Se acerca una avalancha de lanzamientos desde el nuevo sello de Emika. Una serie de 12 pulgadas orientada a la pista de baile, además de una colección de solos a piano denominada «klavirni», inspirada en el compositor checo Leoš Janáček, que saldrá a finales de enero de 2015. Sin olvidar su tercer disco de estudio y una sorpresa monumental: una sinfonía completa para orquesta.

Hemos tenido la suerte de entrevistarla, en adelanto a su regreso a la actualidad, que promete ser verdaderamente memorable.

TR –  Para crear música electrónica ¿la educación musical clásica es una ayuda o es una influencia de la que no se puede escapar? ¿Sientes que tu formación musical académica te condiciona o te hace más libre?

E – Creo que es muy chulo probar un montón de cosas, no limitarse a una sola herramienta. Me encanta trabajar con diferentes instrumentos, players, sintetizadores y software. Se convierten en un hervidero de posibilidades. Ya no me preocupo más por los géneros, se trata de focalizarse en esa pequeña chispa de la imaginación que tiene la habilidad de crecer si la sigues hasta la madriguera del conejo.

TR – Tu trabajo es melancólico, pero también vitalista. Nos gusta cómo conviven en él los matices más delicados con la intensidad más vigorosa ¿cómo logras controlar todo al mismo tiempo, lo grande y lo pequeño, lo íntimo y lo épico?

E – Cuando trabajo no me doy cuenta de lo que ocurre a mi alrededor ni porqué. Odio tener que parar para beber algo o ir al baño. Lo pospongo todo, incluso dormir, precisamente para estar en ese estado. Es como perderte y encontrar a otra persona en tu lugar. El proceso es mi adicción y, al final, hay música.

TR – La arquitectura de tus melodías es profunda y compleja. ¿El piano es tu apoyo para componer?

E – Si, el piano es como mi viejo amigo. Conozco cada paso y he encontrado la combinación de notas con las que sentirme bien. Cuando canto imagino que mi columna vertebral es un piano con las notas subiendo y bajando.

TR – Desde tu disco debut, tu voz ha evolucionado sorprendente, ha ganado registros y corporeidad ¿consideras tu voz un campo experimental al que seguir sacando partido?

E – Me gusta aislar mi voz. A veces no canto durante días y cuando lo hago, aparece algo nuevo que suena interesante y además, un poco raro. Me gusta grabar cosas raras e inusuales.

TR – ¿La escena electrónica en Berlín sigue siendo tan estimulante y receptiva para los artistas que se instalan allí? ¿Te sientes plenamente en casa?

E – Eso es algo francamente complicado de responder para mí. Considero que he perdido el camino de vuelta a casa y me gusta seguir hacia adelante.

TR – Estás trabajando en una sinfonía para orquesta ¿este proyecto resultó determinante para montar tu propio label y dejar atrás Ninja Tunes?

E – Estoy muy emocionada con el proyecto sinfónico. Michaela Srumova es una soprano increíble y el Czech Radio Studio ha sido recientemente remodelado. ¡No veo el momento de entrar a grabar!

Hypersunday están a punto de presentar su nuevo trabajo: Inferno. Que no os lleve a engaño este título maléfico, la electrónica de Héctor González y niet! es mucho más luminosa y desenfadada que la habitualmente producida en España. Con Comedia-Intro, su primer EP, presentaron un ambicioso proyecto de cuatro entregas, inspirado en La Divina Comedia de Dante. Nueve meses después ya tienen lista su continuación. Hemos tenido el gusto de entrevistar a nuestros cicerones particulares para un descenso a las tinieblas que se recorre bailando.

TR -Por separado, cada cual traía una larga trayectoria al proyecto común. ¿Cómo fue el momento de conoceros y daros cuenta de las cosas que podíais hacer juntos?
Héctor -Química total. Además de unirnos ciertos lazos familiares, creo que lo primero que nos une es el amor a la música.
niet! –A pesar del vínculo familiar nos caíamos bien ¿no? y un día, en un cumpleaños, Héctor me dijo “Podríamos hacer algo juntos”. A día de hoy sigo sin saber por qué dijo eso. Debió de ser porque yo no hacía más que hablarle de música electrónica. Mientras él no paraba de componer y producir, por aquel tiempo yo no paraba de bailar. Y pensamos que sus conocimientos musicales y mi conocimiento de las tendencias y los sonidos podían hacer un buen mix.
H -Efectivamente, nos caímos bien… Yo escuché hablar a niet! acerca de su interés en realizar un curso de producción de música electrónica y yo quería investigar precisamente en ese ámbito. Creo que de ahí vino la idea de proponerle comenzar a hacer música juntos.
TR -¿No andais liados con mil cosas a la vez? ¿Hypersunday supone una válvula de escape creativa?
n -Un alto porcentaje de las cosas a las que dedico mi tiempo tienen componente creativo. Hypersunday es un espacio de libertad.
H -Para mí es muy parecido. Es un espacio de juego y experimentación. Mi dinámica diaria tiene que ver con la creación musical, pero normalmente se trata de encargos muy específicos. Hypersunday es uno de mis principales proyectos creativos personales, así que es muy grato el tiempo que le dedico.
TR -En una primera impresión, vuestro trabajo es principalmente divertido. Malvado y canalla, también, pero nunca superficial ¿El objetivo es la trascendencia del entretenimiento?
n -Pues no me lo había planteado (Héctor: tenemos que hablar de esto). En realidad, creo que la música es lo que uno es. Si eres superficial, tu música será superficial. Ni Héctor ni yo nos conformamos con poco. Héctor mucho menos que yo incluso, tiene un nivel de autoexigencia altísimo. Yo creo firmemente que nuestros temas son como son porque son como nosotros somos, nos sale divertido porque somos divertidos. Y dramáticos. Y complejos. Y hasta retorcidos a veces.
H -Bueno… El objetivo es más bien poder cuadrar agenda para currar en el estudio. Cuando lo logramos surgen muchas ideas y, si no surgen, las acorralamos. Luego nos quedamos con lo que nos mueve (a todos los niveles). Es algo espontáneo.
TR -¿Qué influencias musicales reconocéis?
n -Qué ilusión, es la primera vez que me hacen esta pregunta en mi vida, así que llevo años pensando en la respuesta. Creo que quien contesta a algo así con uno, dos o tres nombres es un lelo. Mis influencias son toda la música que he escuchado a lo largo de mi vida, quiera o no quiera que esos sonidos afecten a mi música. En mi caso la electrónica ha sido central, pero dudo mucho que sea porque oyese hasta el aburrimiento a The Art Of Noise, Underworld, todo lo de Bedrock, sesiones de Dave Clarke o ahora a KFA Twigs, pueda considerarlos influencias. O sí. Yo no lo controlo.
H -A ver… Me gustan mucho los compositores del Impresionismo y de los nacionalismos musicales ruso, polaco y español. Luego, compositores de la música del siglo XX de todo tipo, desde Erik Satie y posteriores minimalistas como Steve Reich o Philip Glass, bandas de rock como King Crimson, Genesis, The Police, Queen, Radiohead, cantantes como Jeff Buckley, Björk, John Legend, músicos de jazz y flamenco muy variopintos, muchos compositores de bandas sonoras para cine…
Además, niet! ahora me está aficionando al mundo de la electrónica, ya que, hasta encontrarme con ella, lo desconocía casi por completo. Escucho todo lo que llega a mis manos. Creo que cualquier música que tenga la capacidad de emocionarme tiene algo que aportar a mi lenguaje compositivo. Cada época y género ha desarrollado ciertos aspectos del lenguaje musical y ciertos recursos expresivos. Pienso que todos esos recursos pueden tener cierta utilidad para mí en algún momento. En definitiva, más que elegir yo los discos que escucho, creo que son ellos quienes me eligen a mí.
TR -En el adelanto de vuestro próximo álbum os habéis puesto decididamente serios, con un sonido más oscuro y misterioso. ¿Es la evolución natural a medida que nos adentramos en la materia?
n –Te refieres a Maximum Entropy Threshold. Realmente es una excepción. Nosotros somos así. En vez de dar un adelanto del disco que transmita el espíritu general, damos uno que no tiene nada que ver con el resto de los temas. Simplemente porque nos gusta mucho. Y también, es cierto, porque en este disco, salvo alguna excepción, cada tema no tiene nada que ver con el anterior. Si los pones todos en una balanza, creo que luz y oscuridad están bastante equilibrados. En cualquier caso, el disco se desarrolla en el Infierno. Teníamos que ponernos un poco serios.
H -Eso, eso, esperad a oír los otros temas… y lo volvemos a comentar.
TR -“La Divina Comedia” es una referencia cultural inagotable, como un recurso monumental que ha inspirado al mundo entero, lleno de imágenes y conceptos ¿cómo lo adaptáis a la música?
H -Hemos ido tomando ciertas decisiones que conectan aspectos de la composición con el texto de Dante. Por ejemplo, hicimos un planning de tonalidades para los temas donde las armonías fundamentales dibujan un camino de “descenso”. La elección de ciertos sonidos que luego utilizamos en las composiciones tienen su origen en descripciones de los círculos del Infierno. Los tempi (BPM) de los temas se aceleran a medida que nos acercamos al Cocito (donde habita el Anticristo)… En fin, hay un montón de referencias más o menos explícitas, que utilizamos como eje de coherencia interna. Pero, una vez establecido el campo de juego, hacemos bastante lo que nos da la gana…
n -Básicamente lo hemos usado de hilo conductor, inspiración temática y cromática, pero sin atarnos demasiado. Un ejemplo: Maximum Entropy Treshold. Nos tocaba hablar de la pereza y la ira. Nos imaginamos a una persona que está en un estado de absoluto abandono, más muerta que viva y sus sensaciones de profundo placer en esa absorbente oscuridad. Hasta que de repente se oye una voz que le grita: “Levántate, tú que duermes, y vuelve de entre los muertos”, que es una cita bíblica. Yo siempre he imaginado que era una madre despertando a su hijo a grito limpio. Pero cada uno puede pensar lo que quiera.
TR -Hay artistas embelesados con la iconografía dantesca, con la reivindicación del pecado y lo prohibido, o simplemente les gusta esa estructuración del mundo de las pasiones ¿A vosotros qué os atrae más?
n -Por mi parte, reconozco que lo que más me atrae es el viaje. La idea de trabajar con un mapa y de afrontar las distintas etapas del viaje. El plan completo incluye el Purgatorio y el Paraíso y, por supuesto, cada uno tendrá su propio lenguaje.
A mí, no lo voy a negar, lo oscuro me gusta (ahí está todo lo que hago en solitario como niet! para demostrarlo) pero nosotros no hemos ido a reivindicar lo “pecaminoso”. En casos como Little Thing, que trata de la lujuria, es obvio que no lo consideramos un pecado (ni siquiera Dante lo consideraba). En casos como Prodigality, personalmente creo que, si verdaderamente existiese el Infierno, mandaría a él sin dudarlo a los avariciosos y los despilfarradores.
H -Para mí ha sido una herramienta para conocer mejor lo absurdos que son conceptos como el miedo y la culpa.
TR -¿Con qué actitud se invita a alguien al Infierno?
n -Yo creo que en cierto sentido es un circo, o más bien un zoológico de las pasiones. Así que con la actitud de “Pasen y vean” y, después de bailar, saquen sus propias conclusiones.
H -Qué bien lo has descrito, Mari.
TR -Héctor, tú que estás curtido en componer bandas sonoras y musicalizar proyectos de artes escénicas, ¿es muy diferente trabajar en Hypersunday que estar supeditado a una iniciativa ajena?
H -Normalmente trabajo por encargo y es muy, muy interesante ponerse en la piel del otro (o los otros) e intentar acertar al máximo para cubrir las expectativas o necesidades de un proyecto concreto… a la vez que desarrollar un lenguaje propio y coherente con uno mismo. Hypersunday para mí ha sido un ejercicio de mayor introspección y libertad. niet! y yo nos complementamos muy bien y nos servimos de mutuo espejo… Y esto ha facilitado mucho la búsqueda del propio impulso.
TR -Tenéis muchísima experiencia y oficio que os respaldan, pero os comportáis con la frescura de unos principiantes ¿Cómo se consigue esto?
n -Por mi parte, siendo una principiante. Hacía años que no me dedicaba a la música. Y no hay nada en la vida que me apasione más. Y encima trabajo con Héctor González. Creo que la frescura la transmite el hecho de que no llevamos corsé. No hacemos deep house, ni tech house, ni electropop, ni… Hacemos lo que nos pide el espíritu en cada momento. Y claro, nos lo creemos.
H -Para mí, este proyecto es algo completamente nuevo y es niet! la que me sirve de guía. Puede que la cosa esté en que ambos nos consideramos aprendices y consideramos al otro un maestro.
TR -Os tomáis muy en serio la puesta en escena de vuestros directos. ¿Pensáis que la música se enriquece en vivo, al transformarse en espectáculo, o se convierte en otra cosa completamente nueva?
n -Se enriquece a veces, otras se empobrece de mala manera. No es lo mismo estar en una sala con un sonido horrible y 100 personas que te hacen caso o no, o tener delante a miles de fans pendientes de ti. No es lo mismo un sonido bueno y un sonido espantoso. Mi postura es que hay que garantizar la calidad. Otros pondrán por delante la espontaneidad. Todo es lícito.
H -Yo creo que hay que integrar todas las disciplinas que se utilizan en un espectáculo (música, iluminación, audiovisuales, coreografía, escenografía, vestuario, etc.) como si fuesen instrumentos de una partitura bien orquestada.
TR -¿Qué proyectos tenéis en el horizonte?
n –Ahora mismo, acabar el disco y promocionarlo. Siendo independiente, la promoción se convierte en una epopeya. Estamos a punto de grabar un vídeo de Doorstep y vendrán más a continuación. Nos gustaría componer, producir y remezclar para otros, creemos que tenemos mucho que aportar, así que la prioridad es hacer que Inferno, nuestro nuevo disco, llegue lo más lejos posible. Después: al Purgatorio de cabeza.
H -¡Y agradeceros mucho esta entrevista y el interés en nuestro trabajo!

