programa de radio pionero en formato y contenido? ¿Y una inspiración para los demás?

Bueno, pionero, en el sentido de darle una dimensión visual utilizando internet, sí. Desde un principio vi claro que esa herramienta podía ser muy útil, pero sin olvidar que lo que hacemos es un programa de radio. Quiero recalcar eso, ya que en estos momentos se empieza a difuminar cuál es nuestro cometido, ya que se da más importancia a “retuitear” y hasta donde llega ese retuit (¿una nueva forma de EGM?), a contabilizar supuestos seguidores a través del “me gusta” de Facebook, etc. y se valoran menos los contenidos, la investigación, la elaboración, en definitiva, la línea editorial. Algo que en Fluido Rosa hemos marcado muy insistentemente, no solamente para definirnos como programa, sino para mantener un hecho diferencial en relación a otras propuestas radiofónicas.

¿Una inspiración para los demás? Pues no sé. No tengo ni idea de hasta dónde puede llegar nuestro programa y si sirve a otros. Si es así y es en positivo, me alegra. Si conseguimos que la comunidad artística nos siga, estaremos satisfechos. Pero si un oyente perdido en el mundo se conmueve con lo que ponemos o de lo que hablamos, también. Pienso que la radio es efímera y por ese carácter tan específico se disuelve tras salir a las ondas. A mi es algo que me fascina. Ahora además queda en la red, por eso le buscamos un lenguaje que jugara con ambos mundos.

¿En qué otras iniciativas musicales y artísticas estás involucrada más allá del programa?

Bueno, la verdad es que el programa y otras colaboraciones dentro de la emisora (por ejemplo Resonancias, dentro del Extra de Radio3) u otros canales de la Corporación RTVE me mantienen bastante ocupada, pero siempre estoy dispuesta a participar en encuentros, simposios, mesas redondas y otras actividades que se relacionen con la creación actual para difundirla a través de mi experiencia, etc.

He colaborado con prácticamente todos los centros de arte del país, con colectivos, o festivales como Sónar, Croma, LEV, Keroxen, y recientemente en Pronostica. Por otro lado, mantengo un proyecto (que va creciendo muy poco a poco) que es BroadcastingArt, que se articula en varias fases: el concurso internacional de Arte Sonoro y los Talleres con los que generar un mapa sonoro que agrupa diferentes experiencias, con los que tenemos dos CD´s editados, gracias a la colaboración con la Fundación Ladines en Asturias y el Centro de Arte La Panera de Lleida.

Como oyentes, tu trabajo nos ha puesto en contacto con música, iniciativas y artistas que quizás no hubiéramos descubierto nunca por nosotros mismos. ¿Qué te aporta a ti, como creadora de esos contenidos, ser una fuente de conocimiento para tus oyentes?

Bueno, seguramente a mi me aporta igual o más que a los oyentes. Mi trabajo es el de transmisor de ese conocimiento, que por otra parte es quizás lo que más me apasiona de mi trabajo, la labor de investigación, de búsqueda. No me conformo con cualquier cosa y me gusta ahondar en lugares poco explorados (el antiguo Bloque del Este, tiene mucho que aportar) donde los creadores no han estado sometidos a la pesada losa del marketing, la moda o el mercado occidental. También me apasionan las mezclas, las relecturas de la tradición y la puesta al día de timbres y conceptos, que no están caducos.

­­Podemos pensar que una persona como tú, con unas inquietudes culturales tan intensas, explora y contacta constantemente con nuevos proyectos y artistas ¿Reconoces el material interesante nada más verlo? ¿Identificas inmediatamente qué esconden que lo hace especial y su valor para ser compartido?

Como he contestado antes, me gusta explorar y contactar con nuevos proyectos y artistas. Eso no quiere decir que a veces no se me escapen cosas, claro. El acceso a tanta información, en muchos casos, impide que puedas ver lo más cercano, pero siempre intento cribar y seleccionar aplicando mi propio criterio, reconociendo el material interesante, como bien dices, casi nada más verlo u oírlo. Supongo que los años escuchando e intentando reconocer lo que es verdaderamente interesante hace que se desarrolle un sexto sentido para poder identificar dónde hay algo novedoso, pero no hay que olvidar que es muy importante aplicar unos criterios de calidad mínimos y no hacer concesiones.

Compartir esa información es parte fundamental de mi forma de ser y mi trabajo. No entiendo la información como “propiedad”, por eso no entiendo las exclusivas. Puedo presentar algo que creo que sólo conozco yo, pero nunca lo mantendría oculto por razones de “exclusividad”. Más bien al contrario, a mi me queman los descubrimientos y enseguida los pongo (jajaja).

También pienso que mi labor en Radio 3 es buscar lo que aún no ha nacido y que es ahí donde debemos estar como medio público, explorando entre el magma inicial de muchos de nuestros creadores, vislumbrando un escenario antes de que éste se produzca.

Hasta hace poco tiempo, el adjetivo underground asignaba con claridad el riesgo, la transgresión y la profundización en nuevos lenguajes artísticos ¿Esto se sigue dando todavía? ¿Los circuitos comerciales viven de espaldas a esos valores o los han asimilado como parte de su catálogo?

