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ERNESTO CASTRO. «EL TRAP. FILOSOFÍA MILLENNIAL PARA LA CRISIS EN ESPAÑA».
CultureCarta abierta a Ernesto Castro, autor de «El Trap. Filosofía millennial para la crisis en España» Ed. Errata Naturae.
Querido Ernesto,
Vaya por delante que no me gusta el trap. No me gustaba antes de que cayera en mis manos tu libro y sigue sin gustarme ahora, pese a mis ímprobos (o eso considero yo) esfuerzos por abrazarlo, los tímpanos al asunto en Spotify mientras avanzaba en la lectura. Pero el caso es que, nada más ver la portada y leer el título, me sentí en deuda. Con el trap. Y conmigo, venga, vale. La vida pasa, nos vamos haciendo viejos (decía Pablo Milanés, al que en mi adolescencia llamábamos cariñosamente Pablo Amuermamé) y de repente un buen día una se siente desahuciada. Exilada de la órbita de la vida. Sin saber de qué va el asunto. Así que igual, si entiendo qué es el trap, resucito. O recupero el buen color al menos.
Ya el prólogo me resultó supersexi, porque me llenó de confusión y, donde hay confusión, hay alegría: “La mayoría de los músicos españoles que parece hacer trap (¿C Tangana?, ¿Bad Gyal?, ¿Rosalía?, ¿Pimp Flaco?) en verdad no hace trap sino algo vagamente denominado ‘música urbana’”. Al pasar la página, el regocijo se me vino aún más arriba con lo que parecía ser una declaración de intenciones inversa: “Lamentablemente, a esto ha quedado reducida buena parte de la prensa musical de este país: a un ‘name dropping’ endogámico en el que es más importante conocer el nombre del hermano del primo del manager del grupo de moda que tener una tesis o hipótesis que defender acerca de la música de la que se habla”. Bien. Eso significa que tú no piensas hacer lo mismo. Nada de ‘name dropping’, nada de genealogías en plan ‘Mabinogion’ (ya sabes: “Kreiddylat, hija de Lludd Llaw Ereint, esposa de Gwythyr, hijo de Gridiawl…“).
Y es entonces cuando metes espuelas a tu tesis, la que alimenta las siguientes 400 páginas del libro editado por Errata Naturae: “El trap ha sido la banda sonora de la crisis en España (una crisis que ha sido principalmente económica, pero también social, cultural y generacional (…). El trap ha sido la TVE de los jóvenes empobrecidos y precarizados a finales de 2010”. Después de esto, ¿cómo no te voy a querer? No por la tesis en concreto, que a estas alturas del libro sólo te ha dado tiempo de enunciarla, sino porque me produce ternura que vayas a meter tus garritas filosóficas en un barro donde prácticamente nadie había visto antes más que… barro (aunque sea un barro estupendo, ¿eh? Esto es como cuando Rosalía se asombraba del ‘sobreanálisis’ que le hizo de ‘El mal querer’ el youtuber Jaime Altozano. El que observa suele ver mucho más en la creación que el propio creador). Y entonces llego a las líneas donde explicas que has reconstruido la trayectoria musical de C. Tangana “partiendo de un esquema teológico: el de la historia de las religiones” y ahí ya solo me queda una cosa por hacer:
Ernesto Castro, ¿te quieres casar conmigo?
¡Y solo vamos por la página 16.!
No me gusta el trap, como no me gusta la rumba ni el jazz, pero me encanta el libro que has escrito sobre el trap, vivificante como un peeling japonés. Por tu exuberante pluma y tu exhibicionismo erudito, tan dolorosamente escaso. Y también por lo en serio que pareces tomártelo todo, y las herramientas que me das para atender a algo más allá de cómo rime “tu coño es mi droga, tengo baking soda / Vamo’ a cocinar to’ eso mama, vamo’ a hacer dollar / Me tiene jukiao como pajarico / Me tiene engancha’o como paco pico…” (‘Tu Coño Es Mi Droga’, PXXR GVNG).
Desde lo escurridiza que al parecer resulta la descripción de los límites del estilo, hasta el concepto de dignidad en C. Tangana, el libro avanza por la senda trapera con ese estilo tan típicamente yanqui de hacer divulgación gozosa de hasta el tema más ladrillo: una tesis por aquí, una digresión culta por allá, una anécdota para rebajar la tensión, un diálogo, una nota al pie sesuda… sale Barthes y sale Broncano, vamos. A veces, eso sí, te pones un poco presumidín, como cuando escribes que en tus clases de Historia del Arte has acuñado el concepto de “ley de la obsolescencia artística” según la cual “los productos artesanales, tecnológicos o de entretenimiento se convierten en artísticos en el momento en que devienen obsoletos”. A estas alturas, lo que tú digas, Ernesto.