Hace un par de años descubrimos a XTRNGR gracias a su disco «Together». Desde entonces ha estado muy ocupado, le han ido muy bien las cosas y además ha creado nuevo material para Discontinu Records. Aprovechando el lanzamiento de «Climbing», su nuevo disco, hemos charlado con él.

Cada nueva obra tiene unas connotaciones especiales para el músico que la crea.
¿Qué esperas que descubra el público al escuchar “Climbing”?

En este nuevo disco he intentado crear una historia completa desde que empieza el disco hasta que termina. El disco va enlazando diferentes sentimientos desde la melancolía hasta la euforia tratando de jugar con diferentes estilos de electrónica. Me gustaría que cada uno experimentara un pequeño viaje hacia donde mas desee.

¿Cuáles son las influencias más destacadas que han intervenido en este trabajo? ¿y tus artistas favoritos?

Mis influencias en este disco son muy amplias, pueden ir desde el ambient hasta el IDM mas oscuro. No me he centrado en crear un disco de un estilo determinado, me gusta experimentar con varios estilos, que cada canción tenga su propio sonido.
Hay muchos favoritos, pero hay artistas que me han influenciado mucho en la forma de entender la electrónica como Dntel o Apparat. De lo nuevo destacaría Clark y Jon Hopkins.

Tu sonido es sensible y afectivo, algo difícil de encontrar en el universo helado de la electrónica, habitualmente más técnico que emocional ¿Te consideras un purista del género?

Un purista no, ya que intento siempre experimentar mucho a la hora de crear sonidos nuevos, me gusta la música que realmente transmite algo, en la electrónica en general se intenta jugar mas con patrones rítmicos y yo intento crear atmósferas y melodías dejando el ritmo en un segundo plano o creando ritmos diferentes.

¿Con qué artistas te gustaría colaborar?

Me gustan todo tipo de colaboraciones. La última ha sido trabajar en un tema para un corto nominado a los Oscars y ha sido una gran experiencia. También me gusta trabajar en remezclas de grupos de pop e intentar darles un toque electrónico sin perder la esencia de grupo.

En cuanto a reconocimiento, 2012 fue un buen año para ti. ¿Qué supuso en ese momento actuar en un festival como Sónar?

Mi anterior trabajo en Discontinu Records, “Together”, funcionó realmente muy bien, fue algo inesperado. En 2012 toqué en Sónar en la carpa de Radio3 y a partir de ese momento empezaron a salir más conciertos. En 2013 actué en Sonar De Día en el escenario grande y fue realmente increíble. Poder tocar en festivales grandes como Sónar o Mira, donde todo suena realmente bien, me encanta.

¿Prefieres pista de baile o sofá con auriculares?

Sofá con auriculares, aunque últimamente también me gustan cosas de pista de baile.

Barcelona es caldo de cultivo para infinidad de proyectos e iniciativas musicales. ¿Crees que hay una verdadera marca “Electrónica de Barcelona”?

Más que una marca “Electrónica Barcelona”, creo que es donde hay mas gente y mas movimiento, pero hay artistas de toda España realmente muy buenos. Hay mucha variedad de estilos y por eso creo que no se pueden enmarcar a todos dentro de un mismo saco, pero es un momento realmente bueno y cada día aparecen artistas nuevos con cosas realmente interesantes.

A veces, el estatus de artista electrónico parece mirar por encima del hombro a todo lo demás ¿Hay algo de cierto en esto?

En mi caso no, me gusta todo tipo de música e intento aprender de todos los estilos.

¿Cuáles son tus próximos planes y proyectos?

Mis próximos planes son el lanzamiento estos próximos días de “Climbing” y empezar una pequeña gira. Para los directos hemos preparado un espectáculo visual con Dslnc que juntan a la perfección sus imágenes con mis temas en directo. Tengo también algún remix por publicar y estoy trabajando en otros que se publicarán durante este año.

¿Qué opinas de la escena electrónica nacional?

La electrónica nacional sin duda vive un gran momento, hay mucha gente creando cosas realmente buenas y muy variadas, la prensa se empieza a volcar mas y cada vez salen mas festivales. Realmente no hay diferencia entre producciones internacionales y nacionales
como pasaba tiempo atrás. Cada vez mas artistas son reconocidos internacionalmente y eso es realmente
bueno.

Bruno Garca es un profesional inquieto, hiperactivo y estrechamente ligado a la escena electrónica internacional. A punto de lanzar Sheroine, su nuevo disco como Brunetto, aprovechamos para hablar con él y que nos ponga al día.

Sheroine es tu regreso después de un 6 años sin publicar un LP completo ¿a qué se debe este largo silencio?

Lo primero, con vuestro permiso, me gustaría darle un cosqui a Cronos pues los años me pasan volaos. Uno ni se percata casi. La razón de mi “silencio” es muy sencilla: desde que aterricé en Barcelona, dejando atrás mi sótano-estudio de Sevilla y el pinchar por las noches, me he dedicado en cuerpo y alma a trabajar para otros músicos, sellos, distribuidoras o agencias de música. Cito por ejemplo a Decoder Muzique, Phonomonkey, Hyperdub, Kompakt… o cómo no, Miracle e Irregular, donde continúo dando el callo a día de hoy.

Como Freelastica también he reinventado mi modus operandi. Ahora es la niña de mis ojos, una agencia de prensa que, en la medida de lo posible, filtrará lo mejor para todos vosotros, los medios. En definitiva, cambié la noche por el día. Las madrugadas encerrado con los cacharros o soltando discos, por las 8-12 horas de oficina pura y dura. Aún así, para no perder el tacto, he sacado algún que otro tema suelto, remixes y producciones para eventos o TV.

¿Con qué medios y artistas has estado trabajando estos años?

Seguro que me dejo alguno en el tintero, pero así a bote pronto me vienen a la cabeza (artistas) Trentemøller, Modeselektor, Telefon Tel Aviv, The Field, The Toxic Avenger, Burial, Ellen Allien, Supermayer, Morgan Visconti, Loo & Placido, The Suicide of Western Culture, Boreals, Lasers, Fernando Lagreca, Deepchord/Echospace, Pulshar, Pablo Bolívar, Ojete Calor, Des Ames Libres, Cyberpunkers, Rusty Warriors, Coyu, Edu Imbernón, etc.

(Medios) Actualmente trabajo para Clubbingspain (¡7 añazos ya!), Denso Mag y MedMad (MedWinds). Colaboraciones puntuales en CLONE y GO!. Anteriormente estuve en Spinner/AOL, La Milk, GAZ, etc.

Irregular es un sello que cada vez pisa más fuerte. ¿Qué destacarías de su trayectoria?

Curiosamente, mi primera toma de contacto con Irregular fue editando el EP “Mag is in the Air” en 2008. No fue hasta que me mudé a Barna cuando directamente entré a formar parte activa del sello. En Marzo de este mismo año hará ya 4 años de eso. La trayectoria la voy a denominar de “insaciable”. Mira que no se trata de un sello que edita discos como churros, o fiche a todas las bandas que se le presentan. El caso es que mejor poco y de calidad, que mucho y reguleras. Es una suerte ver cómo nacen y crecen proyectos como los de The Suicide of Western Cutlure, Lasers o Boreals.