Efectivamente, pero en otro momento, el termino Underground significó cutre, minoritario y carente de calidad e interés. También el término Vanguardia nos retrotrae a principios del siglo 20. Los adjetivos o formas de definir movimientos o grupos creativos a veces no abarcan con exactitud el significado exacto. Con el tiempo se transforman, o mejor dicho, se deforman y se ponen al servicio del establishment.

El mercado es capaz de asumir e incorporar todo lo que sea susceptible de ser vendido y ahí entran los movimientos artísticos, los cambios de comportamiento social, los grupos de música, etc. En algunos casos, esos valores han sido asimilados y se venden en los grandes almacenes como una marca o estética contemporánea (Es curioso ver a niños con camisetas de los Ramones, por ejemplo. Si sus padres tuvieran conocimiento de lo que representaron en los 70, seguro se escandalizarían, pero como lo vende H&M….) jajaja

La cultura oficial en España no pasa por su mejor momento ¿Existe un tejido creativo que funcione como alternativa a esto?

Hombre, yo pienso que sí. Que pese a las políticas culturales que se vienen desarrollando en nuestro país, desde la “decomocracia”, y teniendo en cuenta que ningún partido en el gobierno ha apostado por la cultura de base, creando infraestructuras y tejido. Pienso que los creadores han tenido que ir sorteando dificultades para unas veces salir a la superficie, gracias a la ayuda de alguna institución, y otras, seguir sobreviviendo en las catacumbas, cuando las instituciones deciden cerrar el grifo.

Es una lástima que se haya construido Museos y Centros de Arte en prácticamente todas las capitales de provincia y que los planes no hayan ido más allá de la mera construcción, o sea del ladrillo, que esos espacios no se hayan abierto junto a un plan económico y de viabilidad, con objetivos claros y transparentes y con planes a largo plazo, contando con la realidad de la zona, la base creativa del lugar y las sinergias entre instituciones.

Tu carrera está muy ligada a la música electrónica. Sin apuntar a la nostalgia ¿hay algún recuerdo que destacarías especialmente como un momento histórico en tu vida profesional?

Bueno, he tenido la oportunidad de ver a muchos artistas a los que admiro o he seguido de forma más o menos continuada. Tampoco soy “mitómana”, por lo tanto, juzgo a cada artista en su contexto y lugar. Pero sí me hizo mucha ilusión participar junto a Laurie Anderson en la performance que hizo en el MUSAC, con motivo del I Broadcasting Art, en el que actuó como artista invitada, haciendo una recreación de un programa de radio. Para mí fue un honor.

Antes de que se usaran las redes sociales como vínculo con las audiencias, tú ya llevabas tiempo desarrollando formatos interactivos en tu espacio, una manera diferente de escuchar un programa de radio, mostrándose sensible a la experiencia en la red a tiempo real ¿Es Internet el campo de experimentación perfecto?

Bueno, es una herramienta más. Sirve desde el momento que tiene una capacidad de penetración muy grande, pero también el esfuerzo tiene que ser arduo para que tu trabajo llegue a algún sitio. No es la panacea. Es muy útil para intercomunicar a gente que está en sensibilidades afines e inquietudes concretas.

En cuanto a la experimentación, encuentro artistas experimentales pero no formatos rompedores. Se siguen repitiendo los esquemas de revista, estación de radio, etc. Como he dicho al principio, a mí me sirve como instrumento que amplía la acción de un programa de radio. La radio sigue teniendo sentido en base a la especialización y el criterio que debemos utilizar los profesionales. Es ahí donde reside nuestro valor y donde se pone en alza. Lo demás, las radiofórmulas, las playlist de éxitos, etc, da lo mismo que estén en internet o donde sea, puesto que se dirigen a un público poco exigente.

El arte contemporáneo es caldo de cultivo para proyectos de toda índole, incluyendo a veces propuestas que parecen preocuparse fundamentalmente por mostrar originalidad a cualquier precio, anteponiendo impacto a trascendencia. Según tu criterio ¿todo vale?

No, no todo vale. Y eso se ve muy bien cuando algún artista, en su afán de protagonismo, presenta una obra que llama especialmente la atención a los medios de masas. Si detrás no hay nada, al final se suele caer por su propio peso, ya que esos mismos medios dejarán de apoyarle si no consigue que su propuesta siga manteniendo el mismo nivel o superior de impacto, gracias al escándalo o el absurdo. Es una pena, pero es así.

Finalmente ¿Qué opinas de la escena electrónica nacional?

Creo que la escena electrónica, por primera vez en la historia, nos ha pillado dentro; por lo tanto, hemos tenido acceso a la tecnología y el apoyo de medios igual que en otras partes del mundo. Aún se siguen notando carencias en la formación de nuestros músicos, pero en general nuestro nivel es bueno, mucho mejor que en el pop, donde estamos atascados desde hace décadas.

Tal vez falten más escaparates para ir creando una red más sólida, puesto que muchos trabajan de forma individual y es una lástima. He tenido oportunidad de juntar a creadores electrónicos con motivo de los talleres BrodcastingArt y ha sido muy satisfactorio ver que artistas cercanos físicamente no se conocían y que a partir de esos encuentros hayan surgido proyectos y sinergias conjuntas. Desafortunadamente la mayoría de festivales (especialmente los más importantes) no están al servicio de nuestros creadores, a los que en muchos casos la propia organización considera de segunda categoría.