Toneladas de documentación salen por los poros del volumen, a veces, reconócelo, en plan gota fría, en una sucesión de eventos narrativos que te llevan de un lado a otro de la historia y el tiempo, de los géneros o de las disciplinas académicas. Como cuando estás hablando de Nathy Peluso y de repente aparece Britney Spears en boca de alguien y, aprovechando que el Pisuerga pasa por Valladolid, nos dices que “yo quisiera romper una lanza a favor de Britney Spears, ya que fue justamente lo prefabricada que estaba su imagen lo que volvió tan elocuente y revelador acerca del mundo en que vivimos el momento en que se derrumbó a base de raparse el pelo al cero, liarse a paraguazos con un periodista y provocar uno de los primeros memes de la web 2.0 (Leave Britney Alone)» . Postrap, vaporwave, flamencamp, retrofolk, fusiones, secesiones, apropiacionismos, pero también la Duquesa de Alba, el piernicidio de Jiménez Losantos, la memoria histórica, el feminismo, los arquetipos, la política y todos los nombres, claro, todos los actores importantes de esta historia, desde Cecilio G a Yung Beef, lo que dijeron en las entrevistas que dieron, las letras que escribieron y las broncas que los separaron.
Y llegas al final del libro y me sales con que “yo ya he reconocido que no me he drogado ni he follado escuchando trap. Un lector poco caritativo podría llegar a la conclusión de que escucho trap justamente porque ni me drogo ni follo y busco una compensación o una evasión de mi gris existencia. Yo, por supuesto, no comparto este tipo de teorías psicoanalíticas, porque, como se ha visto a lo largo de este outro soy más lacaniano que freudiano”. Te gustas. Está claro.
Pero a mí también. Así que no hay nada más que hablar.
Por Yiyi Jolie
@JolieYiyi
RICHIE HAWTIN “CLOSE COMBINED (Live, GLASGOW, LONDON, TOKYO)”
ReviewsSé testigo
El estatus de dios de la noche no es suficiente para Richie Hawtin. Podría limitarse a recorrer el mundo de cabina en cabina, ajeno al huso horario presente, en una noche eterna, poniendo a bailar a sus feligreses de todas las razas, de todo el planeta, haciéndolos sentir afortunados por agitarse tan felices, olvidados sus problemas, rendidos a sus pies. Podría conformarse con ser una estrella, recoger cheques y aplausos, subir y bajar del jet privado, y dejarse adorar tras un cordón de terciopelo rojo. Podría, pero eso no es suficiente para él.
Una persona que se construye sus propias máquinas no es fácil de contentar con propinas, su avidez creativa no se acomoda en una trayectoria artística convencional. Hawtin siempre está buscando nuevas fórmulas para mantener viva la tensión esencial que atrae a las personas a la pista de baile, para establecer un diálogo honesto entre público y escenario que no oculte nada. Él confía plenamente en la tecnología como respuesta a esa necesidad de aportar pruebas de un acto de fe.
Close Combined es un ambicioso proyecto audiovisual que profundiza en la interacción entre el artista y los espectadores, mostrando cómo performa todo en vivo, como un desarrollo no predeterminado. Según su deseo de “hacer más transparente el arte de pinchar”, las cámaras lo captan todo en una visión panóptica, para mostrarlo en un panel de control videovigilancia. La disciplina Boiler Room es llevada un poco más lejos, para ampliar la definición del DJing, observada desde todos los ángulos.
El primer show Close fue presentado en el Coachella de 2017. Desde entonces, ha estado rodando por el mundo. De toda la gira, Close Combined utiliza las grabaciones de las citas de Glasgow, Londres y Tokio, mezcladas en triple pantalla vertical. El resultado es un registro de las sesiones de techno trepidante en la que Hawtin no para quieto un segundo, interviniendo en el sonido constantemente, pulsando, girando o deslizando botones aquí y allá. Como espectador, tampoco podrás quedarte quieto un segundo, mientras imaginas estar presente, mezclado entre a gente, inmerso en una experiencia total.
El álbum ya está disponible en todas las plataformas digitales.
Puedes acceder aquí: https://ffm.to/closecombined.