No pienso olvidarme de los talentosos Older y The City’s Last Noise, cada uno en su terreno. Menos aún de Fernando Lagreca, quien es un veterano que se adapta muy bien a los tiempos sin perderle la cara a su integridad. Son tiempos difíciles, eso ya estamos hasta el potorro de escucharlo, pero es precisamente en estos tiempos cuando la fuerza interior, el espabilarse aunque sea chupando la raspa de un arenque y la creatividad salen más a la luz. Cuando la patata late, eso es lo que hay.

Tu nuevo trabajo tiene un curioso título que se presta a muchas interpretaciones ¿qué tienes que contarnos al respecto?

Siempre he sido de esos que piensa en jugar con las palabras, inventar alguna nueva uniendo otras dos y que encima sea por un motivo de verdad, no para hacer un chiste fácil, por ejemplo. Es el caso de “Sheroine”. Tras una semana dándole vueltas y teniendo muy claro que el título estaría dedicado a las súper-chicas de los comics fluyó este: She+heroine. La segunda palabra, además, me encanta por su doble mordiente.

Además de ser ese personaje con poderes, extra-fuerza o lo que sea, es ese opiáceo que te deja grogui. Considero que en mi música hay muchos elementos narcóticos. Colchones, soniquetes, voces, etc… La portada del disco ha cumplido con creces esa misma idea. La “heroína” tiene una mirada algo inerte, los ojos y el rostro bañados en rojo sangre, cosmos y atmósfera humeante alrededor, y esa mano, esa mano difuminada pero en extraño movimiento…

¿Qué sonidos te han influenciado más a lo largo de los años? ¿Están presentes en tu nuevo disco?

Te caerías de espaldas si te dijese toda la música que escucho. Llevo con la oreja pegada a un cassette, tocadiscos o lo que sea desde 1988. Sin duda alguna, los sonidos que más me han marcado desde siempre han sido el parido en Bristol, Manchester, Oslo, Nueva York y Berlín. Me excita la mescolanza entre broken beats, guitarras, electrónica atmosférica o nostálgica como la escandinava, rap underground y voces que más que cantar, sugieren.

La década de los 90 es un hogar para mí. Cuerpo y alma los tengo aún por allá. En este nuevo disco la palparéis. En esta ocasión también me he dejado llevar por algo de post-step y techno. En cuanto a formaciones, me pirran Boards of Canada, God Lives Underwater, UNKLE, Orbital, Mondkopf, Death in Vegas, Death Grips, Antipop Consortium, The Knife, Shadow, Krush o Apparat.

En la electrónica viene siendo cada vez más habitual contar con voces invitadas en algunas canciones. En Sheroine también has contado con este tipo de colaboraciones. ¿Consideras esto como una apertura al pop?

Curiosamente en estos últimos 5 años he estado más en contacto con el pop de lo que estuve en el resto de mi vida. Siempre ligado a electrónica, rock y hip hop. He encontrado en él una sensibilidad muy especial y que personalmente creo que casa muy bien con todos los elementos con los que me gusta trastear.

También os digo que ya en mi primer álbum Déjalo Así Bru (Satélite K, 2005) conté con las voces de Uno y la mexicana Valentina González. Años después, en B+ también me dio por contar con colaboraciones vocales. Me apetecía tanto como ahora. En ese “B+” ya podía olerse algo de pop en Pravda (con Zhanna), Stayin’ Away (con ACCD)  o A World in Pieces (de nuevo con Uno). En esta ocasión, ese soplo sugerente -que no pasteloso- lo podéis intuir en Evergreen (con I AM DIVE), Kidult (con Fede Weiss) o Cinnamon, con la actriz Verónica Mey. Más oscuro y casi-gótico, Kuklinski, con ACCD. Ya no te cuento de los raperos americanos Young Quincy y New5ense. ¡Poca broma con ellos! Jajaja.

Algunos de los tracks instrumentales tienen un cierto poso cinematográfico. ¿Qué relación hay entre el cine y tu música?

Soy muy cinéfilo, aunque esto no quiere decir que me vea todas las pelis indies o que reciben premios. Soy un tanto “macarra” en este sentido. Me fascinan los thrillers de ciencia ficción o cualquier peli con zombies o infectados. Ciertamente, la música dentro del mundo del cine (cada vez más las series y los vídeo-juegos) es algo que me apasiona. Recuerdo haberle regalado a mi padre unas cuantas cintas con bandas sonoras tipo Carros de Fuego, Battlestar Galactica, Magnetics Fields, The Exorcist… o con grandes músicos como Badalamenti, Giorgio Moroder, Vangelis o Morricone.

En serio, todo esto me flipa tanto que está claro que algún goterón habrá caído sobre lo que produzco. He musicado ya algún que otro documental (La Casa de las Sirenas, El Fantasma de los deseos…), libros interactivos o spots de TV, pero aún tengo la espinita clavada de meter o hacer algo para el cine. Si Darren Aronofsky, Danny Boyle, Amenábar o Kike Maíllo nos están leyendo, por favor, ¡que llamen al 999999999019 inmediatamente!

Nos ha sorprendido que le dediques un tema a un asesino de la mafia neoyorquina. ¿Los bajos fondos son una pasión oculta de Brunetto?

Antes de responder esta pregunta he de decir que nadie murió ni fue torturado durante la grabación de Kuklinski. Richard Kuklinski es un personaje que me fascinó siempre, desde que conocí sobre él en un documental de la HBO. Un tipo hecho y derecho que tenía como vocación asesinar a sueldo. Pero al mismo tiempo, un padre de familia ejemplar. Amor y respeto total. Puro contraste ¿No? Moralina y violencia. Mi tema se iba a llamar concretamente The Iceman, que era el apodo que tenía, pero finalmente me decidí directamente por su apellido, más sonoro si cabe. Creo que la canción ha quedado muy completa, tiene ese punto de cagalostris, tensión, pero también de amor y confianza.

Al margen de las voces invitadas ¿qué otros artistas colaboran contigo habitualmente?

Tengo la cabeza más dura que la del Toro de Wall Street. Normalmente me gusta trabajar solo. Mira, ahí me parezco mucho al Kuklinski de niño, y no tan niño (jajaja). En todo caso, al igual que con las voces, he pedido en alguna ocasión que me grabasen un par de pistas de guitarra amigos a los que quiero mucho, como Evolve o Miguelo. También músicos consagrados, como Rubén, de Rare Folk, o el saxofonista Rubén Morán. Todo esto pasó especialmente en el primer y tercer disco. También para gozar con ellos mientras hacíamos directos.

En Sheroine, todo lo musical e instrumental ha sido a lo Juan Palomo, yo me lo guiso… Artistas a los que admiro y tengo cerca habitualmente, personas de las que jamás me cansaré de oír lo que tengan que decir, por ejemplo Pablo Bolívar (quien ha masterizado Sheroine), Xarlene (artista visual) y Fernando Lagreca. Ahora estoy embarcado en algo que me tiene súper palote cara al 2014. He empezado a trabajar con la compañía de baile Iron Skulls (contemporáneo y breakdance). Me encanta intercambiar pareceres con ellos y ojo, que menudos artistazos que son.

Has trabajado con grandes nombres de la escena internacional como Burial, Modeselektor, Trentemøller y Ellen Allien. ¿Qué experiencias y aprendizaje puedes contarnos de haber colaborado con ellos?

Precisamente, he aprendido más de la artista que menos me gusta su música, la alemana Ellen Allien. Me parece una mujer de armas tomar, muy decidida, una todoterreno. (Entre semana) Piensa con la cabeza, el corazón y el bolsillo. Ella ha sabido como explotar una marca como BPitch Control con el sudor de su coñ*** Muy admirable también el trabajo de Anders, Modeselektor/Moderat y todos los que tienen a su lado. Profesionales como la copa de un pino.

Todos estos me han enseñado a no vender humo, a canalizar ilusión con realidad, a que si te comprometes con algo debes procurar siempre dar lo mejor de ti y ¡ostras! también he aprendido a dominar mejor el inglés. Burial va a su bola. Siempre lo fue y así seguirá, aunque de repente nos regale un selfie. Jejeje  Me tocó trabajarle ese fantástico y mágico Untrue. Este chavalote me demostró cómo haciendo lo que a uno le sale de las pelotas sin calcar nada ni a nadie puedes ser la comidilla de medio mundo.

¿Qué opinas de la escena electrónica nacional?

Pues que cada vez me rindo más a sus pies. No hay más que mirar a nuestro alrededor, mucho talento suelto que por fin ha decidido sacudirse los complejos de inferioridad -con respecto a la escena internacional- para por fin dar rienda suelta al talento personal. Además de, por supuesto, todos los “Irregulares” mencionaría a Fàbel, bRUNA, Uner, Dr Res, Nev.era, Uxuka, Pulshar, Talabot, XTRNGR, Cauto, Árbol, I AM DIVE, D-Fried, BeGun, Monki Valley, HD Substance, Brünch, Pional, etc.

Puedes conectar con Brunetto en IrregularFacebook, Twitter y Soundcloud

Con su extensa trayectoria profesional, Rosa Pérez es toda una institución cultural en nuestro país. Su labor de investigación y difusión es una fuente inagotable de referencias interesantes, que van más allá de su programa “Fluido Rosa” en Radio3. Tenemos el honor de entrevistarla y compartir sus impresiones sobre los temas que ocupan una de las mentes más lúcidas e inquietas de la radio en España.

Actualmente es muy común llamar “magazine sonoro” a un programa de radio, sin embargo, tú ya llevas haciendo esto muchos años con Fluido Rosa. ¿Lo consideras un programa de radio pionero en formato y contenido? ¿Y una inspiración para los demás?

Bueno, pionero, en el sentido de darle una dimensión visual utilizando internet, sí. Desde un principio vi claro que esa herramienta podía ser muy útil, pero sin olvidar que lo que hacemos es un programa de radio. Quiero recalcar eso, ya que en estos momentos se empieza a difuminar cuál es nuestro cometido, ya que se da más importancia a “retuitear” y hasta donde llega ese retuit (¿una nueva forma de EGM?), a contabilizar supuestos seguidores a través del “me gusta” de Facebook, etc. y se valoran menos los contenidos, la investigación, la elaboración, en definitiva, la línea editorial. Algo que en Fluido Rosa hemos marcado muy insistentemente, no solamente para definirnos como programa, sino para mantener un hecho diferencial en relación a otras propuestas radiofónicas.

¿Una inspiración para los demás? Pues no sé. No tengo ni idea de hasta dónde puede llegar nuestro programa y si sirve a otros. Si es así y es en positivo, me alegra. Si conseguimos que la comunidad artística nos siga, estaremos satisfechos. Pero si un oyente perdido en el mundo se conmueve con lo que ponemos o de lo que hablamos, también. Pienso que la radio es efímera y por ese carácter tan específico se disuelve tras salir a las ondas. A mi es algo que me fascina. Ahora además queda en la red, por eso le buscamos un lenguaje que jugara con ambos mundos.

¿En qué otras iniciativas musicales y artísticas estás involucrada más allá del programa?

Bueno, la verdad es que el programa y otras colaboraciones dentro de la emisora (por ejemplo Resonancias, dentro del Extra de Radio3) u otros canales de la Corporación RTVE me mantienen bastante ocupada, pero siempre estoy dispuesta a participar en encuentros, simposios, mesas redondas y otras actividades que se relacionen con la creación actual para difundirla a través de mi experiencia, etc.

He colaborado con prácticamente todos los centros de arte del país, con colectivos, o festivales como Sónar, Croma, LEV, Keroxen, y recientemente en Pronostica. Por otro lado, mantengo un proyecto (que va creciendo muy poco a poco) que es BroadcastingArt, que se articula en varias fases: el concurso internacional de Arte Sonoro y los Talleres con los que generar un mapa sonoro que agrupa diferentes experiencias, con los que tenemos dos CD´s editados, gracias a la colaboración con la Fundación Ladines en Asturias y el Centro de Arte La Panera de Lleida.

Como oyentes, tu trabajo nos ha puesto en contacto con música, iniciativas y artistas que quizás no hubiéramos descubierto nunca por nosotros mismos. ¿Qué te aporta a ti, como creadora de esos contenidos, ser una fuente de conocimiento para tus oyentes?

Bueno, seguramente a mi me aporta igual o más que a los oyentes. Mi trabajo es el de transmisor de ese conocimiento, que por otra parte es quizás lo que más me apasiona de mi trabajo, la labor de investigación, de búsqueda. No me conformo con cualquier cosa y me gusta ahondar en lugares poco explorados (el antiguo Bloque del Este, tiene mucho que aportar) donde los creadores no han estado sometidos a la pesada losa del marketing, la moda o el mercado occidental. También me apasionan las mezclas, las relecturas de la tradición y la puesta al día de timbres y conceptos, que no están caducos.

­­Podemos pensar que una persona como tú, con unas inquietudes culturales tan intensas, explora y contacta constantemente con nuevos proyectos y artistas ¿Reconoces el material interesante nada más verlo? ¿Identificas inmediatamente qué esconden que lo hace especial y su valor para ser compartido?

Como he contestado antes, me gusta explorar y contactar con nuevos proyectos y artistas. Eso no quiere decir que a veces no se me escapen cosas, claro. El acceso a tanta información, en muchos casos, impide que puedas ver lo más cercano, pero siempre intento cribar y seleccionar aplicando mi propio criterio, reconociendo el material interesante, como bien dices, casi nada más verlo u oírlo. Supongo que los años escuchando e intentando reconocer lo que es verdaderamente interesante hace que se desarrolle un sexto sentido para poder identificar dónde hay algo novedoso, pero no hay que olvidar que es muy importante aplicar unos criterios de calidad mínimos y no hacer concesiones.

Compartir esa información es parte fundamental de mi forma de ser y mi trabajo. No entiendo la información como “propiedad”, por eso no entiendo las exclusivas. Puedo presentar algo que creo que sólo conozco yo, pero nunca lo mantendría oculto por razones de “exclusividad”. Más bien al contrario, a mi me queman los descubrimientos y enseguida los pongo (jajaja).

También pienso que mi labor en Radio 3 es buscar lo que aún no ha nacido y que es ahí donde debemos estar como medio público, explorando entre el magma inicial de muchos de nuestros creadores, vislumbrando un escenario antes de que éste se produzca.

Hasta hace poco tiempo, el adjetivo underground asignaba con claridad el riesgo, la transgresión y la profundización en nuevos lenguajes artísticos ¿Esto se sigue dando todavía? ¿Los circuitos comerciales viven de espaldas a esos valores o los han asimilado como parte de su catálogo?

Efectivamente, pero en otro momento, el termino Underground significó cutre, minoritario y carente de calidad e interés. También el término Vanguardia nos retrotrae a principios del siglo 20. Los adjetivos o formas de definir movimientos o grupos creativos a veces no abarcan con exactitud el significado exacto. Con el tiempo se transforman, o mejor dicho, se deforman y se ponen al servicio del establishment.

El mercado es capaz de asumir e incorporar todo lo que sea susceptible de ser vendido y ahí entran los movimientos artísticos, los cambios de comportamiento social, los grupos de música, etc. En algunos casos, esos valores han sido asimilados y se venden en los grandes almacenes como una marca o estética contemporánea (Es curioso ver a niños con camisetas de los Ramones, por ejemplo. Si sus padres tuvieran conocimiento de lo que representaron en los 70, seguro se escandalizarían, pero como lo vende H&M….) jajaja

La cultura oficial en España no pasa por su mejor momento ¿Existe un tejido creativo que funcione como alternativa a esto?

Hombre, yo pienso que sí. Que pese a las políticas culturales que se vienen desarrollando en nuestro país, desde la “decomocracia”, y teniendo en cuenta que ningún partido en el gobierno ha apostado por la cultura de base, creando infraestructuras y tejido. Pienso que los creadores han tenido que ir sorteando dificultades para unas veces salir a la superficie, gracias a la ayuda de alguna institución, y otras, seguir sobreviviendo en las catacumbas, cuando las instituciones deciden cerrar el grifo.

Es una lástima que se haya construido Museos y Centros de Arte en prácticamente todas las capitales de provincia y que los planes no hayan ido más allá de la mera construcción, o sea del ladrillo, que esos espacios no se hayan abierto junto a un plan económico y de viabilidad, con objetivos claros y transparentes y con planes a largo plazo, contando con la realidad de la zona, la base creativa del lugar y las sinergias entre instituciones.

Tu carrera está muy ligada a la música electrónica. Sin apuntar a la nostalgia ¿hay algún recuerdo que destacarías especialmente como un momento histórico en tu vida profesional?

Bueno, he tenido la oportunidad de ver a muchos artistas a los que admiro o he seguido de forma más o menos continuada. Tampoco soy “mitómana”, por lo tanto, juzgo a cada artista en su contexto y lugar. Pero sí me hizo mucha ilusión participar junto a Laurie Anderson en la performance que hizo en el MUSAC, con motivo del I Broadcasting Art, en el que actuó como artista invitada, haciendo una recreación de un programa de radio. Para mí fue un honor.

Antes de que se usaran las redes sociales como vínculo con las audiencias, tú ya llevabas tiempo desarrollando formatos interactivos en tu espacio, una manera diferente de escuchar un programa de radio, mostrándose sensible a la experiencia en la red a tiempo real ¿Es Internet el campo de experimentación perfecto?

Bueno, es una herramienta más. Sirve desde el momento que tiene una capacidad de penetración muy grande, pero también el esfuerzo tiene que ser arduo para que tu trabajo llegue a algún sitio. No es la panacea. Es muy útil para intercomunicar a gente que está en sensibilidades afines e inquietudes concretas.

En cuanto a la experimentación, encuentro artistas experimentales pero no formatos rompedores. Se siguen repitiendo los esquemas de revista, estación de radio, etc. Como he dicho al principio, a mí me sirve como instrumento que amplía la acción de un programa de radio. La radio sigue teniendo sentido en base a la especialización y el criterio que debemos utilizar los profesionales. Es ahí donde reside nuestro valor y donde se pone en alza. Lo demás, las radiofórmulas, las playlist de éxitos, etc, da lo mismo que estén en internet o donde sea, puesto que se dirigen a un público poco exigente.

El arte contemporáneo es caldo de cultivo para proyectos de toda índole, incluyendo a veces propuestas que parecen preocuparse fundamentalmente por mostrar originalidad a cualquier precio, anteponiendo impacto a trascendencia. Según tu criterio ¿todo vale?

No, no todo vale. Y eso se ve muy bien cuando algún artista, en su afán de protagonismo, presenta una obra que llama especialmente la atención a los medios de masas. Si detrás no hay nada, al final se suele caer por su propio peso, ya que esos mismos medios dejarán de apoyarle si no consigue que su propuesta siga manteniendo el mismo nivel o superior de impacto, gracias al escándalo o el absurdo. Es una pena, pero es así.

Finalmente ¿Qué opinas de la escena electrónica nacional?

Creo que la escena electrónica, por primera vez en la historia, nos ha pillado dentro; por lo tanto, hemos tenido acceso a la tecnología y el apoyo de medios igual que en otras partes del mundo. Aún se siguen notando carencias en la formación de nuestros músicos, pero en general nuestro nivel es bueno, mucho mejor que en el pop, donde estamos atascados desde hace décadas.

Tal vez falten más escaparates para ir creando una red más sólida, puesto que muchos trabajan de forma individual y es una lástima. He tenido oportunidad de juntar a creadores electrónicos con motivo de los talleres BrodcastingArt y ha sido muy satisfactorio ver que artistas cercanos físicamente no se conocían y que a partir de esos encuentros hayan surgido proyectos y sinergias conjuntas. Desafortunadamente la mayoría de festivales (especialmente los más importantes) no están al servicio de nuestros creadores, a los que en muchos casos la propia organización considera de segunda categoría.

La música de David García (Fur Voice) es luminosa y magnética. Su voz tiene la peculiaridad de haber encontrado asiento libre en una grada repleta de influencias heterogéneas. En sus canciones convive un poco de todo sin disconformidad, transmitiendo un optimismo ajeno a las frivolidades, que alivia la sed como un refresco en la terraza. Ha respondido a nuestras preguntas en esta entrevista.

TR – El proyecto Fur Voice parece estar a medio camino entre la creación musical, visual y vocal. ¿Es complejo nadar en esas aguas?

FV – No, sólo se trata de música, de creación musical. Aquí también entraría la creación vocal, que es importante para mí. Practico sesiones de armónicos para explorar la voz como instrumento, un mundo de mantra-trance que conocí en 2005 y que me cambió la visión de nuestro instrumento, algo tan natural como los limones. Lo que dices de creación visual son colaboraciones con otros artistas, por amistad y cercanía, Chuso, Morraja, González, ahora con Alba para Concerts Privats… Me gusta nadar en las aguas así que no me es complejo.

TR – Hoy en día se acostumbra a etiquetar rápidamente cualquier nueva propuesta musical, ¿crees que hay alguna que se adapte a ti?

FV – Sí, muchas se adaptan a mí.

TR – Tu propuesta artística muestra una especie de caos controlado ¿Cómo es el proceso creativo en tus composiciones?

FV – El proceso… a menudo comienza con un impulso que después se va desarrollando. Escribo letras en una libreta, a veces sólo una frase que con el tiempo crece. Después, o mientras estoy escribiendo las letras, pruebo armonías con los instrumentos que tengo en el estudio de casa, sobretodo con el piano y la voz, e improviso también ayudado por pedales de efectos y samplers. La improvisación te lleva a otra futura canción, que nace a la inversa que la anterior. Después grabo todo, selecciono, ordeno y vuelvo a grabar. Pasan meses quizá un año hasta que doy por acabada una canción.