PAUL RITCH «NUIT BLANCHE EP»
RecordsArtista: Paul Ritch
Título: Nuit Blanche EP
Label: Modularz
Formato: Vinilo y digital
Fecha de lanzamiento: 27 de septiembre 2019
Género: Techno
Tracklist
El sello Modularz vuelve con un lanzamiento estrella. Se trata del último trabajo del productor francés Paul Ritch. ‘Nuit Blanche EP’ cuenta con 5 tracks de buen techno que muestra ese sonido palpitante tan característico del sello y destinado directamente a los clubs, Bombos, líneas de bajo y baterías rítmicas a saco con sintetizadores y moduladores a prueba de bomba.
Paul Ritch se caracteriza por sus producciones techno que lo han proyectado para el reconocimiento mundial. En 2007, Paul Ritch asaltó la escena electrónica tanto en el escenario como como productor. Desde entonces, ha aparecido en lanzamientos para sellos como Drumcode, SCI + TEC, Saved, Cocoon, Soma, Bpitch Control, Quartz Rec, entre muchos otros, y ha hecho remixes a pistas clásicas como Shake Ur Tech-Ass, Ondu, Educación Positiva, Melones Tropicales, Remainings III, Magic K, The Test y I’m Burning Inside. Además, ha llegado a ser uno de los 100 mejores artistas registrados de Resident Advisor.
En 2008 lanzó Quartz Rec, plataforma concebida para mostrar sonidos techno de vanguardia y una amplia visión de la música electrónica. Con su primer lanzamiento, «Split EP Part 1» (Paul Ritch, 2008), el sello ocupó una posición en el top 2 en la lista Techno de Beatport y actualmente ya ha publicado pistas y remixes originales de Okain, Paco Osuna, Nic Fanciulli, Ambivalent, Thomas Muller, Barem, Carlo Lio, Dubfire, 2000 y One y Anton Pieete.
BJÖRK, FEVER RAY & THE KNIFE “COUNTRY CREATURES”
ReviewsIntercambio híbrido
Imagina por un momento que Björk y Fever Ray no se conocieran en persona -porque nadie las hubiera presentado todavía- y coincidiesen en una fiesta por casualidad. No hay forma de saber si se caerían bien, pero parece seguro que se interesarían la una por la otra de inmediato, vigilándose de reojo tras sus respectivas máscaras. Es posible que cruzaran alguna palabra, reconocieran la singularidad de su música, su mutuo respeto y acabaran intercambiando material.
¿Qué mejor manera de intimar para el músic que un trueque de pistas? Es precisamente eso lo que han hecho estas artistas extraordinarias. Björk elegido el tema “This Country” de Fever Ray para remezclarlo, quien se la ha devuelto por partida doble, creando dos versiones del tema “Features Creatures”, una como Fever Ray (Karin Dreije en solitario) y otra como The Knife (el dúo que forma junto a su hermano Olof).
Antes de esto, ambas han brindado su música a terceros en numerosas ocasiones. Ya en 1996, Björk demostró no tener reparos en prestar su obra publicando “Telegram”, un álbum de versiones ajenas a propósito de “Post”, su segundo disco de estudio. En cierto modo, esta concesión forma parte de la evolución natural de su música, entendida como una estructura viva de código abierto, libre de ser interpretada, entregada a los demás. Lo insólito de este proyecto cruzado no es que Karin o Björk cedan temas, sino que se pongan a remezclar ellas mismas.
Como criaturas mestizas que reúnen los rasgos de sendas madres, estas versiones son fascinantemente perversas. Es muy interesante apreciar la manera en que el toque personal de cada una incide en el trabajo de la otra. Las dos cantan, proyectando coros nuevos sobre las voces originales de los tracks intervenidos, matizados por una atmósfera perturbadora.
En la versión de Fever Ray, la delicada orquídea del “Features Creatures” de Björk se estira y se ensancha hasta la talla de un árbol frondoso, para alcanzar la extensión de una selva entera en la versión de The Knife. Ambos remixes, impetuosos y obsesivos, llevan el tema original -una canción romántica- a un territorio desconocido, de escala épica, con la contundencia de un himno.
Mientras, Björk se ensaña con “This country” en un ejercicio de brutalidad, desfigurando su base a martillazos y distorsiones, bajo los inquietantes falsetes de Karin, más grotescos y aterradores que nunca, convertidos en metralla. Björk sube el tono del tema original, agravado con una densidad insoportable, apretando todas las tuercas de esa máquina lacerante.
Además de un abrazo entre amigas, estos remixes son excepcionales y modélicos, como forma de intervención creativa en la música ajena para llevarla más lejos.
FRANCESCO DEVINCENTI ‘BRUTAL REALITY’
RecordsArtista: Francesco Devincenti
Título: Brutal Reality
Label: Pregnant Void
Fecha de lanzamiento: 30 septiembre 2019
Formato: 2×12″ Vinilo, digital.