TR – Fur Voice es un artista que trabaja en solitario o cuentas con un equipo de colaboradores en tus creaciones?

FV – Hasta ahora he compuesto siempre en solitario, así que me gustaría colaborar con alguien también.

TR – ¿Qué relación tienes con la música electrónica?

FV – Mi relación con la música electrónica viene desde la adolescencia, desde los 14 años que descubrí la vertiente más digital. Pasé de grabarme en cassette con la guitarra a toquetear programas para producir música. Esto fue una revolución para mí porque pude ampliar las canciones, evolucionarlas a algo más. También grababa sonidos de electrodomésticos y básicamente todo lo que tenía cerca, por ejemplo grabar al periquito y convertirlo en un sonido irreconocible, esto me encantaba. Tampoco tenía ninguna base musical ni cultural. Creo que lo primero que escuché de música electrónica fueron los sintes del «Low» de Bowie, por esa época, y no sabía que existían los sintetizadores. Creo que de alguna forma yo quería imitar la música electrónica que iba descubriendo pero como no sabía hacerlo me buscaba otras vías para llegar al mismo puerto. Y al final me daba cuenta que no estaba nadando en las mismas aguas.

TR – Tus videoclips tienen una intensa carga emocional ¿a qué nivel sitúas la creación visual en tu proyecto?

FV – Es lo que decía al principio, el proyecto es sólo musical, y los videoclips se suelen hacer para promocionar un disco. Están a ese nivel.

TR – ¿Es complejo trasladar tu música al directo?

FV – Al revés, nace en directo. Lo complejo es trasladarla al estudio.

TR – Fur Voice se considera un artista al que le gusta trabajar encerrado en su habitación o prefiere el contacto con el público?

FV – Por lo pronto no me quiero creer que tengo una única dinámica de trabajo. Me gusta lo que te da el contacto con el público para trabajar encerrado.

TR – ¿Qué opinas de la escena electrónica nacional?

FV – Estamos en un momento de cambios. Supongo que se notará en la escena también. De todas formas no te puedo hablar como si tuviera una idea muy clara, te puedo contar que recientemente por ejemplo estuve en un concierto de Lolo y Sosaku aquí en Barcelona y me gustó mucho. No sé si ellos pertenecen a la escena electrónica nacional.

TR – ¿Qué podemos esperar del Concert Privat Electrònic que estás preparando junto a Alba G. Corral y Logical Disorder?

FV – Yo por mi parte espero algo distinto, y espero que vosotros también.

www.furvoice.com

www.concertsprivats.com

La electrónica en directo cobra nueva dimensión sensorial gracias a los artistas visuales, que nos ofrecen un punto de enfoque en la experiencia de la percepción del sonido. Tímpano y retina trabajan juntos en hacer bailar nuestras neuronas. Hoy entrevistamos a Alba G. Corral, uno de los nombres más destacados en el arte de amplificar la música más allá del oído. Con la aportación de su sensibilidad exquisita en la generación de imágenes Live Cinema, descubrimos el espacio creativo de la música admirable (la que, literalmente, se puede mirar).

TR – ¿Qué música sueles escuchar?

AGC – Dependiendo del momento, ahora mismo estoy escuchando mucho a Chromatics, Grimes, Portishead (tuve la fortuna de verles en Barcelona), y grupos bastante nuevos que salen de la cantera SoundCloud. Soy de las que escuchan listas de reproducción, antes sí que escuchaba discos enteros, por ejemplo Placebo y su “Without you I’m Nothing” o “Purple Rain” de Prince.

TR – ¿Cómo generas tus visuales y qué materia prima utilizas en su desarrollo?

AGC – Las visuales son generadas en tiempo real, esto quiere decir que a medida que ocurre la actuación, a través de códigos (comandos que son interpretados por la máquina y generan acciones), puedo ir pintando la pared y sincronizando partes con la música. Últimamente también uso el recurso de Modul 8 que es muy intuitivo y fácil para realizar otro tipo de cosas, y luego voy mezclando y aplicando filtros en directo. Está dentro del contexto LIVE CINEMA. La materia prima de la receta es el código, la programación que es un lenguaje al cual estoy familiarizada y me resulta muy útil para «inventar» formas, texturas, colores y poder darles vida en el directo. Pero no me cierro a otras herramientas.

TR – Nos hemos habituado al maridaje en directo entre músicos y artistas visuales como forma de espectáculo audiovisual completo, pero en muchos casos seguimos asignando a la imagen un papel de acompañamiento decorativo ¿cómo se transciende ese prejuicio para lograr un protagonismo al 50 %?

AGC – El lenguaje de la imagen y el lenguaje del sonido generan un estado que nos ayuda a escuchar mejor y a ver mejor, el protagonismo del mensaje creo que no se debe medir a porcentajes equitativos, sino que tiene que empezar a pensarse de manera global, resultado de la visual, sonido, escena, público, y energía que se transmite, todo esto unido. Habría que pensar más los directos dejando el ego a un lado, el ego visual que hace que no se escuche la música mientras se trabaja y el ego musical que quiere ir casi siempre por delante. Por tanto no creo que sea un prejuicio, sino un camino de evolución en las actuaciones en directo.

Para poder expresar mejor los contextos y sin que uno vaya por delante ni por detrás, tendríamos que dar más espacios y silencios.

TR – ¿Crees que añadir visuales a los directos de los músicos es sólo una moda o lo consideras un territorio creativo definitivamente establecido?

AGC – En los últimos festivales que he podido asistir he visto un cambio de cómo se están realizando los directos con músicos. Estamos en un buen momento para entablar diálogos entre las luces de escenario, instalaciones leds, mapping, visuales y música. Siempre y cuando empecemos a encontrar el “por qué”.

El mapping tuvo su momento de apogeo y creo que cierra también una etapa (sobre todo después del espectáculo de Amon Tobin (ISAM). Las visuales es todo lo que puedes aportar y expresar para que el público prefiera ver el concierto sin estar con los ojos cerrados. Sobre si es una moda no se qué decirte. Creo que las modas individuales de cada medio (mapping, leds, luces, visuales, kinect) están convergiendo a proyectos mas multidisciplinares donde se puede expresar con mucha más libertad que antes.

TR – Cuando ilustras música ¿piensas en imágenes, en sonido, o en ambas cosas?

AGC – Cuando ilustro música me dejo llevar, al igual que cuando bailas sientes la música y tu cuerpo se relaja y se mueve.. es algo parecido. Pensar, lo que se dice pensar, lo realizo en el proceso previo que es cuando «armo» el set y programo los comandos. En el directo sientes y te metes como nadando en las ondas del sonido, se crea un feedback de sensaciones. Tienes una una preparación en la parte más técnica necesaria, pero no obsesiva. Lo que más me gusta es ese trance cuando estoy disfrutando de lo que estoy sintiendo con los sonidos y las visuales. El error forma parte de la sorpresa y la espontaneidad de dejarte llevar con algo que me apasiona que es la música es bastante mágico.

TR – ¿Has realizado proyectos al margen de ese vínculo con el sonido? ¿El público asimila un trabajo completamente visual sin el soporte de la música?

AGC – Sí, sí se asimila al igual que asimilas un cuadro. Aunque al igual que el sonido y el oído también se educa y se entrena nuestra observación y nuestro mirar.

Tengo en mente hacer algunas piezas en impresión, esas capturas de momentos, fotogramas que se quedan congelados me parecen fantásticos. Aunque con lo que disfruto más es con la unión visual-sonora.

TR – Compaginas tu carrera artística con la docencia formativa. ¿En qué estado dirías que se encuentra esta disciplina al contactar con la inventiva de otros creadores visuales?

AGC – Creo que está sedienta de descubrir y aprender las nuevas técnicas que van apareciendo donde la programación cada vez es menos analítica y más creativa. Pero para poder llegar a un punto donde podamos utilizar estos conocimientos nos tenemos que dejar llevar primero por intentar descubrir qué es lo que queremos expresar, o por donde nos sentimos mejor haciendo cosas, y más tarde la técnica nos dará el refuerzo que necesitamos. Aunque aprendiéndola antes iremos más fluidos en la etapa de creación pura y personal. La gente está muy preparada en el terreno multidisciplinar y la creación visual ha entrado en las escuelas para poder dar una herramienta creativa muy potente. La generación “Da Vinci” me parece super interesante. Privilegiados.

TR – Siempre te vemos abierta a colaboraciones con otros artistas. Eso nos parece una manera muy sana de enriquecer el trabajo propio. ¿Notas todo lo aprendido de ellos en tu trayectoria?

AGC – Si no colaborara estaría en el pozo del desarrollo solitario sin mostrar lo que me gusta crear y sin llenarme de los demás. Todo forma parte de por qué me divierte todo esto, y colaborar, aprender, caminar con otras personas es una de las partes más importantes y enriquecedoras de todo este juego. Aprendes que lo más importante es la valoración mutua, que te llene, que sientas el trabajo de los demás y que el respeto sea mutuo y la libertad creativa exista al igual manera en la visual y en sonido. Somos muy diversos, tenemos maneras de procesar y de colaborar cada una muy dispar. Sin música no podría crear este tipo de directos. Me alimento de ellos.

Por ejemplo los primeros conciertos que hice con Miguel Marín (Arbol) han sido de los que más aprendí. Aun no tenía las tablas y la confianza que puedo tener ahora, y él confiaba en mí, siendo muy riguroso. Es uno de los músicos que mejor visualiza su música. Tiene en su universo sonoro una pantallita. Hicimos juntos varias actuaciones que son joyitas en mi memoria.

TR – ¿En qué otros proyectos estás trabajando actualmente?

AGC – Ahora mismo hemos acabado la segunda gira de The Space in Between con Nikka, proyecto que sigue vivo y transformándose. Nos sirve para poder plasmar una idea colaborativa que tenemos muy clara las dos. El grupo Stendhal Syndrome sigue contando conmigo para sus directos, todo un placer.

Aparte de estos dos proyectos, que son los mas fijos y estables, he pasado por un periodo de movimiento interno y externo que seguro afectará a cómo quiero hacer las cosas a partir de ahora.

Para la temporada que viene ando preparando una actuación en Barcelona con un festival emergente y de muy buena calidad que me apetece un montón. Invertiré más tiempo en el proceso de producción.

TR – ¿Qué podemos esperar del Concert Privat con Fur Voice y Logical Disorder?