Género: Ambient, Dub, Electrónica
Francesco Devincenti es un productor italiano, diseñador de sonido y performer afincando en Berlín. Comenzó su carrera actuando en clubs del norte de Italia y Slovenia, hasta establecerse en Berlín en 2010, donde creó su propio estudio en Neukölin. Cuando crea en solitario, firma su trabajo como ‘Francesco Devincenti’ y ‘Gasolio’; aunque también colabora en proyectos colectivos, como ‘MØRK’ -dúo formado junto a su amigo Emanuele Pertoldi- o como ‘TDV’, mano a mano con Lucretio.
Francesco es un amante de las máquinas y un purista del sonido, motivo que le ha llevado a diseñar y ensamblar partes del hardware que utiliza en busca de un sonido personal, para crear piezas de ambient, jungle beats, grooves distorsionados y toques de dub.
Pese a su obsesión por encontrar su propia voz musical, no tiene complejo a la hora de inspirarse en maestros de estudio como King Tubby, Adrian Sherwood y Mark Ernestus, aunque su música experimental parece evitar cualquier camino conocido, introduciéndonos en ambientes y ritmos impredecibles. En este LP además encontramos las colaboraciones de Hi.Mo, Simone Gatto y la vocalista Alice Lobo.
‘Brutal Reallity’ se nos presenta como muestra de 10 años de experiencias vitales y como herramienta para contarnos parte de su biografía. Francesco lo define así: «Con el álbum trato de explicar lo que tengo dentro de una manera que no podría hacer solo con simple comunicación verbal. Esos momentos de ‘realidad brutal’ cuando pierdes algo muy importante y no eres capaz de expresarlo por ti mismo». Ciertamente, cuando escuchas el disco puedes sentir la capacidad de su música para revelar estas emociones.
Preorder en Bandcamp.
ALVA NOTO Y JASS EN CICLO DNIT BARCELONA
ReviewsEl Ciclo DNIT de la Obra Social «la Caixa» presenta su programación para este otoño en CaixaForum Barcelona con Alva Noto y JASSS, donde ambos artistas presentarán en primicia sus nuevos directos audiovisuales.
JASS – Live A/V. 25 de octubre.
Venta de entradas haciendo clic aquí.
Silvia Jiménez a.k.a JASSS es uno de los nombres más excitantes que han aparecido en la escena electrónica en los últimos años. La artista sonora y DJ española lleva casi una década residiendo en Berlín. Allí era reconocida por sus enérgicos DJ sets en los que mezclaba principalmente electro, EBM y techno, pero su nombre comenzó a destacar a nivel internacional en 2017 tras publicar su álbum «Weightless» (Ideal).
JASSS se centra en la exploración de la música electrónica a través de grabaciones de campo, piezas electroacústicas y experimentaciones audiovisuales, que traslada de manera contundente a la pista de baile. Actualmente prepara nueva música que saldrá al mercado en los próximos meses y que se podrá escuchar en primicia en su concierto en CaixaForum Barcelona.
Theresa Baumgartner es una artista visual que reside en Berlin. Con su trabajo desdibuja los límites entre la performance audiovisual y la instalación artística, usando técnicas de grabación experimentales para sus visuales y un acercamiento al diseño de escenario que encuentra sus raíces en las bellas artes.
Ha actuado en Instituciones tan importantes como The Barbican Centre o MONA, así como en festivales de la talla de Unsound, CTM o Sydney Festival. En colaboración con el pionero artista visual Marcel Weber /MFO, ha desarrollado la escenografía visual para el Tour Black Origami de la artista JLIN y para el show de Kyle Dixon y Michael Stein, tocando la música de la serie de Netflix «Stranger Things».
ALVA NOTO y ANNE JAMES CHATON. 29 de noviembre.
Venta de entradas haciendo clic aquí.
Alva Noto es uno de los más importantes creadores de la escena experimental internacional, responsable de un sonido que ha influenciado a multitud de artistas a lo largo de los años. Es un maestro a la hora de reducir la electrónica a los detalles más minimalistas, creando un universo de sonido y arquitectura microscópicos. Su sello Raster Noton ha estado siempre en lo más alto de la innovación sonora y visual.
En DNIT presenta en primicia su nuevo espectáculo audiovisual llamado “ALPHABET”, en el que colabora con el poeta sonoro Anne – James Chaton. Alphabet está inspirada en las Etimologías de Isidoro de Sevilla y retoma las estrategias de representación inventadas por el hombre para contar el mundo que lo rodea en la era digital, de manera que invita al espectador a sumergirse en las múltiples relaciones que, a través del lenguaje y sus traducciones digitales, mantienen las palabras y las cosas.