AGC – Como decía antes, este es uno de los primeros proyectos que vamos a realizar después de este punto de inflexión que siento y quiero tener. Así que experimentaremos cosas nuevas e intentaré crear un ambiente visual y escenográfico para dar un hilo a estos dos artistas que admiro y que nunca he tenido la oportunidad de trabajar con ellos. Intentaré hacer que merezca la pena escuchar la música sin cerrar los ojos.

www.albagcorral.com

www.concertsprivats.com

Logical Disorder (Javier Barrero) es una de las referencias más destacables e interesantes de la electrónica nacional. Su trabajo investiga aspectos más ambientales del techno post-industrial. Su sonido es hermosamente denso y oscuro, sin renunciar a un espectro cromático amplísimo en matices. Los totalitarismos, el desánimo o los estados mentales alterados son referentes de sugestión en su obra, logrando dotarlos de una sensibilidad épica. Además, acaba de publicar disco: The Place Where The Eyes Don’t See, recientemente reseñado en Transistora.

TR – Tu obra tiene un componente marcadamente perturbador ¿Es premeditado el despertar al público pasivo?

LD – No es que mi intención sea despertar a los demás, creo que es mas bien una manera de expresarme a través de la música, no obstante como soy un poco exhibicionista sí que me gusta provocar y hacer ver a los demás cosas que creo que son abominables dentro del sistema en el que vivimos, y en el que estamos tan tristemente enquistados. No pretendo plantear ninguna solución, solo preguntas.

TR – ¿Qué proceso creativo sigues a la hora de crear música?

LD – Me dejo llevar bastante por el momento y me suelto la barba, es como cuando tienes una fantasía sexual o haces el amor con alguien con el que tienes confianza, luego es plasmarlo mediante un secuenciador. Somos lo que comemos, lo que oímos, lo que tocamos… Creo que simplemente proyecto, digamos, lo que hay en mi base de datos en ese momento. También depende mucho del estado de ánimo y del día.

TR – La religión, los estados mentales alterados, la marca de los totalitarismos, la resistencia a la esperanza… ¿es fácil partir de esta materia prima candente para componer?

LD – Aunque no lo busco, son las historias con las que vivimos a diario, es algo que me sale solo. Si después de leer las noticias o ver programas de actualidad, te quedas igual con todo lo que está pasando en el mundo, si no te estremece, entonces es mejor que no escuches lo que hago, porque no te va a gustar.

TR – No obstante, tu trabajo no sólo se recrea por definición en ambientes oclusivos y sombríos, también reconocemos atmósferas más aireadas y frescas. ¿Es también la belleza un objetivo?

LD – Siempre me ha gustado la dualidad y la eterna lucha entre el bien y el mal. Todo en la vida tiene su carga positiva y su carga negativa, desde nuestros átomos, a la electricidad, el magnetismo… No hay construcción sin destrucción.

TR – Un ejemplo de cómo te las gastas: hemos visto directos tuyos en los que te acompañas de proyecciones de un documental sobre Hitler desfilando en Weimar. Nosotros hacemos una lectura de crítica subversiva al respecto, pero creemos que no todo el mundo lo entiende así. ¿Te ha traído problemas este tipo de conducta?

LD – Entiendo que quien viene a ver uno de mis directos está al tanto del tema, sin embargo no digo que no me gustaría actuar en un sitio digamos “no propicio” y crear un poco de alboroto. El objetivo de esas imágenes es eso, provocar y hacer pensar que no estamos tan lejos en el tiempo, que seguimos en los totalitarismos, aunque lo disfracen de normalidad, mi intención es que no te quedes igual.

TR – ¿Qué opinión te merece la música que sólo aspira a ser un entretenimiento?

LD – Tiene que haber de todo, pero personalmente, si una canción no mueve ninguna neurona dentro de mi cerebro no tiene ningún valor. La música es un lenguaje, y como toda narración, sin algo que decir, para mí no tiene sentido.

TR – ¿Cómo ves el panorama de la electrónica nacional?

LD – La rutina del mal… proyectos muy interesantes sin una escena decente donde transmitirse al público. Las instituciones se han encargado de que esto pase, y lo han hecho muy bien. Parece que nada es bueno si hace que pienses.

TR – ¿Qué opinión te merece la situación política que vivimos?

LD – Que estamos llegando a un cambio de ciclo, donde la presión que están ejerciendo sobre el pueblo finalmente traerá un quiebre de la sociedad y podremos ver un cambio. Pero también pienso que para eso aun falta mucho tiempo, estamos acostumbrados a ser serviles y obedecer las ordenes por muy difícil que nos lo pongan, como Milgram en su experimento.

TR – ¿En qué proyectos estás trabajando ahora?

LD – Ahora estoy con la promoción del nuevo álbum, intentando tocar fuera de Barcelona para expandir el virus. También estoy trabajando con Anna Anglès, una pintora y amiga en una instalación sonora y visual. Voy a colaborar próximamente con David Jornet (Strange2) en un álbum conjunto, y con David Gracia (Fur Voice) hemos empezado ya a hacer algo de ruido juntos, con él voy a hacer el próximo Concert Privat y esperamos sacar algo juntos a no tardar mucho. Y cómo no, estoy empezando a recopilar sonidos para lo que será un nuevo álbum que se editará en el sello Lovethechaos.

TR – ¿Qué podemos esperar del Concert Privat con Fur Voice y Alba G. Corral?

LD – Para mí algo nuevo, será como coger 3 frutas distintas y meterlas en la batidora, me parece que es muy buena mezcla. Tengo buena relación con ellos, Alba y yo hemos hecho algo juntos, y con David como decía antes ya hemos hecho el primer contacto y ha sido muy positivo.

www.logicaldisorder.com

www.concertsprivats.com

Hemos entrevistado a Microclima, una reciente plataforma de creación artística nacida en Barcelona. Jordi Saludes y Fernando Lagreca, sus responsables, nos cuentan qué es esta iniciativa y cómo trabajan.

TR – Microclima se presenta como una nueva plataforma de creación artística ¿podríais definir en pocas líneas qué la hace singular?

MC – Creemos que una de las cosas que más nos diferencian con otras plataformas es que intentamos darle una salida de tipo artístico a proyectos que involucran aspectos más relacionados con temas de cultura y sociedad. Desde un comienzo tenemos claro que no queremos ser un colectivo de artistas cuyo único objetivo es tocar o presentarse, o una agencia de booking o un sello. Nos interesa mucho más desarrollar o participar en proyectos en los cuales podamos de alguna manera permitir que la energía creativa de nuestros artistas esté presente. Somos una alternativa a lo más obvio para un artista, que sería la típica acción de conseguirle un bolo… queremos que su obra se pueda aplicar a otros aspectos que no sean la mera exhibición.

TR – Destacáis que sois un colectivo de artistas de la ciudad de Barcelona. Sin embargo, hoy es más sencillo que nunca trabajar online desde cualquier parte del mundo ¿Microclima está abierto a iniciativas de otros lugares?

MC – Si, ¡por supuesto! Tenemos proyectos y líneas de colaboración con otros artistas y profesionales en Paris, Londres, México DC, Tokyo, etc… y estamos abiertos a nuevas propuestas, vengan de donde vengan. Pero creemos en la frase “piensa global y actúa local”, y en lo que se refiere a nuestro radio de acción, debería crecer concéntricamente. Nosotros somos de Bcn, es nuestro espacio vital, y ahí es donde pensamos que podemos aportar nuestro grano de arena, para generar sinergias entre artistas, promotores y público, y donde podemos hacer una labor más comprometida a todos los niveles… lo que no quita que al mismo tiempo trabajemos con artistas, promotores o clientes de cualquier otro sitio.

TR – ¿Cómo y cuándo nace el proyecto?

MC – El germen o la idea de microclima nace en un encuentro informal de cuatro artistas, todos ellos músicos, dos de los cuales somos Jordi y Fernando. En ese encuentro surge la idea de intentar montar algo que sea una alternativa a cosas ya vistas en la ciudad a nivel de la escena de música electrónica, que es de momento nuestro campo de acción más predominante. Pensábamos en una plataforma o algo que nos representara, que nos hiciera crecer como artistas, que nos permitiera presentarnos en bloque, que nos hiciera tener más “pegada”, si se puede decir. En ese momento cero definimos lo que “no” queríamos ser, es decir, no queríamos ser una agencia de booking, ni un sello, ni una agencia de publicidad, etc, etc… y de a poco nos planteamos la posibilidad de hacer realidad la idea. Uno de nuestros integrantes estaba haciendo un máster en gestión cultural, planteó la idea de microclima como proyecto de fin de carrera y tuvo un fuerte apoyo académico, y a partir de ahí fue un trabajo de hormiga hasta llegar a gestar microclima tal y como sale a luz… hoy microclima está gestionado solamente por dos de las personas que estuvieron en su idea original, los otros dos siguen vinculados a la plataforma pero como artistas del roster.

TR – ¿Cuál es el proceso creativo/logístico que se pone en marcha cuando os llega una propuesta de proyecto?    

MC – Primero estudiar las características del proyecto, para poder hacer una evaluación de las necesidades artísticas, técnicas, financieras, etc. y en base a esto, ver las posibilidades de viabilidad. Si aceptamos el proyecto, elegimos el equipo de artistas y profesionales más adecuado, y presupuestamos. A partir de este punto, supervisamos todo el proceso hasta que concluye.

TR – Estáis a medio camino entre agencia de publicidad, comunicación y promotora cultural ¿cómo se compaginan esos ámbitos?                       

MC – Creemos que se compaginan bastante bien, siempre y cuando, a través del lenguaje artístico de nuestras propuestas, se le dé ese valor agregado que de alguna manera intentamos que nos diferencie. En nuestro esquema de la cadena de valor, el lenguaje artístico es fundamental, es allí donde logramos implicación de nuestros artistas, y es lo que determina que podamos de alguna manera convivir a mitad de camino de varias cosas: podemos operar casi como una entidad sin afán lucrativo si el proyecto lo requiere, podemos por otro lado, realizar trabajos o campañas con un mayor componente de valor económico, o podemos estar “in between” de estas dos cosas, es decir, a mitad de camino, que es donde más cómodos nos sentimos, y en donde creemos que se puede tener más alcance real a nivel social y cultural.

TR – ¿A qué tipo de público y/o cliente se dirige Microclima?

MC – Nos dirigimos a un público bastante variado… los que se tomen el tiempo suficiente en nuestra web verán que hay artistas muy diversos, con obras, asimismo, muy diferentes… algunas propuestas son ciertamente arriesgadas, y se orientan a un público más o menos “especializado”, pero otras, estamos seguros que pueden gustar a muy amplios sectores de público. Uno de nuestros principales objetivos es encontrar nuevas salidas para la obra de nuestros artistas, mas allá de los formatos obvios en cada disciplina, y poder generar nuevos proyectos y llegar a otros tipos de público. Eso en cuanto a público, tomado como consumidor de cultura o de espectáculo, si hablamos de cliente, planteamos dos líneas estratégicas: en una de ellas incluso los artistas pueden ser nuestros clientes, ya que dentro de nuestros servicios incluimos diversos tipos de asesoría artística, tanto para músicos, como para clubes, promotores, sellos, etc. y por otro lado también pueden ser clientes de microclima ONGs o entidades que necesiten algún tipo de contenido y/o solución audiovisual de bajo coste para sus proyectos. El abanico es bastante amplio.

TR –  Respecto al área de la música electrónica ¿qué relevancia tiene en la iniciativa y con quiénes estáis trabajando?

MC – Dado que los dos gestores de la plataforma somos músicos electrónicos, sin duda que esta disciplina ocupa un papel muy importante, no sólo como comentábamos antes desde el punto de vista de exhibición, de hacer conciertos, de conseguir bolos, etc, sino también por ejemplo a la hora de componer bandas sonoras, diseñar sonido para documentales, y otras actividades relacionadas con el tema audio, que es uno de los sectores que más tocamos. Es por lo tanto relevante a la hora de un funcionamiento se podría decir que base… luego, a partir de tener un cierto número de clientes que de alguna manera nos conocen y con los que nos relacionamos a través de proyectos enlazados con música electrónica, es donde intentamos construir redes para promover otras ideas, proyectos y artistas. Actualmente en el roster de música electrónica contamos con gente como Adyo, Nev.era, Strange2, Lucius Works Here, D-Fried, F.Lagreca, Fibla en su faceta de DJ, Logical Disorder, y algún proyecto más.

TR – Habéis participado en algunos festivales o jornadas de música electrónica ¿tenéis pensado crear vuestro propio evento, showcase, o cualquier otro formato, de artistas Microclima?

MC – Teniendo en cuenta que apenas llevamos 6 meses de vida, aun no nos hemos sentido con autoridad moral para proponerlo, pero por supuesto, hemos pensado en ello… nos gustaría poder montar algún showcase en algún festival como puede ser Sónar, poder ir a ferias internacionales como el Eurosonic o el PopKomm a enseñar nuestros artistas, y gestionar proyectos junto con la gente de CatalanArts! por ejemplo para mover nuestra propuesta fuera de España. Lo que de momento no tenemos pensado, creemos que no lo haremos jamás, es montar nuestro propio festival… hay ya demasiados festivales desde hace años, e incluso tenemos nuestras dudas de que el concepto festival al que estamos acostumbrados sea viable en un entorno de recortes y pocas ayudas públicas, con lo cual preferimos otro tipo de proyectos… aunque claro que nos encanta ir a festivales, y que nuestros artistas toquen allí!

TR – ¿Qué proyectos tenéis en marcha en estos momentos?

MC – Hemos puesto en marcha una nueva división dentro de la plataforma, que la denominamos µ-learn, y que son una serie de talleres, la mayoría de ellos para los más pequeños… estamos trabajando en la banda sonora de un documental de corte ecológico… también participaremos en un proyecto de difusión científica para jóvenes a través del Instituto de Ciencias Fotónicas, …en mayo comenzamos a trabajar en la música de la segunda temporada de una serie de arquitectura contemporánea para un canal de televisión de México… y un par de cosas más que tenemos para concretar, entre ellas un ciclo de conferencias o workshops en un nuevo espacio que se ha abierto hace muy poco en Gràcia (meeatings23) y una serie de colaboraciones con el centro educativo Mad Center.

TR – ¿Cuál es el futuro que esperáis para Microclima?              

MC – Nos gustaría poder seguir en la línea que nos hemos marcado, que nuestros artistas se sientan cuidados y arropados con el proyecto, y que podamos poco a poco trabajar en más proyectos de tipo social. Tenemos muy claro que microclima lo planteamos como una carrera de fondo, en la que tenemos que aprender día a día e intentar dar lo mejor para lograr proyectos de utilidad o que reviertan en la sociedad de alguna manera. Con esto, que ya es bastante, nos sentiríamos más que satisfechos.

www.micro-clima.com

Tras el nombre de Las CasiCasiotone encontramos a las infatigables Ana Quiroga y Eugenia Pañeda. Esta es una de las propuestas artísticas más prolíficas e interesantes del panorama electrónico español, que trasciende en múltiples formatos el modo habitual de relacionar música y público, en busca de nuevas interacciones y un ameno enriquecimiento cultural. Las hemos entrevistado en Transistora.

TR – Las CasiCasiotone no es sólo un grupo de música ¿Podéis contarnos qué otras actividades desarrolláis?

LCC – Aunando nuestras distintas facetas profesionales hemos ido creando y desarrollando distintos proyectos. Por un lado, proyectos educativos como ElectroKinder y los Talleres Arte & Salud, y por otro, diversos proyectos audiovisuales en colaboración con otros artistas, como Unstable Society, un live cinema junto a Adrián Cuervo, Fundición, un spoken word junto al poeta Javier Lasheras, la plataforma de música electrónica BeatFull Day, las acciones telecompartidas conIntact… Así como instalaciones sonoras, improvisaciones, performances, etc.

TR – ¿Cuánto tiempo lleváis trabajando juntas?

LCC – Uge llevaba unos cuantos años pinchando y al conocernos (a finales del 2007) comenzamos a pinchar juntas en diversos locales de Asturias. Paralelamente, junto con unas amigas, intentamos crear un grupo de electro-punk, al final la cosa no salió adelante pero ya se había encendido una chispa imparable. Empezamos a crear y producir temas y nos dimos a conocer como Las CasiCasiotone en Abril del 2010.

TR – Es notable la distancia entre el CasiMiniFest, con su dura propuesta en sonido e imagen, y la pedagogía lúdica de las jornadas ElectroKinder ¿os entraña dificultad pasar de un extremo al otro?

LCC – ¡Para nada! Nos encanta poder trabajar todas las facetas. En realidad no son proyectos tan dispares ya que mantienen muchos nexos en común: arte, música, cultura… Ambos mantienen el mismo espíritu: generar espacios en los cuales compartir y acercar a las personas las artes audiovisuales, así como propuestas innovadoras y diferentes.

TR – ¿De dónde se nutre la hiperactividad de vuestro proyecto?

LCC – Ambas somos dos personas con mucha energía y está claro que al juntarnos se ha convertido en una energía sumativa. Nos brotan muchas ideas de la cabeza y tenemos la necesidad de que se gesten y tomen forma. Estamos convencidas de que merece la pena luchar por lo que uno cree y sueña, aunque el resultado a veces sea inesperado.

TR – Siendo dos personas ¿cuál es vuestra metodología creativa? ¿Tenéis funciones específicas diferenciadas o compartís capacidades?

LCC – Nuestra metodología creativa es un tanto caótica ya que somos autodidactas y no tenemos una disciplina a la hora de componer y crear. Uge lleva el peso de la mayoría de las composiciones y Ana es la reina de los ruiditos y los arreglos. Nos complementamos muy bien, somos ying y yang: Uge es más perfeccionista y Ana es más arriesgada. Respecto a las funciones específicas, nos damos total libertad la una a la otra, y casi siempre sabemos encajar lo que cada una puede aportar a cada creación. Al fin y al cabo todo es un proceso en constante cambio.

TR – Contáis con una más que interesante cartera de colaboradores ¿qué feedback hay con ellos?

LCC – Muy bueno, es lo más básico para poder trabajar y crear con otras personas. Esa sintonía queda reflejada en el resultado de los proyectos, es enriquecedora, hace más versátil la obra, amplía las disciplinas artísticas que manejamos unos y otros, generando vínculos importantes y fortaleciendo algo que consideramos esencial en todo: compartir.

TR –  ¿Para cuándo un disco propiamente dicho de Las CasiCasiotone?

LCC – El año pasado sacamos en formato físico una maqueta auto producida. Y pronto publicaremos dos EPs en formato virtual en dos conocidos y muy dispares labels de la escena electrónica. El disco, para más adelante, con calma, ¡ahora estamos tramando muchas cosas!

TR – ¿Se pueden ver afectados vuestros proyectos de gestión cultural por los últimos cambios políticos en las instituciones?

LCC – ¡Esperamos que no! La cultura no debería ser una herramienta política a merced de las instituciones, sino un elemento de comunicación, creación y participación libre. Por desgracia muchas veces no es así. Nosotras somos conscientes de ello y es por eso que intentamos que parte de nuestros proyectos sean independientes y autofinanciados.

TR – ¿Qué opináis de la escena electrónica nacional?

LCC – Fuera de los circuitos más comerciales (porque estos la verdad que los desconocemos) nos parece que hay gente buenísima, con producciones y proyectos muy interesantes. Aunque también tenemos la sensación de que hay gente muy válida que, desconocemos las razones, no se mueve. Y nosotras sabemos por experiencia que es muy duro sacar las cosas a la luz, lleva mucho trabajo y requiere mucho esfuerzo y perseverancia.

TR – ¿Vuestro futuro más o menos inmediato?

LCC – A lo largo del mes de Diciembre estaremos colaborando en una performance junto a Jordi Vall-lamora. También, ese mismo mes, tocaremos en Gijón en un encuentro con distintos músicos y en Enero participaremos en los conciertos de los Talleres de Músicos del CCAI de Gijón.

Por otro lado, estamos en pleno proceso de creación de nuestro nuevo proyecto Fundición con Javier Lasheras. Y gestando poco a poco lo que será nuestro próximo proyecto audiovisual junto a Adrián Cuervo.

www.lascasicasiotone.blogspot.com

Hablamos con el gallego Alfonso Civantos (alias Phone), un DJ con una larga carrera y fundador del emergente sello Subsist Records afincado en Valencia, para conocer la cronología de un proyecto creado a base de muchas horas sin dormir y pasión por la electrónica.

TR – Dentro del maremágnum de sellos y net labels que prosperan actualmente, introdúcenos brevemente qué es Subsist Records y cuál es su singularidad.

AC – Básicamente Subsist Records trata de publicar material de artistas que tienen mucho que aportar en la escena electrónica actual.

TR – Tienes una larga experiencia como DJ. ¿Qué razones te llevaron a crear un sello con un catálogo tan variado?

AC – Después de trabajar muchos años dentro de la escena electrónica nacional, creo que ha sido una evolución natural y que realmente necesitaba desarrollar.

TR – ¿Podría decirse que has colgado los auriculares definitivamente para centrarte en la dedicación al sello o sigues con tu faceta de DJ? 

AC – En absoluto, por ahora puedo compaginar, no sin esfuerzo, mi labor como responsable del sello, actuar como DJ y por supuesto, trabajar mis 8 horas diarias.

TR – Llevas más de 12 años metido de lleno en la música electrónica. ¿Qué cambios has experimentado en todo este tiempo a nivel personal?

AC – Mis inquietudes musicales me llevaron a finales de los años 90 a crear el colectivo Komakino con el que hicimos muchos eventos de música electrónica, tanto en el circuito de clubs como en free partys. Fueron 10 años realmente intensos en los que pudimos traer a Valencia (ciudad donde resido) muchos y muy buenos artistas con los que nos sentíamos identificados: Pacou, James Ruskin, Joey Beltram, Michaelangelo, Mark Broom, etc… Todo esto era compaginado al mismo tiempo con muchos eventos locales y actuaciones nacionales, así como shows en algunas ciudades europeas.

En esa época había mucho mas público y una gran apuesta por parte de los clubs, promotoras y colectivos con los que trabajábamos. Pero al final llevar ese ritmo de trabajo agota y tras 10 años al pie del cañón produciendo eventos de música electrónica, decidí comenzar un proyecto mas personal. De modo que lancé el sello a finales de 2008.

En la medida de mis posibilidades también estoy dedicándole tiempo a la producción, pero no tanto como quisiera, ya que entre el sello y trabajar para vivir, hay ocasiones que tengo poco margen de maniobra. En cualquier caso, me gusta decir que sin prisa, pero sin pausa.

TR – Subsist Records cuenta con un interesante catálogo que incluye artistas que proceden de lugares bastante recónditos, que no son reconocidos precisamente por su escena electrónica. ¿Cómo contactas con estos artistas y llegas a trabajar con ellos?

AC – Actualmente y gracias a Internet es posible contactar con artistas que una vez conocen el proyecto, se involucran de lleno en Subsist Records.

TR – ¿Cuánta influencia personal (musicalmente hablando) de Phone, tu alias como DJ, hay en los discos que publica Subsist Records?

AC – Muy sencillo, básicamente es música que me gusta escuchar y pinchar. Por ese motivo la publico en el sello.

TR – Cuidáis mucho la imagen en la promoción de vuestros discos. Vemos un esfuerzo en ese sentido ¿Cuánta importancia otorgas al diseño que envuelve cada publicación?

AC – Siempre me ha interesado las artes visuales en todas sus vertientes: fotografía, diseño gráfico, cine, video. Por lo que en mi caso, siempre le doy mucha importancia al diseño de portadas.

TR – La industria musical ha dado un giro de 180 grados en los últimos años, afectando de manera especial a los sellos. ¿Crees que ahora que se desmoronan las fórmulas especulativas de negocio hay más libertad para crear un sello realmente independiente?

AC – Hoy por hoy y bajo mi punto de vista es mas fácil que antes. La llegada de la era digital ha abierto innumerables puertas de distribución. Hay una gran cantidad de buena música repartida en vinilos, net labels, y sellos convencionales. Considero que, como en todas las cosas, lo que prima es hacerlo con pasión y dedicarle tiempo, ganas y esfuerzo.

TR – ¿Mundo digital o mundo analógico?

AC – No es un factor que tenga en cuenta a la hora de disfrutar de la música.

TR – ¿Cuales son tus influencias musicales?

AC – My Bloody Valentine, Joy Division, Tortoise, Portishead. Aunque mi principal influencia es la movida neoyorquina de finales de los 70 y principios de los 80: la «No wave». Grupos como DNA, Mars, Lydia Lunch, Glenn Branca o James Chance es lo que mas escuché en mi adolescencia, aunque debo admitir que mi grupo fetiche es sin duda Sonic Youth.

TR – ¿Planes de futuro más o menos inmediato para Subsist Records? 

AC – La próxima referencia, que irá en formato digital, será un doble recopilatorio que incluirá el trabajo de más de 20 artistas. Aunque debido a la crisis, su lanzamiento se retrasará hasta principios de 2012.

TR – Conociendo tu faceta y experiencia como promotor de fiestas en clubs ¿Tienes pensado generar showcases del sello?

AC – Ya se están realizando aquí en Valencia desde hace algún tiempo las fiestas “Happy Mondays” de Miniclub. En ellas hemos podido disfrutar de las actuaciones de Fanon Flowers, Aubrey, Nick Dunton, Elektrabel o Voidloss, entre otros. Debo decir que estas fiestas con los artistas de Subsist Records se llevan a cabo gracias a la ayuda de David Verdeguer, la gente del Miniclub e Hypnotica Colectiva.

TR – ¿Qué opinas de la escena electrónica nacional?

AC – A nivel de clubs, considero que aunque hay un pequeño reducto de gente que apuesta por traer interesantes artistas al territorio nacional, finalmente la gran mayoría de clubs siguen unos patrones de programación muy estandarizados. En mi opinión, esto deja al público sin opción de poder disfrutar de una gran cantidad de artistas no tan conocidos. Y hay que sumar que la crisis que vivimos ha provocado que esto vaya a peor.

Referente a sellos nacionales, creo que hay muchos interesantísimos: Semantica, Area 51, Miga, Plataforma LTW, Transhuman, Overflow, Chaval Records… etc. Dentro de lo variado de sus propuestas, me hacen sentir que hay un gran número de personas haciendo un gran trabajo, que permite que la escena electrónica española no tenga nada que envidiar a la de otros países.

http://subsist.bandcamp.com/

http://soundcloud.com/subsist

http://thesubsist.blogspot.com/

http://twitter.com/phone_subsist

http://www.youtube.com/subsistrecords

http://www.discogs.com/label/SUBSIST

Al mismo tiempo sello y autor. ¿Quién es la mente que traza los planos bajo el nombre de Architectural? Sea quien sea, ha querido dar rienda suelta a la creatividad que latía bajo su piel y ha esculpido los tracks que están cimentando una sólida base de materia sónica. Transistora le plantea 10 preguntas para conocer un poco mejor su proyecto.

TR – Con el EP 004 cierras un ciclo ¿Era este el formato inicial cuando arrancó el proyecto o ha ido cogiendo forma a medida que te adentrabas en él?

AR – Tenía un proyecto pensado, pero tengo que reconocer que he ido variando un poco el plan. Quizás el 002 es el más techno de todos, pero poco a poco me iré adentrando en muchos terrenos cada vez más alejados del Techno.

TR – Como obra de concepto, estos cuatro EPs guardan una coherencia y solidez creativa muy madura y metódica ¿Cuál es tu proceso habitual para conseguirlo?

AR – El proceso digamos que es pensar en un sonido especial y concreto para el proyecto tanto en el lado técnico como en el creativo. Fusionar varias vertientes musicales que te inspiren y luego solo publicar lo que realmente se identifique con esa línea de sonido. Creo que esto es importante para que sea un proyecto sólido y tenga credibilidad.

TR – En todas las facetas artísticas hay una dependencia hacia las herramientas y la técnica necesaria para su utilización. En el caso de la música electrónica a veces existe una delgada línea entre llevar la máquina hasta dónde quieres, o acabar haciendo simplemente lo que la máquina te permite hacer ¿Cómo valorarías tu grado de libertad respecto a las máquinas a la hora de componer?

AR – Lo mejor de este proyecto es que tengo toda la libertad del mundo, conozco muy bien las posibilidades de mis máquinas e intento exprimirlas hasta que suenen lo más personal posible. Con los medios que hay hoy la verdad que las posibilidades son casi infinitas. Una vez que conoces las máquinas que tienes solo tienes que encontrar como plasmar lo que tienes en la cabeza.

TR – Consideramos que tu música destila muy levemente influencias jazzísticas, disco, e incluso de la música negra americana ¿Qué importancia otorgas a estos géneros (por llamarlos de algún modo) y en qué grado impregnan tu trabajo?

AR – El Soul y el Jazz son mi clave de inspiración para Architectural, es lo que más me inspira; luego hay más cosas: de todo se puede coger ideas, pero sin duda estas dos son las que más me ayudan. Soy un gran admirador de la música Soul, creo que no hubo ni habrá música con más sentimiento y fuerza al mismo tiempo que el Soul y yo busco plasmar en mi música un mensaje parecido: una fusión entre fuerza, sentimiento y tensión.

TR – En la pasada edición del L.E.V. de Gijón vimos cómo cerraste la noche del viernes 29 de abril y hace unas semanas escuchamos tu set de Bauhaus en Vigo del 4 de junio. Te defiendes muy bien en vivo ¿Directo o estudio, cuál es tu hábitat preferido?

AR – No me podría quedar con ninguno de los dos. Creo que como casi todos los productores el objetivo son los dos: primero creas discos en tu estudio y luego los pones en los sets. No hay nada más satisfactorio que eso, para mí va unido.

Por otro lado, tampoco quiero que se identifique mi set con un LIVE, el único live que hice como Architectural fue en el LEV. Nunca entendí porque esa etiqueta de live, cuando claramente no es un live, muchos otros artistas utilizan un setup parecido al mío y no veo que les pongan que es Live! Quiero que la gente entienda que esto es un proyecto y las actuaciones de Architectural es lo que se escucha, sin llamarlo live ni buscarle etiquetas.

TR – Tras el nombre de Architectural encontramos sello y artista ¿Esto es debido a un deseo de control de tu obra o sencillamente una necesidad?

AR – Si, digamos que es un deseo de control: es mi manera de mostrar que Architectural es un proyecto en todos los sentidos, tanto artista, como sello, como una actuación. Veo que es la mejor manera de que la gente se centre en la música, y no en el que está o los que están detrás. En un futuro no muy lejano también espero hacer cosas con más gente que también firmarán como Architectural: aparecerán en el vinilo los responsables de cada trabajo, pero en segundo plano. Que lo importante sea la música que sale en el proyecto.

TR – Nos sorprende gratamente la vitalidad de la escena electrónica en Asturias ¿Cómo se ha desarrollado ese ecosistema tan activo?

AR – La verdad, nunca entendí de donde viene esa idea que tiene el resto de España respecto de Asturias: en estos momentos yo diría que no hay prácticamente escena electrónica en Asturias. Lo poco que había cada vez programa menos, todo va cerrando y lo que es peor, ahora mismo la poca electrónica que hay en Asturias es demasiado comercial, hay pocos artistas funcionando que pinchen buena música y a los que hay se les aparta de la escena. Por supuesto que hay buenos eventos puntuales en Asturias y gente con ganas de hacer cosas muy buenas, pero vitalidad no diría que la haya. Nada que ver con los años 90.

TR – ¿Cómo es tu relación personal con la arquitectura?

AR – Tengo un hermano  arquitecto, pero no tiene nada que ver. La mía es otro tipo de arquitectura.

TR – ¿Qué opinión te merece el Centro Niemeyer de Avilés?

AR – No he estado allí todavía, pero me han hablado muy bien de él.

TR – Después de la presentación de 004 y su desarrollo ante el público ¿Qué nuevos proyectos te ocupan en estos momentos?

AR – Acaba de salir el 004: aún es pronto para pensar en más proyectos… van a salir cosas en Semantica, Paradigma y espero tener el Arch005 antes del 2012.

www.facebook.com/architecturalrecs